Hard Sensations - Filmblog

Es ist soweit...

2011-02-16T02:54:00.000-08:00

Noch ein wenig auf wackeligen Füßen aber ab sofort online: HARD SENSATIONS

Bisher sind es fast nur alte Texte von hier, aus der Deadline oder der Moviebeta. Ein bisschen was neues gibts aber auch schon. Wir beginnen mit sieben Autoren - ich bin also optimistisch, das dieser Relaunch Sinn macht und wünsche schonmal viel Spaß beim Lesen. Von den lieben Kollegen der Traumeskalation haben wir uns übrigens die Idee mit dem fortlaufenden Filmtagebuch geklaut.

Schönen Gruß, das war es jetzt an dieser Stelle.

Happy Harry mit dem Harten aka Marco Siedelmann

I'll be back

2011-01-05T08:16:00.000-08:00

Mickys Weihnachtserzählung

2009-12-07T09:01:00.000-08:00

REVIEW
(erschienen im Adventskalender bei Mann beisst Film)

Drei weitere weihnachtliche Reviews folgen...

Headless Horseman (Kurz-Review)

2009-12-01T09:25:00.000-08:00

Ungelenk und wenig unterhaltsam präsentiert sich diese Nu Image-Produktion, die erneut die bekannte Mär vom Kopflosen Reiter auf die Welt los lässt. Selten wurde die Erzählung von Washington Irving dröger adaptiert als in dieser abgeschmackten und klischeebeladenen TV-Version. Über Fernsehniveau kommt der mit furchteinflößenden Dialogen überfrachtete und gänzlich unspannende Film nie hinaus, weshalb eine DVD-Veröffentlichung schon eine Adelung bedeutet. Für den geneigten Zuschauer, der imstande ist jeglichen Anspruch über Bord zu werfen, wartet „Headless Horseman“ immerhin mit einigen deftigen Sauereien auf. Zwar fließt nur fürchterlich künstlich aussehendes CGI-Blut, dennoch sind die zahlreichen Kills die einzigen Schauwerte dieses Machwerks. Der hirntote Plot erinnert frappierend an „2000 Maniacs“ und ist obendrein noch garniert mit hilflos eingesetzten postmodernen Versatzstücken. Der Streber unter den Knallchargen, die nacheinander hingeschlachtet werden, hat nämlich die Vorlage zur eigenen Misere gelesen, was die in Osteuropa herunter gekurbelte Geschichte natürlich um keinen Deut interessanter gestaltet. Diese spielt die meiste Zeit in grellem Tageslicht, damit man die stinklangweiligen Locations auch schön ausführlich begutachten kann.Wirklich nur was für Allesfresser.

(zuerst erschienen in: Deadline Nr. 18)

TV Tipps 01.12.-04.12.

2009-11-30T05:45:00.000-08:00

Montag, 30.11.

Ghost Dog – Der Weg des Samurai (ARTE, 21:00)

Sicher nicht der beste Film von Jim Jarmusch, dennoch eine gediegen inszenierte und höchst sehenswerte Hommage an den französischen Gangsterfilm in der Tradition von Jean-Pierre Melville. Der Score von Wu-Tang-Mastermind RZA ist genial, Whitaker in seiner vielleicht besten Hauptrolle zu sehen.

Ran (MDR, 23:00)

Spätes Meisterwerk von Akira Kurosawa, das einen klassischen Shakespeare-Stoff virtuos zu einem japanischen Königsdrama umdichtet und virtuos gefilmte Schlacht-Szenen aufbietet. Ein ganz großer Film.

Ein stahlharter Mann (TELE 5, 00:10)

Harter Boxfilm mit Charles Bronson, von einem jungen Walter Hill als intensive Milieustudie erzählt, die zwar mitunter an langatmigen Durchhängern krankt aber mit Abstrichen zu den Highlights seines Genres gezählt werden darf.

Dienstag, 01.12.

2 Tage Paris (RBB, 22:50)

Wunderbar unverkrampfte und niveauvolle Beziehungskomödie von und mit Julie Delpy, die im allerbesten Sinn an die milden Komödien von Woody Allen erinnert.

Mittwoch, 02.12.

Ritter aus Leidenschaft (Kabel Eins, 20:15)

Kann als löblicher Versuch, dem ausgestorbenen Ritterfilm neue Facetten abzugewinnen, durchaus Sympathiepunkte verbuchen. Das rockige und betont moderne Spektakel ist dann aber doch etwas zu stark auf seine Zielgruppe (schmachtende Mädels) zugeschnitten...

Ploy – Die Unbekannte im Hotel (ARD, 00:35)

Ganz bestimmt ein Geheimtipp für Freunde des exotischen Kinos. Der verhaltene Kommentar in der TV Movie bestätigt das zusätzlich. Wird aufgenommen.

Donnerstag, 03.12

Transporter – The Mission (VOX, 20:15)

Habe ich mal zufällig im Fernsehen gesehen. Unglaublich hohler Schwachsinn, der seinen Vorgänger in allen Belangen unterbietet, was besonders die katastrophalen Stunts und miesen Computer-Effekte betrifft. Aber wo Luc Besson drauf steht ist meistens nicht viel zu erwarten – jedenfalls seit Jahren nicht mehr...

Total Recall (VOX, 22:05)

Verhoevens oftmals unterschätzter Kultfilm ist im TV bekanntlich unbrauchbar, da arg zerschnitten.

Freitag, 04.12.

Glauben ist alles! (Pro 7, 09:35)

Edward Nortons Regiedebüt. Hervorragend besetzt und charmant gespielt, umschifft der Film die gängigen RomCom-Klischees und lebt von der präzisen Figurenzeichnung. Klarer Tipp, wenn man auch von einem Feel-Good-Film etwas erwartet.

Party Animals (RTL II, 20:15)

Widerwärtige College-Komödie unter dem Label National Lampoon, das seit gut zwanzig Jahren als zuverlässiges Prädikat für flache Fremdschäm-Komödien steht. Selbst in diesem Kontext ist „Van Wilder“ immer noch ein Tiefpunkt.

Dämon – Trau keiner Seele (Pro 7, 22:25)

Lahme Mystery-Schlaftablette.

Adams Äpfel (3SAT, 22:25)

Eindringliche Bibel-Allegorie von Oscar-Preisträger Anders Thomas Jensen, der nicht umsonst als bester Drehbuchautor Dänemarks gehandelt wird.

Ein Fisch namens Wanda (WDR, 23:15)

Geistreiche und famos gespielte Komödie und der klar beste Post-Python-Film.

Review-Reihe: Erotik Classics (2)

2009-11-29T04:21:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

DVD-Reviews: Largo Winch & Blonde Ambition

2009-11-29T03:12:00.000-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)
BluRay-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

Moolaadé - Bann der Hoffnung (2004)

2009-11-28T06:24:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

DVD-Reviews: Sexykiller & The Crew

2009-11-28T06:20:00.000-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-Reviews: Black Swarm & Hinter Kaifeck

2009-11-28T06:16:00.001-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-Reviews: Book of Blood & Powder Blue

2009-11-28T04:30:00.001-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

Zwölf Stühle, Die (1962)

2009-11-28T02:54:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Rainbow Thief, The (1990)

2009-11-28T02:37:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

DVD-Reviews: Immigrants & Left for Dead

2009-11-28T02:30:00.000-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-Reviews: Polar Storm & Autumn of The Living Dead

2009-11-28T02:27:00.000-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-Reviews: Dying God & Die Todesfaust des Kleinen Drachen 2

2009-11-28T02:16:00.000-08:00

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

DVD-REVIEW (erschienen bei movieworlds.com)

Hustler White (1996)

2009-11-27T17:01:00.001-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Angry Monk - Eine Reise durch Tibet (2005)

2009-11-27T16:57:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Review-Reihe: Erotik Classics (1)

2009-11-27T16:47:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

No Skin Off My Ass (1990)

2009-11-27T16:44:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Anderland (2006)

2009-11-27T16:42:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

9to5: Days in Porn (2008)

2009-11-27T16:39:00.001-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Spielverderber (2007)

2009-11-27T16:34:00.001-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Transmorphers (2007)

2009-11-27T16:30:00.000-08:00

REVIEW (erschienen bei Mann beisst Film)

Sorry

2009-11-27T16:23:00.001-08:00

Hallo an alle die hier vielleicht noch reinschauen.

Leider hatte ich privat viel um die Ohren, habe in letzter Zeit aber wieder vermehrt auf anderen Seiten geschrieben. Bin erst jetzt auf die Idee gekommen, diese externen Reviews auch hier zu verlinken.

Bitte entschuldigt die lange Dürre-Periode. Vielleicht hält sich HARD SENSATIONS von nun an wenigstens durch Links zu externen Texten am Leben. Und die TV-Tipps habe ich auch vor, wieder einzuführen.

Dicke Entschuldigung auch an die Leute, denen ich nicht geantwortet habe.

Filmtagebuch: Trauzeuge gesucht & Mr. Woodcock

2009-09-03T17:01:00.000-07:00

Trauzeuge gesucht (2009)

John Hamburg ist ein Garant für harmlose, unverbindliche Hollywood-Komödien für die ganze Familie. Auch wenn seine Filme prinzipiell in geordneten Bahnen verlaufen und relativ überraschungsfrei bleiben, so weisen sie doch ein hervorragendes Gespür für humoristisches Timing auf. Perfekt zu betrachten am Beispiel seines Drehbuchs zu „Meet the Parents“ - nur selten weisen Filme eine derartige Gag-Dichte auf, ohne zur Sketch-Parade degradiert zu werden und jede Geschichte aus den Augen zu verlieren. Hamburg ist ein Könner wenn es darum geht, temporeich und kurzweilig zu inszenieren und auch Schauspieler sinnvoll einzusetzen – ist die Besetzung seiner Filme doch stets überaus prominent.

Nach „Safe Men“ und „Along come Polly“ ist „I Love You, Man“ Hamburgs dritter und bisher bester Spielfilm. Maßgeblich für diese Steigerung ist die neckische Prämisse, die wesentlich origineller ausfällt als noch beim direkten Vorgänger. Hamburg liefert hier eine romantische Romantic Comedy mit all ihren bekannten Eck- und Wendepunkten – mit dem Unterschied, das er von einer platonischen Männerfreundschaft erzählt und nicht vom Pärchen, das sich findet, streitet und am Ende wieder versteht.

Mit Paul Rudd und Jason Segel („How I met your Mother“) fällt die Besetzung der beiden Hauptfiguren nicht übermäßig prominent aus. Beide harmonieren aber sichtlich auf der Leinwand und geben ein sehr komisches Duo ab. Nur zur Erinnerung: Dies ist KEIN Buddy-Movie. „I Love You, Man“ kündigt es schon im Titel an: Er will die Besonderheiten einer Männerfreundschaft zum Handlungsgegenstand machen und ist nicht an einer Liebesgeschichte im traditionellen Sinn interessiert. Bemerkenswert ist, das Hamburg es unter diesen Umständen schafft, die Frauenfiguren im Film niemals unsympathisch erscheinen zu lassen – die Frau steht hier nicht im Weg, stellt sich nicht als boshafte Zicke heraus, wird aber auch nicht zur Randfigur degradiert. Keine so leichte Aufgabe, die hier elegant gemeistert wird: vielleicht schon zu gut, denn dieser Umstand wirkt so selbstverständlich, das er eventuell gar nicht ins Auge springt.

„I Love You, man“ ist eine rundum vergnügliche Angelegenheit geworden und unterhält bestens mit einer erfrischend aufbereiteten Story, die beweist, wie ein leicht veränderter Blickwinkel ganz neue Einsichten gewähren kann. Zudem hält der Humor ein gewisses Niveau und gibt sich nur in wenigen Szenen einer grobschlächtigen Machart hin. Als Beispiel dient hierfür sicherlich die Sequenz am Poker-Tisch, in der ein Schwall Kotze mitten im Gesicht von Jon Favreau landet.

Viel mehr Reiz bezieht der Film aber aus seiner Betrachtung eines Mannes, der eben nicht in Frauenfragen ratlos ist sondern keinen rechten Bezug zu einer männlichen Welt hat. Urkomisch, wie Paul Rudd sich schüchtern verhaspelt, als er eine Verabredung mit Jason Segel ausmachen will, wie er deplatzierte Witze reißt, weil er denkt es sei nötig oder wie er verschämt reagiert, wenn er nach seinen Masturbationsgewohnheiten gefragt wird. Segel legt seinen Charakter entspannt, offenherzig und ein wenig kindsköpfig an, womit er einen trefflichen Gegenpol bildet zum unbeholfen auftretenden Paul Rudd.

07/10

Mr Woodcock (2007)

Neben dem beachtlichen „Lars und die Frauen“ ist „Mr. Woodcock“ die zweite Regie-Arbeit des ehemaligen Werbe-Filmers Craig Gillespie. Anders als der melancholisch verträumte „Lars“ ist der zweite Film von Gillespie eine wesentlich leichtere und konventionellere Angelegenheit. Müsste man das unbedingt negativ ausdrücken, so könnte man den Film auch als flacher bezeichnen – womit man bestimmt nicht im Unrecht wäre, denn in „Mr. Woodcock“ wird eine wesentlich brachialere Sprache gesprochen. Gemeinsam haben beide Filme jedoch, das sie spöttisch und doch liebevoll einen Blick auf ein verklärtes provinzielles Amerika werfen.

Hier wie dort ist die Kleinstadt ein harmonischer Ort, wobei in „Mr. Woodcock“ der Spott überwiegt – dessen Zielscheibe sind Provinz-Gepflogenheiten die bierernst genommen werden, Lokalpatriotismus und vor allem die fragwürdige Branche der Selbsthilfe-Bücher. Diese werden mit scharfer Ablehnung, ihre Leser mit Verachtung geschildert. Ein solches hat die Hauptfigur, dargestellt von Sean William Scott (der hier fleißig gegen sein festgefahrenes 'Stifler'-Image anspielt), gerade geschrieben und es damit zu landesweitem Erfolg gebracht. Kurz vor seiner Buch-Tour kommt ihm ein Heimat-Besuch dazwischen, bei dem ihm nicht nur eine örtliche Ehrung zuteil wird sondern er auch erfahren muss, das seine verwitwete Mutter mit seinem ehemaligen Sportlehrer zusammen ist. Eben dieser Lehrer ist Mr. Woodcock, gespielt von einem grundsoliden Billy Bob Thornton, der solch zynisch abgeklärte Rollen mittlerweile aus dem Ärmel schüttelt und eine gewohnt routinierte Vorstellung gibt.

Leider macht der Film den gewaltigen Fehler, seine ohnehin fragwürdige Moral bereits nach der Eingangssequenz zu offenbaren. Von einer kurzen Szene aus der Kindheit, in der Mr. Woodcock die Schüler beim Unterricht malträtiert, wird in die Gegenwart und auf den Umschlag des geschriebenen Buches geschnitten. Vor der Überblende rät Woodcock seinem Schüler Farley metaphorisch wie wörtlich los zu lassen – der Buchtitel lautet dann „Letting go“. Offensichtlicher könnte das Drehbuch die finale Einsicht nicht vorweg nehmen: Nur durch Woodcocks strenge Behandlung konnte Farleys Motivation wachsen. Das Gillespie damit indirekt auch die Wiedereinführung der Prügelstrafe fordert, war ihm damit vielleicht gar nicht klar. Die reaktionäre Botschaft, die der Film vielleicht ungewollt transportiert, ist aber doch eindeutig heraus zu lesen.

Glücklicherweise hat sich auch Charakterdarstellerin Susan Sarandon in den Film verirrt und schafft es tatsächlich, ihrer schablonenhaften und devoten Figur, eine mütterliche Wärme zu verleihen. Außerdem wartet „Mr. Woodcock“ mit einigen skurrilen Nebenfiguren auf – so spielt Ethan Suplee („American History X“) einen sympathischen Naivling, der es zu nichts gebracht hat und wiederholt damit ein wenig seine Paraderolle aus der TV-Serie „My Name is Earl“.

Stößt man sich nicht am vorhersehbaren Handlungsablauf, den seltsamen Moralvorstellungen oder der rückständigen Pädagogik, die hier propagiert wird, dann kann Gillespies Komödie durchaus als unbeschwerte Unterhaltung funktionieren. Witzig, unterhaltsam und gut besetzt ist der Film in jedem Fall...

05/10

Meine Top 20 seit 1992

2009-09-03T09:38:00.000-07:00

Vergesst die Auswahl von Quentin Tarantino, der seine Vorliebe für abseitiges Kino wohl ziemlich außen vor gelassen hat, als er neulich seine Favoriten seit 1992 zusammen stellte. "Battle Royale" als besten Film der letzten 17 Jahre? "The Matrix" überhaupt in den Top 20 und ehemalige Nummer 1? Als einzige handfeste Überraschung den dumm-primitiven "Friday" mit Ice Cube? Was ist nur los mit QT, der doch sonst ein so sicheres Händchen für Geheimtipps hat? Vielleicht ist es am Ende pure Berechnung, eine so konventionelle Auswahl zu treffen?

Hier meine eigene Auswahl, allerdings auf das amerikanische Kino beschränkt - eine umfangreichere Liste wäre mir im Augenblick zu mühevoll und aufwendig, vor allem, weil die nicht so lieblos sein sollte wie jene von QT. Übrigens habe ich "Speed" nach reiflicher Überlegung doch aufgenommen, was aber die einzige Inspiration bleibt, die ich Tarantinos Liste entnahm. Von jedem Regisseur darf bei mir übrigens nur jeweils ein Film auf die Liste. Ansonsten übernehme ich die Struktur der Liste, indem ich einen Spitzentreiter als Lieblingsfilm heraus hebe und die restlichen Filme ohne Platzierungen aufliste. Viele Überraschungen habe aber auch ich nicht in petto aber dafür noch ein paar Sonderfälle berücksichtigt... ;)

Numero uno:

Harry außer sich (Woody Allen, 1997)

Der Rest:

Adaption (Spike Jonze, 2002)
Auf engstem Raum (Spike Lee, 1996)
Basic Instinct (Paul Verhoeven, 1992)
Before Sunrise (Richard Linklater, 1995)
Big Fish (Tim Burton, 2003)
The Big Lebowski (Joel & Ethan Coen, 1998)
Boogie Nights (Paul Thomas Anderson)
Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005)
Broken Flowers (Jim Jarmusch, 2005)
Delirious (Tom DiCillo, 2006)
Dem Himmel so fern (Todd Haynes, 2002)
Fight Club (David Fincher, 1999)
Inglorious Basterds (Quentin Tarantino, 2009)
Kids (Larry Clark, 1995)
Kleine Sünden unter Brüdern (Edward Burns, 1995)
Lake of Fire (Tony Kaye, 2006)
Menace II Society (The Hughes Brothers, 1993)
Speed (Jan de Bont, 1994)
Terror Firmer (Lloyd Kaufman, 1999)

Knapp daneben, sollen aber trotzdem nicht unerwähnt bleiben:

Cold Blooded (Wallace Wolodarsky, 1995)
Happiness (Todd Solondz, 1998)
Jerry Maguire (Cameron Crowe, 1996)
Verrückt nach Mary (Peter & Bobby Farrelly)

Außer Konkurrenz:

Die besten amerikanischen Pornofilme der letzten 17 Jahre

The Fashionistas (John Stagliano, 2002)
Klimaxx (Kris Kramski, 1997)
Misty Beethoven: The Musical (Veronica Hart, 2004)
Neu Wave Hookers (Eon McKai, 2006)
New Wave Hookers 5 (Michael Ninn, 1997)
Paris Chic (Andrew Blake, 1997)
Space Nuts (Jonathan Morgan, 2003)
Zazel - der Duft der Liebe (Philip Mond, 1997)

Mein liebster amerikanischer Animations-Kurzfilm seit 1992

The Fan and The Flower (Bill Plympton, 2005)

Hier Tarantinos dürftig begründete Aufzählung:

Meinen Dank an die Kollegen von The Gaffer, die mich erst auf das Video aufmerksam machten.

Sweet Sweetback's Baadasssss Song (1971)

2009-08-30T06:08:00.000-07:00

Melvin van Peebles sammelte seine ersten Erfahrungen als Regisseur im Frankreich der 1960er Jahre und versuchte anschließend in Amerikas Filmszene Fuß zu fassen. Zu dieser Zeit, Anfang der 70er Jahre, hatte van Peebles bereits einige Erfahrungen als Autor, außerdem auch schon im Theater. Mit der Komödie „Watermelon Man“ inszenierte er dann seinen ersten US-Film für Columbia Pictures und damit für ein großes Studio – derzeit als einziger schwarzer Regisseur neben Ossie Davis und Gordon Parks. Zwar thematisierte schon dieser Film Rassismus, doch in Form einer nur leicht satirischen Komödie – auch wenn es van Peebles hoch anzurechnen ist, das er sich dem Druck der Produzenten widersetzte und die Schlusspointe nicht verwässerte. Trotzdem wurde ihm ein Deal angeboten, der ihm einen Vertrag über drei Filme sichern sollte und damit ein sorgenfreies Leben. Doch – ohne van Peebles zum Helden zu erklären – der eigensinnige Filmemacher ging seinen eigenen, steinigen und harten Weg und inszenierte statt einer Auftragsarbeit den Independent-Film „Sweet Sweetback’s Baad Assss Song“ und trat eine Strömung los, die heute gemeinhin als 'Blaxploitation' bekannt ist. Tatsache ist, frei von jeder Romantisierung, das der Film Maßstäbe gesetzt hat, eine völlig neue Ästhetik etablierte und als erster Vertreter des Black Cinema gelten darf.

Die Zuordnung zum Blaxploitation-Genre wirft in vielerlei Hinsicht ein falsches Bild auf das mit Herzblut inszenierte Risikoprojekt. Zum einen handelt es sich strenge genommen nicht einmal um den ersten Vertreter dieser heute kultisch verehrten Gattung – diese Rolle fällt vielmehr dem humoristischen Detektiv-Krimi „Cotton comes to Harlem“ von Ossie Davis zu, der schon vor „Sweetback“ alle Archetypen des Blaxploitation vereinte und der wahrscheinlich echte Pionier ist. Viel wichtiger ist jedoch eben, das „Sweetback“ eigentlich gar kein Blaxploiter ist. Bei van Peebles werden die thematisierten Probleme keineswegs ausgeschlachtet – sein Film ist voller unbändiger, echter Wut auf ein rassistisches System und darüber hinaus ästhetisch wohl durchdacht und mit einem hohen Kunstanspruch versehen. Erstmals war da ein Film von Schwarzen für Schwarze – so erscheint in den Credits „The Black Community“ als Darstellerangabe. Sämtliche Szenen wurden an Originalschauplätzen mit Laiendarstellern gedreht, die Dialoge sind direkt und im einfachen Stil der Gossensprache gehalten, die Kamera größtenteils verwackelt und der Schnitt stotternd. Die mangelnden Zugeständnisse an die Sehgewohnheiten des Massenpublikums machen es dem Film bis heute schwer, eine größere Verbreitung zu finden. Im Gegensatz zu seinen etlichen Nachfolgern, in welchen die Intention von „Sweetback“ nicht selten bis zur Unkenntlichkeit verzerrt wird, findet dieser Zwar rückblickend Lob und Anerkennung bei der Filmkritik, ein wirkliches Publikum bleibt ihm aber aufgrund seiner Sperrigkeit versagt. Ein ungesehener Klassiker also, der eine Entdeckung aber unbedingt lohnt, wagt man eine Auseinandersetzung mit der abenteuerlichen Inszenierung und der nur schwer erkennbaren Rahmenhandlung.

Bereits die erste Szene, die kurze Pre-Title-Sequenz macht deutlich, das man es hier mit einer anderen Art Kino zu tun hat. Eine Reihe schwarzer Frauen beobachtet neugierig einen kleinen Jungen, ausgemergelt und schmutzig, wie er sich nach offensichtlich langer Zeit herzhaft satt ist. Eine dieser Damen entführt den scheuen Teenager in ihr Zimmer und macht ihn zum Mann – hier erhält er seinen Namen und damit seine Identität. Der erste Sex wird zum Initiationsritus, der junge Sweetback wird in eine Welt eingeführt, in der Prostitution und Sexismus herrschen und in der sich schwarze Männer in erster Linie über sexuelle Klischees definieren. Sweetback wird hier verkörpert von einem gerade 13 Jahre alten Mario van Peebles, Sohn des Regisseurs. Dieses pikante Detail macht aus der besagten Sex-Szene einen denkbar kontroversen Opener, Mario van Peebles macht dabei einen verschüchterten und linkischen Eindruck, da van Peebles seinen eigenen Sohn dazu nötigte, diese Nacktszene zu spielen. Überraschend ist die detaillierte Darstellung: Natürlich handelt es sich um simulierten Sex, doch schon die Tatsache, das eine erwachsene Frau und ein 13-jähriger Junge gemeinsam nackt vor der Kamera spielen, hätte einen handfesten Skandal nach sich ziehen können. Was in diesem Fall wohl nur einer unter vielen gewesen wäre.

Zu Sweetbacks Mannwerdung erklingen Gospel-Gesänge aus dem Off, als der Vorspann einsetzt, wendet sich der Soundtrack dem Funk von Earth, Wind & Fire zu, die mit dem Score gleichzeitig auch ihr erstes Album produzierten. Sweetback erweist sich schon bei seiner ersten Nummer als wahrer König im Bett und wird während des Vorspanns und innerhalb des gleichen Aktes schließlich als erwachsener Mann gezeigt. Sweetback entwächst mit dem Erwachen seiner Sexualität seiner Kindheit – Melvin van Peebles spielt bewusst mit den Klischees des überpotenten Afroamerikaners und setzt diese zunächst ganz ins Zentrum der Aufmerksamkeit. So zeigt der Film nach den Credits eine bizarre Sex-Show, deren Hauptdarsteller Sweetback ist. Vor einem johlenden Publikum, bestehend aus Weißen und Schwarzen, besorgt er es einer Frau und wird wie eine Attraktion (quasi wie ein guter Zuchtbulle) gefeiert. Als Waisenjunge in das Hurenhaus gekommen, wurde Sweetback offensichtlich von den Prostituierten und prostituiert sich nun selbst. Ein politisches Bewusstsein existiert für ihn nicht und überhaupt spricht der Held in den ersten Szenen kein einziges Wort (im gesamten Film übrigens keine zehn vollständigen Sätze). Wortkarg ergibt sich Sweetback auch für ein Anliegen der Polizei, die ihn als Sündenbock verhaften will. Für einen Mordfall an einem Schwarzen muss ein Sündenbock her, der anschließend wieder entlassen werden soll – sowohl mit seiner Arbeit als auch dieser Gefälligkeit dient Sweetback (wenn auch unbewusst) dem tyrannischen System, in dem rassische Diskriminierung ein Regelfall ist. Auf der Fahrt zum Polizeirevier ändert sich jedoch all dies schlagartig und unvorhergesehen.

Auf jener Fahrt kommt eine Verhaftung dazwischen, ein Mitglied der Black Panther wird zu Sweetback in den Streifenwagen gedrängt – für diese einfachen Vorgänge lässt sich der Film enorme Zeit, lässt seinen lässigen Score erklingen und zeigt in den Impressionen der nächtlichen Großstadt seine Verwandtschaft zum avantgardistischen Kino. Die simple Handlung steht nicht im Mittelpunkt und auch äußere Spannung bezieht van Peebles nicht aus den Oberflächlichkeiten wie dem folgenden impulsiven Polizistenmord Sweetbacks. Als er mit ansehen muss, wie der andere Gefangene von den Polizisten brutal zusammen geschlagen wird, brennt eine Sicherung durch und so begeht er einen Doppelmord aus dem Affekt. Mit diesem Leinwand-Mord schüttelt Sweetback hunderte Jahre Unterdrückung, Sklaverei und Bevormundung von sich ab und begeht so den wohl bedeutendsten Befreiungsschlag für das afroamerikanische Kino. Hier wird aus dem Hengst Sweetback ein „Badass Nigger“, ein ganz neuer Charakter-Typus: Ein Schwarzer, der sich nichts gefallen lässt, auf Gewalt kompromisslos mit Gegengewalt reagiert und sich für nichts entschuldigt - anders als seine Nachfolger Shaft, Superfly und all die anderen ist Sweetback dabei aber nicht auf cool getrimmt. Melvin van Peebles spielt seine Hauptfigur selbst, was sich als gute Entscheidung erweist – die soliden darstellerischen Fähigkeiten des Regisseurs reichen für die Rolle allemal aus, da diese ohnehin keinen Marlon Brando benötigt. Wichtig ist die physische Erscheinung des Hauptdarstellers: In körperlicher Topform, stolz, gut aussehend, gepflegt und in einem schwarzen Western-Outfit gekleidet, gibt van Peebles der Black Community nicht nur eine Stimme sondern auch ein Gesicht.

In der Gestaltung des Films drückt sich van Peebles' Erfahrung in der französischen Kunst-Szene aus: Er arbeitet mit Verfremdungen, grellen Farbfiltern, verwackelter Kameraführung und Unschärfen, dazu ist fast jede Szene unter- oder überbelichtet. Dieser Bruch mit dem Mainstream-Kino hat nicht selten experimentellen Charakter, vor allem, da der Film kaum einen narrativen Faden verfolgt. Leitmotiv ist hier die Flucht, der Ausbruch aus dem System – so zeigen viele Sequenzen Sweetback beim Laufen, ohne das sie weitere erzählerische Funktionen erfüllen würden. Van Peebles propagiert eine Gemeinsamkeit, innerhalb der Black Community hilft man sich; selbstverständlich unter „Brüdern“. Die Flucht wird musikalisch untermalt von treibenden, aber niemals gehetzten Songs meist instrumentaler Natur – passend zur Stimmung Sweetbacks, der nie den Eindruck eines Flüchtigen macht sondern selbstbewusst seine trockene Lakonie bei behält. Im weiteren Verlauf wird er wieder von Polizisten gefangen genommen und misshandelt, bevor er aber endgültig abgeführt werden kann, helfen die Bürger des Ghettos ihm und zünden den Streifenwagen an. Diese Sequenz ist geeignet, um die kreativen Kniffe zu betonen, die van Peebles als versierten Independent-Filmer ausweisen: Ungeplant erschien die Feuerwehr am Drehort, was der Regisseur sofort für sich zu nutzen wusste. Sofort gab er Anweisungen, den Einsatz zu filmen und so viele gute Bilder wie möglich zu bekommen, bevor der Trouble vorüber war. Außerordentlich geschickt sind die wenigen Aufnahmen der Feuerwehrleute und -Fahrzeuge montiert, sodass der Eindruck einer aufwändig arrangierten Action-Szene entsteht. Anhand solch beeindruckender Einfälle erhält das sperrige Werk doch wiederum einen ganz eigenen Unterhaltungswert und einen funktionellen Rhythmus.

Gleichwohl „Sweetback“ mannigfaltige Probleme und soziale Missstände aufzeigt und direkt anprangert, ist es kein streng realistisches Kino. Zu artifiziell die Inszenierung, zu bewusst die beabsichtigte Vereinfachung. Van Peebles inszeniert auch kein intellektuelles Polit-Kino, will seinen Film auch für einfache und weniger gebildete Menschen zugänglich machen. Das ihm dies gelingt, verdankt er der echten Wut mit der sein Film aus dem Bauch heraus gemacht ist, woraus wohl auch der raue Ton resultiert. Das Frauenbild ist weitgehend beschränkt auf Prostituierte, von der misogynen Darstellung späterer Blaxploiter ist dies aber noch meilenweit entfernt. Im Gegenteil, van Peebles zeigt die Frau zwar als Ware, doch nicht um sie bloß zu stellen sondern um die unwürdigen Verhältnisse in den Ghettos aufzuzeigen, in denen vielen jungen Frauen keine andere Wahl bleibt, als ihren Körper zu verkaufen und sich damit selbst zur Ware zu machen in einem kapitalistischen System. Sweetbacks politisches Engagement wächst mit voran schreitender Laufzeit, was sich ganz selbstverständlich aus den einzelnen Stationen seiner Odyssee ergibt. Zunehmend wird er mit Diskriminierung konfrontiert und beginnt mit den Ideen der Black Panther zu sympathisieren. Diese erklärten „Sweetback“ schließlich sogar zum Pflichtfilm für jedes ihrer Mitglieder und halfen damit entscheidend bei der schwierigen Vermarktung des Films.

Letztendlich durchläuft der Titelheld eine Abfolge des immer gleichen Szenarios: Sweetback wird gehetzt, gefangen und gedemütigt – nur um erneut selbstbewusst zu fliehen. Nicht umsonst erinnert die finale Hatz, bei der die Polizei mit scharfen Hunden arbeitet, an die Jagd auf einen entflohenen Sklaven. Zum Schluss entkommt Sweetback über die Grenze, lässt seine Verfolger hinter sich und steht als Sieger dar – er stirbt nicht als Märtyrer sondern bleibt unter uns. Die Entscheidung, seinen moralisch ambivalenten Anti-Helden überleben zu lassen ist schließlich die endgültige Revolution. Abschließend lässt sich sagen, das „Sweetback“ reichlich oberflächlich und reißerisch mit seinem Thema umgeht. Unbestreitbar ist jedoch die Ernsthaftigkeit, mit der van Peebles seinen Film realisierte und vor allem die Notwendigkeit einer Vereinfachung. Eine unterdrückte Stimme muss manchmal zu perfiden Mitteln greifen um gehört zu werden – in dieser Hinsicht mag man den Film sogar als höchst manipulativ empfinden. Dennoch bietet er unterm Strich einige umwerfend montierte Sequenzen und kann als Geburtsstunde einer echten afroamerikanischen Ästhetik bezeichnet werden. Leider waren nur wenige Blaxploitation-Filme an ähnlichen Schwerpunkten interessiert – dazu zählen unter anderem „The Education of Sonny Carson“ und „Cornbread, Earl and me“. Doch keiner dieser, mitunter durchaus beachtlichen, Nachzieher sollte eine ähnliche Intensität erzeugen wie „Sweetback“ - das unverfälschte Original.

9,5/10

Trailer:

(Review ist auch erschienen in der filmzentrale)

TV Tipps 29.08. - 04.09.09

2009-08-29T04:01:00.000-07:00

Samstag

Echt Blond (Comedy Central)
Echt selten: Ein Film von Tom DiCillo im deutschen Fernsehen. Zwar handelt es sich hierbei um den schwächsten Film des virtuosen Independent-Regisseurs, was aber auf hohem Niveau gejammert ist. Vorzüglich besetzt und gespielt, schafft es der Film, eine spröde Beziehungs-Komödie und eine beißende Satire aufs Film-Business unter einen Hut zu bringen. Doppeldeutig, mit geschliffenen Dialogen versehen und überaus erwachsen erzählt...

Geliebte Aphrodite (Super RTL)
Milde, nichtsdestotrotz beschwingte und nachdenkliche Komödie von Woody Allen mit Helena Bonham Carter, Michael Rapaport und einer großartigen Mira Sorvino. Luftig-leicht und mit sommerlicher Leichtfüßigkeit inszeniert, bietet der Film über nette Unterhaltung hinaus eine ironische Dekonstruktion des griechischen Theater-Prinzips...

Shaft (Pro 7)
John Singleton war ja irgendwann mal das Wunderkind und der Hoffnungsträger des New Black Cinema. Waren schon seine frühen Filme unbeholfen und kitschig, so setzt er mit diesem Remake seinem Unvermögen ein leuchtendes Denkmal. Der Mann hat scheinbar nichts verstanden und katapultiert den schwarzen Film mal eben 30 Jahre in der Entwicklung zurück. Peinlicher Macho-Actionfilm auf dem Niveau eines schlechten Blaxploitation-Films...

Set it Off (Pro 7)
Und gleich noch einen Vertreter des Labels „New Black Cinema für Arme“: Gary F. Gray. Nach seiner peinlichen Kiffer-Komödie „Friday“ ist „SIO“ aber immerhin ein gewaltiger Schritt nach vorne. Vom schwarzen Kino verabschiedet sich der Hochglanz-Regisseur mit Pauken und Trompeten: Sein ausschließlich mit starken Frauen-Figuren besetzter Actionfilm ist sauber in Szene gesetzt und sehr unterhaltsam geraten...

Sonntag

Ein ehrenwerter Gentleman (Pro 7)
Bemühte Komödie mit Eddie Murphy in politischem Milieu. Dem Film fehlt jede Schärfe, sodass sich nach kurzer Zeit Langeweile breit macht. Zumal der Zuschnitt auf den Hauptdarsteller mal wieder extrem aufdringlich ist...

Ong-Bak (Pro 7)
Eigentlich ein unterdurchschnittlicher Hau-Drauf-Actioner aus dem fernen Thailand. Neben dem Exoten-Bonus funktioniert die Show eben als Vorstellung für Tony Jaa, der sich hier eine beachtliche Visitenkarte zusammen prügelt. Außer seinem Hauptdarsteller, dessen Kampf-Fähigkeiten mehr als beachtlich sind, bietet „Ong-Bak“ aber nur eine käsige Geschichte und altbackene Choreographien...

Larry Flint (Kabel)
Beeindruckendes Bio-Pic von Milos Forman, für das es nicht umsonst den Goldenen Bären gab. Stilistisch und darstellerisch nichts weniger als brillant, stilisiert der Film seine Hauptfigur etwas zu sehr als Held. Stört mich aber nicht weiter, da Männer wie Flint nun einmal Helden sind und auch als solche gewürdigt werden sollten. ;) Im Ernst, ich finde den mitreißend, tragisch und unbedingt sehenswert. Außerdem ist Courtney Love ein echter Besetzungscoup...

Montag

Feivel der Mauswanderer (SWR)
In aller Frühe kommt mal wieder der wunderbare Zeichentrickfilm von Don Bluth, produziert von Spielberg. Die abenteuerliche Immigranten-Geschichte geht zu Herzen, ist spannend und mit feinem Humor ausgestattet. Ein liebenswerter kleiner Klassiker, dem einige minderwertige Fortsetzungen folgten...

10 Dinge die ich an dir hasse (Kabel)
Mal wieder Shakespeare in der Highschool. Funktioniert dank der guten Darsteller und der erfrischend unangepassten Charaktere ganz gut, wird am Ende aber doch zum Brechmittel...

Mulholland Drive (Tele 5)
Unheilvolles Meisterwerk von David Lynch, dessen virtuose Montage und doppelbödiges Drehbuch ein definitiver Höhepunkt für den gefeierten Regisseur darstellen. Sein entrückter Alptraum ist mit Worten kaum zu erfassen und schon gar nicht von mir.

Dienstag

Dörtes Dancing / Einer wie Keiner (Pro 7)
Die „Funny-Movies“ aus der eigenen Pro 7-Schmiede, besetzt mit jedem noch so peinlichen Halbprominenten – habe zur Erstausstrahlung kurz reingeschaut. Da sehen selbst die Scary Movies wie Meisterwerke aus und das will schon was heißen. Schade um Marco Petry (Regisseur bei „Eine wie Keiner“), der mit „Schule“ ein großes Talent erkennen ließ und für mich ein Hoffnungsträger der deutschen Komödie war. Hoffentlich schafft es Petry zurück ins Kino, für solche Auftragsarbeiten ist er zu schade...

Im Jahr des Drachen
Kompromisslos-kontroverser Reißer von Michael Cimino, dem hier nicht zum ersten mal unhaltbare Rassismus-Vorwürfe gemacht wurden. Mickey Rourke in einer Glanzrolle als zynischer Antiheld macht den harten und spannenden Film fast schon wieder modern...

Mittwoch

Die nackte Kanone
Immer wieder schön zu sehen, das Parodien früher auch mal ins Schwarze getroffen haben. Kann das Genre eigentlich nicht so sehr ab, da neben Mel Brooks kaum mal jemand einen intelligenten Vertreter inszeniert hat. Diese erste Kanone hier ist eine dieser Ausnahmen, die nachfolger schon nicht mehr...

2 hinreißend verdorbene Schurken
Elegante Komödie alter Schule mit Steve Martin und Michael Caine. Unterhaltsam und sehenswert...

Ein Cop und ein Halber
Burt Reynolds als verknöcherter, griesgrämiger Bulle, dem ein kleiner schwarzer Junge an die seite gestellt wird weil der einen Mord beobachtet hat und nur mit seiner Zeugen-Aussage raus rückt, wenn er mal Polizist sein darf. So unfassbar dämlich wie es klingt, ist es leider auch. Peinlich, bieder, unlustig. Ein Film zum weglaufen...

Bone Snatcher
Armseliger B-Horror, der trotz netter Schauplätze keinerlei Atmosphäre entwickeln will. Worum es ging, habe ich völlig vergessen...

Die City-Cobra
Faschistischer Cop-Film mit Sylvester Stallone auf dem Höhepunkt seines kommerziellen Erfolges. Der dreckige Look dieses typischen Cannon-Films kann gefallen, was aber nicht die langatmige Erzählweise entschuldigt. Kurios und schweinebrutal, aber alles andere als gut. Bei den Himmelhunden gibt es eine fundierte Kritik zu lesen...

Donnerstag

Spy Game / Last Boy Scout (Vox)
Tony Scott Double-Feature. Ersteren halte ich für einen schicken Blender, der tatsächlich versucht, intelligent und clever auszusehen. Niedlich, aber gescheitert. „Last Boy Scout“ gefällt mir sehr gut, das ist für mich exzellentes Action-Kino, das in etwa zu gleichen Teilen aus Scotts MTV-Ästhetik und dem schroffen Charme der 80er-Genrefilme besteht.

Freitag

Bodyguard (RTL II)
Hochglanz-Schmonzette von Lawrence Kasdan, dem in ein paar Jahren die Wiederentdeckung als kluger Autorenfilm bevor steht. Die viel gescholtene Whitney singt übermenschlich und spielt sich selbst respektabel, wenn auch stark idealisiert. Großes Kino, wenn auch kein großes Erzählkino...

Footloose (Das Vierte)
Netter Tanzfilm mit rauchendem, rebellischen Helden. Leider auch mit schrecklicher Musik und missglücktem Finale. Mochte ich mal sehr gern, ist aber was für Kinder... ;)

Pusher 2 (Tele 5)
Vor zwei Tagen gesehen und schwer begeistert. Auch wenn er erste Teil nicht erreicht oder gar übertroffen wird, bleibt Refn seiner authentischen Milieu-Schilderung treu, ohne dabei aber auf filmtechnische Raffinesse zu verzichten. Ein Gegenentwurf zum „coolen“ Gangsterfilm mit schmerzhaften Gewalt-Ausbrüchen.

Scream 3 (RTL 2)
Der Abschluss der Trilogie hat die Vorzeichen geändert und ist nur noch komödiantische Satire mit einem kleinen Schuss Thriller-Spannung. Das Ende ist dämlich, die Pointen sitzen nur noch halb so sicher, die Charaktere verkommen langsam aber sicher zu Witzfiguren. Keineswegs schlecht aber der hier gesetzte Schlusspunkt war nötig...

Punk! (Pro 7)
Schrill, laut und bunt präsentiert sich dieses skurrile Filmchen, in dem Subkultur und Lebensgefühl nicht vorgeführt werden, wohl aber skurrile Überzeichnungen erhalten. Matthew Lillard (eigentlich die Pest) kann hier seine hyperaktiven Gesichtskrämpfe mal sinnvoll einsetzen und erweist sich als Idealbesetzung für die ausgeflippte Hauptfigur. Bis in die Nebenrollen hervorragend besetzt, unter anderem mit Til Schweiger, Devon Sawa und Jason Segel...

Animierte Kurzfilme: Boogie-Doodle (1948)

2009-08-26T07:52:00.000-07:00

Experimentalfilm von Zeichentricklegende Norman McLaren. Hier dazu eine kurze Besprechung auf mitternachtskino...

Dolemite (1975)

2009-08-25T13:42:00.000-07:00

Ein imdb-User hat „Dolemite“ als den „Plan 9 des Blaxploitation-Kinos“ bezeichnet. Kein uninteressanter Gedanke, der auch sinnvoll weitergeführt werden kann. So könnte man Rudy Ray Moore als Blaxploitation-Version von Ed Wood begreifen, denn bei oberflächlicher Betrachtung zeigen sich auffällige Gemeinsamkeiten im filmischen Schaffen der beiden so unterschiedlichen Persönlichkeiten. Beide stecken eigenes Geld, kostbare Zeit und Herzblut in ihre Projekte, beiden mangelt es klar ersichtlich an Finesse und Talent, beide wurden mitsamt ihrer Ideen von den großen Studios abgeschmettert. Der künstlerische Background ist es, der die Filmemacher voneinander abgrenzt, ohne hier einen von beiden als 'besser' bezeichnen zu wollen. Rudy Ray Moore war einer der ersten schwarzen Bühnen-Komiker überhaupt in den Vereinigten Staaten – schon in den 50er-Jahren hatte Moore große Bekanntheit erlangt und veröffentlichte seine Bühnenprogramme auf Schallplatten. Auch seine weniger erfolgreiche Karriere als Musiker verfolgte er hartnäckig, während er zu einem großen Einfluss wurde für Komikerlegende Richard Pryor – allerdings kam er nie zu dessen kommerziellen Erfolg. Auch wenn größere Skandale ausblieben und der Comedian auf der Bühne nach Herzenslust vom Leder ziehen durfte, war er für Film und Fernsehen einfach zu derb und politisch unkorrekt.

„Dolemite“ ist eine One-Man-Show, in deren Mittelpunkt Rudy Ray Moore steht – als Hauptdarsteller, Drehbuchautor und Produzent in Personalunion ist der Film ganz auf ihn zugeschnitten. Da kein großes Studio an dem Projekt interessiert war, war dieses Engagement nötig für Rudy Ray Moore, der sich so einen Traum von der eigenen Kino-Hauptrolle selbst erfüllte. Und es soll keineswegs verschwiegen werden, das „Dolemite“ ein hundsmiserables Machwerk gewordenist, einen wahren Bastard lässt Moore hier auf sein Publikum los: Stümperhaft geschnitten, bis in die kleinste Nebenrolle grauenerregend gespielt, dramaturgisch ein schlechter Scherz. Eigentlich stimmt so rein überhaupt nichts an „Dolemite“ und gerade diese Unbedarftheit, diese fast schon kindliche Ignoranz in Bezug auf Technik (wo man wieder bei Ed Wood wäre) machen den Film so unverschämt sympathisch. Und natürlich Rudy Ray Moore, der hier eine Paraderolle etablierte, die bis heute Kultstatus genießt: Den Zuhälter Dolemite – ein harter Brocken, der nur die nötigsten Sätze spricht, jeden umlegt, der ihm blöd kommt und sich vor willigen Frauen kaum retten kann. Diese Kunstfigur wirkt von der ersten Minute an so überzeugend, weil Rudy Ray Moore sie bereits viele Jahre zuvor entwickelte und zum Gegenstand seiner Stand-Up-Programme gemacht hatte.

Dieser Dolemite ist eine schrille Karikatur, die alle Blaxploitation-Klischees in sich vereint – immerhin war der „Pimp“ ein wichtiger und populärer Charakter-Typ innerhalb des Genres. Während die Martial-Arts-Einlagen in Filmen wie „Three The Hard Way“ an der schwachen Choreographie leiden und nicht an den mangelnden Fähigkeiten eines Jim Kelly, sind die Kampf-Szenen (wie so vieles andere auch) reine Parodie. Hölzern und ohne jede sichtbare Körperlichkeit, dient dienen sie ausschließlich der Belustigung – besonders aufgrund der Tatsache, das Rudy Ray Moore im Gegensatz zu Jim Kelly über keine echten artistischen Fähigkeiten verfügt.

Wo sich Filme wie „Superfly“ noch an einem moralischen Konflikt versuchten, stellt „Dolemite“ die Handlungen seiner Hauptfigur nicht in Frage. Der Pimp ist hier ein Freund des Volkes, beliebt bei den armen Ghetto-Bewohnern und in friedlicher Ko-Existenz mit den für ihn arbeitenden Huren lebend. An einer realistischen Darstellung ist Regisseur D'Urville Martin (vor der Kamera als Willie Green zu sehen) ohnehin nicht interessiert – sein Film ist die endgültige Entpolitisierung des Blaxploitation-Genres. Dolemite, dem grundsätzlich keiner ans Bein pissen kann, hat keine Probleme mit seiner Identität, mit rassistischen Vorurteilen oder Benachteiligungen. Dieser Typ nimmt sich was er will, fragt nicht nach Erlaubnis, bittet schon gar nicht um Entschuldigung. Ein typischer „Badass-Nigger“ also, nur mit dem Unterschied, das sich Dolemite nicht mit realen Problemen auseinander setzen muss – die Auflehnung gegen die weiße Tyrannei wird hier nicht zum Thema gemacht. Auch in seinen späten Interviews betonte Rudy Ray Moore immer wieder, das er niemals Schwierigkeiten wegen seiner Hautfarbe hatte. Aussagen wie diese mögen euphemistisch erscheinen, verdeutlichen aber die Distanzierung von politischen Diskursen.

Wie auch immer, Dolemite wird jedenfalls von den Behörden aus dem Gefängnis geholt weil er als Milieu-Kenner und Kampfsport-Supermann kräftig aufräumen soll in der Stadt. Selbst die Justiz (bei der er verständlicherweise keinen guten Ruf hat, angeblich würde kein Anwalt der Stadt seinen Fall aufnehmen) erkennt den populären Pimp also als das kleinere Übel an und tatsächlich haben sich die Umstände verschlechtert in den Slums. Leider spielt die auf dem Plakat angekündigte „All-Girl army of Kung Fu Killers“ eine kaum nennenswerte Rolle – was sich nicht gerade über die Garderobe der Hauptfigur sagen lässt. In beinahe jeder Szene trägt Dolemite ein anderes Outfit, eines schriller und extrovertierter als das andere. Nicht umsonst nennt Rapper Snoop Dogg (ebenfalls für ungewöhnliche Pimp-Kleidung bekannt) Rudy Ray Moore als entscheidende Inspirationsquelle. Mit selbstverständlichem Stolz trägt Moore jedes noch so abgefahrene Outfit und verleiht seinem Charakter bei aller Lächerlichkeit noch eine Würde, welche die Komik um die Figur zusätzlich begünstigt.

Bei allem Vergnügen, das der Film zweifelsfrei bereite kann, ist er doch nicht im klassischen Sinn 'unterhaltsam' – zu sprunghaft und zerfahren wird der Feldzug von Dolemite erzählt, ohne jede Konzentration auf einen übergreifenden Spannungsbogen. Immer mal wieder landet Rudy Ray Moore mit verschiedenen Frauen im Bett, ermittelt nebenbei ganz lässig und schüttelt hin und wieder einen Feind ab. Gegen Ende befindet er sich in seinem Element als er in einem Nachtclub ein Publikum unterhält und seine Entertainer-Muskeln spielen lässt. Doch betrachtet man die einzelnen gelungenen Szenen in ihrer Gesamtheit, fehlt es deutlich an Drive. Unterm Strich ist „Dolemite“ daher eine seltene und sehr obskure Mischung aus gewolltem und unfreiwilligem Humor, aus gelungener Stilisierung und katastrophal missglückter Technik. Echt komödiantisch funktioniert die von Rudy Ray Moore verkörperte Hauptfigur, ihre alberne Kampfkunst, inklusive der ausgeflippten Garderobe und dem gänzlich bescheuerten Umfeld. Die dilettantische Inszenierung erklärt den Film dann aber andererseits zu reinrassigem Trash, für den man unbedingt ein Faible mitbringen muss, um ihn zu goutieren. Die wesentlich bessere Fortsetzung „The Human Tornado“ spielt dann aber schon in einer ganz anderen Liga...

4,5/10

Der Trailer als Vorgeschmack:

Zudem scheint es den Film derzeit auf youtube in voller Länge zu geben. Hier der erste von neun Teilen. Bei Interesse dann weiter zusammen suchen - Bild- und Tonqualität ist sehr gut und wesentlich besser als im Trailer...

TV Tipps 24.08. - 28.08.09

2009-08-24T09:51:00.000-07:00

Montag

Undercover Brother (Tele 5)
Erfrischende Parodie auf das Blaxploitation-Genre mit einem wunderbaren Eddie Griffin in der Hauptrolle, der für die Figur geradezu prädestiniert ist. Weit weg vom Bodensatz der Scary Movies und überaus kenntnisreich geschrieben...

Good Morning Vietnam (Kabel)
Misslungener Hybrid aus satirischer Komödie und dramatischem Kriegsfilm mit einem schwer nervigen Robin Williams in der Hauptrolle. Ist aber sehr lange her bei mir...

Mighty Ducks (Super-RTL)
Als Kind fand ich den super, kann in einem Atemzug mit „Cool Runnings“ genannt werden. Emilio Estevez überzeugt neben erfrischenden Kinderdarstellern...

Platoon (Kabel)
Moderner Klassiker von Oliver Stone, bekannt als einer der besten Filme über den Vietnam-Krieg. Tatsächlich ist der Film problematisch in seiner Unentschlossenheit zwischen Emotionalisierung und nüchterner Darstellung. Darstellerisch allerdings grandios und mit vielen unvergessenen Bildern immer noch empfehlenswert...

Dienstag

2 Asse trumpfen auf (Kabel)
Robsinsonade mit Bud Spencer und Terence Hill. Obwohl der bis dato schlechteste Film des Duos, gehört er noch heute zu meinen Favoriten – ungeachtet der rassistischen Darstellung der Eingeborenen. Herrlich infantiler Blödsinn, der mir vor allem in der ersten Hälfte zusagt...

Femme Fatale (Das Vierte)
Übermäßig langweiliger und prätentiöser Film Noir von Brian de Palma. Vor allem in den Hauptrollen unsäglich schlecht gespielt, von Fans des Regisseurs allerdings zum Meisterwerk erklärt. Vielleicht nochmal ansehen?

Harte Ziele (Kabel)
Hollywood-Einstand für den ehemaligen Action-Magier John Woo. In den reichlich vorhandenen Krawall-Szenen noch ganz Hongkong-Kino, handelt es sich definitiv um einen der besten Filme mit Van Damme.

Cold Blooded (Timm TV)
Einer der 90-er Geheimtipps auf dem Schwulensender, den aber meines Wissens nach kaum jemand empfängt. Soll aber nicht unerwähnt bleiben: Wallace Wolodarsky, ehemaliger Simpsons-Autor, gelingt ein herrlich morbides, schwarzhumoriges Regie-Debüt mit einem starken Jason Priestly...

Lolita (SWR)
Erzählerisch dichte Litaraturverfilmung von Stanley Kubrick. Nicht nur wegen Peter Sellers ein Klassiker...

Geschenkt ist noch zu teuer (ARD)
Harmlos-unschuldige Komödie mit einem jungen Tom Hanks. Jede Menge Slapstick und eine liebenswerte Story garantieren unverbindliche Unterhaltung ohne jeden weiteren Nährwert. Sympathisch, aber auch belanglos...

Mittwoch

Edward mit den Scherenhänden (Super RTL)
Bitter-süßes postmodernes Märchen von Tim Burton. Einfach zauberhaft und inszenatorisch perfekt...

Leaving Las Vegas (ARD)
Hart an der Grenze zum Kitsch inszeniert Mike Figgis sein schwermütiges Säufer-Drama mit Nicolas Cage in einer seiner besten Rollen. Nicht uninteressant aber trübsinnig und teilweise etwas ungelenk erzählt...

Der Pate von Mumbai (Arte)
Bollywood-Reihe auf Arte. Dieser Gangsterfilm scheint sich extrem an amerikanischen Vorbildern zu orientieren, wird aber von Kritikern hoch gelobt. Vielleicht einen Blick wert, auch wenn man mit Bollywood nichts anfangen kann – ich persönlich habe noch keinen einschlägigen Film gesehen...

Keoma (SWR)
Nihilistischer Italo-Western, gleichzeitig einer der letzten seiner Art. Als das Genre schon von zur genüge parodiert wurde und schon im Sterben lag, schuf Enzo G. Castillari überraschend noch einen der besten Vertreter seiner Gattung. Mit Franco Nero...

Donnerstag

Der Diamantencop (Sat.1)
Action-Komödie mit Martin Lawrence – albern, vorhersehbar und lahm.

Space Cowboys (Vox)
Clint Eastwood meint es ein wenig zu gut mit der Verklärung seiner ergrauten Stars. Der verspätete Trip ins All profitiert von spielfreudigen Darstellern alter Schule und deren kernigem Charme. Pathetisch und klischeehaft, von Eastwood aber unterhaltsam auf die Leinwand gebracht.

Meine Braut, ihre Schwiegereltern und Ich (ARD)

Ein gut gelauntes Ensemble macht diesen eigentlich unnötigen Aufguss des ersten Teils sehenswert. Temporeich, mit hoher Gag-Dichte und ebenso hoher Trefferquote, das Drehbuch ist aber schon sehr konstruiert um überhaupt einen neuen Konflikt zu erschaffen.

Freitag

Vier Dinos in New York (BR)
Spielberg und seine Dinosaurier. Nach der Produktion von „In einem Land vor unserer Zeit“ schon der zweite Zeichentrickfilm mit Dino-Thematik. Diesmal aber weniger melancholisch, actionreicher und moderner. Ob das jetzt besser ist, soll jeder für sich entscheiden aber Spaß machen kann der Film schon...

Auf Kriegsfuß mit Major Payne (RTL 2)
Militär-Propaganda für die ganz Kleinen mit Damon Wayans, der seine Sache hier ordentlich macht. Als Kind fand ich den gut und das scheint vielen so zu gehen. Seine Zielgruppe scheint der Film also zu erreichen...

Scream 2 (RTL 2)
Wäre nicht der dümmliche Twist zum Schluss, so würde diese grandiose Fortsetzung seinem Vorgänger auf Augenhöhe begegnen. Sehr witzig, gemein und streckenweise extrem spannend...

Pusher (Tele 5)
Das Debüt eines jungen Meister-Regisseurs. Wuchtig, authentisch und darstellerisch brillant, gehört „Pusher“ sicherlich zu den besten Debüt-Werken der Filmgeschichte. Bei allem Realismus hat der Film ästhetisch nichts mit dem Dogma-Kino zu tun, ebenso wenig mit dem tarantinoeskem „In China essen sie Hunde“. Gefolgt von zwei Fortsetzungen...

Silent Rage (Tele 5)
Mein Lieblingsfilm mit Chuck Norris. Die krude Mixtur aus Action, Horror und Thriller besticht vor allem durch atmosphärische Dichte und eine beachtliche Spannungskurve, die nur selten durch das Unvermögen des Hauptdarstellers ausgebremst wird...

Three The Hard Way - Drei eiskalte Profis (1974)

2009-08-23T12:37:00.001-07:00

Zwei Jahre nach seinem erfolgreichen Zuhälter-Drama „Superfly“ und nur kurz nach dem wenig bekannten Western „Thomasine & Bushrod“ inszenierte Gordon Parks Jr., Sohn des Regisseurs von „Shaft“, seinen dritten Blaxploitation-Reißer. „Three The Hard Way“ kann als ein Highlight dieser filmischen Strömung gewertet werden, wenn er auch in die Kategorie 'unfreiwillige Komik' fällt. Schon die Besetzung mit den drei bekanntesten männlichen Stars des Blaxploitation-Kinos verspricht geballte Testosteron-Power: Eigentlicher Hauptdarsteller ist der ehemalige Football-Profi Jim Brown (dem Spike Lee bereits eine Dokumentation widmete), der durch Hauptrollen in „tick...tick...tick...“ und „Slaughter“ eine erfolgreiche Schauspielkarriere begann. Hier spielt er außerordentlich trocken den abgeklärten Musikproduzenten Jimmy, der durch Zufall an ein weltweites, rassistisches Komplott gerät. Ein böser arischer Industrieller samt Mad Scientist, plant die schwarze Rasse zu vernichten und das dazugehörige Mittel (das praktischerweise für weiße Menschen harmlos bleibt während es auf dunkle Haut tödlich wirkt) ist bereits vom erwähnten Wissenschaftler gefertigt. Glücklicherweise kann ein Opfer aus dem einem Gefangenenlager fliehen und so seinem alten Freund Jimmy vor dem schon begonnenen Holocaust warnen. Im Krankenhaus wird der Verletzte Ausreißer umgebracht, kurzerhand parken die Gangster mit einem Kranwagen (!) vor dem Krankenhaus, steigen durchs Fenster ein und erschießen den unliebsamen Zeugen. Um die Dramaturgie des Films dann in Gang zu bringen, entführen sie vollkommen grundlos die Freundin von Jimmy, der gerade im Studio an einer neuen Platte arbeitet.

Als er von der Entführung erfährt, kommt die Polizei (dargestellt durch einen hilflosen, natürlich weißen Beamten) als Hilfe nicht in Frage. So wendet sich der erfolgreiche Produzent lieber an seinen alten Freund Jagger Daniels, womit der zweite Hauptdarsteller, Fred Williamson, eingeführt wird. Ebenso charismatisch und cool wie Jim Brown verfügt dieser darüber hinaus über einnehmend sympathische Gesichtszüge und bringt mit lockeren Sprüchen einen lässigen Humor in den Film. Schon die Besetzung mit Fred Williamson, der seinen Durchbruch 1972 mit „Hammer“ feierte, kann nur ein Gewinn für jeden Blaxploitation-Film sein. Tatsächlich bleibt seine Performance die überzeugendste in „Three The Hard Way“, vielleicht auch aufgrund des nötigen Quentchens Selbstironie, das Williamson ausstrahlt – so folgt er bereitwillig, um seinem Freund beizustehen, nicht aber ohne in weiser Vorausahnung direkt die Knarre einzustecken. Diese ironische Distanz scheint zumindest dem dritten Hauptdarsteller zu fehlen, der nur kurz nach Williamson eingeführt wird. Um das Team zu verstärken, wenden sich die beiden Freunde an den den Kampfsport-Lehrer Mister Keyes – gespielt von Jim Kelly.

Mister Keyes schlägt gerade eine Polizei-Truppe auf offener Straße zusammen, weil einer der rassistischen Cops ihm leicht blöd gekommen ist. Nach dieser Schlägerei, die mit peinlichen Zeitlupen ihre eher armselige Choreographie zur Schau stellt und dies noch mit trashigen Sound-Effekten garniert, ist das Team komplett. Jim Kelly ist mit Sicherheit weniger zum Filmstar geschaffen als seine beiden bereits eingeführten Kollegen. Zu unbeholfen seine Mimik, zu wenig kraftvoll seine Leinwand-Präsenz. Nichtsdestotrotz verfügt er über einen großen Wiedererkennungswert, dem er seinen Martial-Arts-Fähigkeiten zu verdanken hat. Nach einer Rolle neben Bruce Lee“ in „Enter The Dragon“ wurde aus Jim Kelly ein Kuriosum des Blaxploitation-Kinos, wie geschaffen für verrückte Crossover mit dem Kung-Fu-Genre aus Asien. Diese drei Haudegen nehmen es also mit jeder Armee auf und erleben im gesamten restlichen Film auch keinen Rückschlag. Kein Gegner ist ihnen gewachsen, jeder wird mühelos umgepustet oder eben weg geboxt. Jimmys Freundin hat keinen Zweifel, das die drei sie retten werden und zeigt keinen Moment Angst während ihrer Gefangenschaft.

Diese Unantastbarkeit der Helden wird mit voran schreitender Laufzeit zunehmend langweilig und eindimensional, was aber größtenteils abgefedert wird von unterhaltsamen Action-Einlagen. Viel eher überrascht der Eindruck, das die drei Hauptdarsteller sich mit ihrem Ego im Weg stehen und als Gruppe kaum harmonisch funktionieren. Während Williamson ein amüsantes Abenteuer zu erleben scheint, bleibt Jim Brown stets zurückhaltend – was durchaus ein heterogenes Kumpel-Paar ausmachen könnte. Zwischen den beiden steht aber kein Konflikt, keine Reibungsfläche. Jim Kelly und seine Kampfsport-Szenen (im ganzen Film benutzt er keine Schusswaffe, wirft diese sogar verächtlich weg, wenn sie ihm in die Hände geraten) untermauern den Eindruck, das hier einfach jeder sein eigenes Ding macht. Aus diesem Ungleichgewicht entsteht zwar durchaus Abwechslung, dennoch wollen sich die unterschiedlichen Schauspieler einfach nicht in eine Gruppe verwandeln, der man gemeinsam entwickelte Kräfte auch abnimmt. So besteht eine gesamte Sequenz aus einer Solo-Aktion von Jim Kelly, für die er sogar einen eigenen Sidekick zur Verfügung gestellt bekommt – einen seiner Schüler.

Auch zwischen ernsthafter politischer Absicht und überzogener Farce scheint sich Gordon Parks Jr. nicht so recht entscheiden zu können; ein Problem, das schon „Superfly“ anhaftete. So leitet die Anfangssequenz den Film überaus düster und brutal ein: Im bereits erwähnten 'Lager' werden Afroamerikaner in Zellen gefangen gehalten – erst später erfährt man von den Ausmaßen dieses Szenarios. Wenn sich der Gefangene auf seiner Flucht zwischen menschlichen Leichen verstecken muss und einen Wärter tötet, dann entfaltet sich angesichts der beklemmenden Kulissen eine unangenehme Atmosphäre. Auch im weiteren Film findet sich kein Glamour, keine optische Extravaganz. Die Stadtbilder sind trist, die gezeigten Räumlichkeiten karg eingerichtet. Diesem eher realistischen Look steht eine haarsträubende Story gegenüber, die eine Verschwörung im James-Bond-Format anbietet und einige skurrile Details beinhaltet. Eine wirklich bedrohliche Stimmung kommt aber nie auf, schon aufgrund der Zeichnung der Bösewichte: Wenn diese vor ihrer faschistischen Flagge (mit SS-Zeichen in der Mitte) salutieren, hängt diese nur impotent herunter – nichts glorioses oder anziehendes haben diese erbärmlichen Schurken. Das mag zum Konzept passen, ist innerhalb der Spannungskurve des Films aber keineswegs förderlich. Nach einem flotten Beginn, entwickelt sich die Geschichte eher unspektakulär und weitgehend ohne Höhepunkte. Auch der sexuelle Aspekt ist zurück geschraubt auf ein Minimum, was im Blaxploitation-Bereich heißen will: Einige entblößte Brüste sind zu sehen und die Hauptfiguren sind selbstverständlich Hengste – was aber für die Story gar keine Rolle spielt. Jim Kelly hält sich zurück, Jim Brown darf nicht weil er seiner entführten Frau treu bleibt und Fred Williamson erlebt als einiger ein kurzes und unwichtiges amouröses Abenteuer.

Auch wenn sich die Geschehnisse mit ansteigender Monotonie entwickeln und sich die Hauptdarsteller eher im Weg stehen als miteinander zu harmonieren, handelt es sich doch um ein gefälliges Spektakel. Gordon Parks Jr. Inszeniert knackig und mit einem guten Timing für Action und trockenen Humor - so sind die Verfolgungsjagden wesentlich temporeicher und versierter gefilmt als die erbärmlichen Kampf-Szenen mit Jim Kelly und auch die sparsam dosierten Pyro-Effekte hinterlassen einen guten Eindruck. Wie viele andere Blaxploiter, funktioniert „Three The Hard Way“ auch dank einem tollen Score, der entspannten Soul mit flippigem Funk verbindet und darüber hinaus auf leitmotivisch eingesetzte Sound-Effekte aufbaut. Nervöse, zischende und enervierend quietschige Geräusche verkünden mit ihrem Einsatz Unheil und Verderben. So ausgeklügelt das gerade am Anfang und am Ende erscheint, so unbeholfen werden die Kampfszenen akustisch gestaltet. Überhaupt lässt sich schwer sagen, ob „Three The Hard Way“ sich nun ernst nimmt oder sich darüber im Klaren ist, welch hanebüchener Blödsinn hier ganz nüchtern verkauft wird. So comic-artig die Geschichte auch anmuten mag, von der grellen Überzeichnung eines „The Human Tornado“ ist der Film noch meilenweit entfernt. Letztlich bleibt er ein Zwitterwesen aus Parodie und Naivität, findet keine erkennbare Linie und nutzt sein wahnsinniges Thema nicht konsequent genug aus. Ein Werk der verschenkten Chancen also, das aber Spaß machen kann und für Genrefans Pflichtprogramm sein sollte – als Einstieg in die bunte Blaxploitation-Welt aber nur bedingt geeignet.

5,5

Hier der Trailer, den ich auf youtube nicht finden konnte:

Three the hard way "Trailer"
Hochgeladen von gregwallace. - Sieh vorgestellte Filme und komplette TV Shows an.

Inglourious Basterds (2009)

2009-08-20T18:39:00.001-07:00

Achtung: Kritik enthält einige Spoiler!!

Es gehört schon eine gehörige Portion Mumm dazu, einen Film wie „Inglourious Basterds“ auf die Leinwand zu bringen – doch Tarantino hat mit jedem Film aufs Neue bewiesen, das er nichts beweisen muss und sich schon gar nicht einer Erwartungshaltung des Publikums anbiedert. Wieder wird Skeptikern kaum etwas übrig bleiben als die Waffen zu strecken, dem neuen Film des gefeierten Kultstars Respekt zu zollen und anzuerkennen, das hier jemand am Werk ist, der Kino als Handwerk sowie als Leidenschaft vollends verstanden zu haben scheint. Nur so lässt sich erklären, mit welcher Virtuosität jede einzelne Szene inszeniert ist und wie leicht dem Regisseur dies von der Hand zu gehen scheint. Kein Zweifel, nur bei den ganz Großen kann es so einfach aussehen.

„Inglourious Basterds“ bringt nicht nur die Kaltschnäuzigkeit mit, die Nazi-Schergen als Pulp-Bösewichte zu zeichnen und das geschichtlich so sensible Thema der Judenverfolgung im Dritten Reich bewusst im Sinne zynischer Unterhaltung auszuschlachten. Das Trivial-Epos erdreistet sich darüber hinaus, ganz ohne Gewissensbisse, die Geschichte signifikant umzuschreiben und sowohl Hitler als auch Goebbels mitsamt der restlichen Nazi-Prominenz im Kugelhagel sterben zu lassen. Dieses revisionistische Detail wird mit souveräner Selbstverständlichkeit vollzogen und hebt die Künstlichkeit der Groschenroman-Story explizit hervor, die sich lose am italienischen Exploitation-Kultfilm „Ein Haufen verwegener Hunde“ mit Fred Williamson orientiert.

Nur jemand wie Tarantino kann es sich wohl erlauben, einen derartig aus dem Kontext gehobenen Film zu erzählen, der sich rein kinematografisch definiert und sich vehement jeder ideologiekritischen Leseart verwehrt. „Inglorious Basterds“ will nicht zu Tode analysiert und interpretiert, sondern als audiovisueller Rausch genossen werden, als Trip in das eskapistische Wunderland des Kinos. Hier ist es dann auch möglich, Goebbels als psychisch labilen Lustmolch darzustellen und Hitler als einfach gestrickten Machtmenschen, der sich selbstverliebt porträtieren lässt mit der Reichsflagge als Umhang. In der betreffenden Szene ähnelt Hitler einem ins Gegenteil verkehrten Trash-Superman des Nationalsozialismus, inklusive buntem Cape – doch dieser geifernde, hässliche alte Mann zeigt keine Spur von heroischer Größe sondern ist reine Karikatur.

Auch wenn sich Hitler von allen Figuren der Geschichte wohl am besten eignet für Spott und Parodie, geht Tarantinos Ansatz noch einen entscheidenden Schritt weiter: Wenn der Führer und sein Propagandaminister zum Schluss gut sichtbar in Fetzen geschossen werden, dann nimmt ihnen die perfide Inszenierung jede verbliebene Menschlichkeit und jeden Respekt vor ihrem Tod. Sie werden vereinnahmt vom Exploitation-Kino, das bei Tarantino selbstredend eine besondere artifizielle Note erhält und mit oft zitierten Vorbildern des Regisseurs wenig gemein haben. Dennoch ist jede Bildkomposition ein Kniefall vor Sergio Leone, vor dessen epochalen Western sich Tarantino schon seit „Kill Bill Vol. 2“ aber keineswegs mehr verstecken muss. Unverhohlen zitiert der Film auch ausgiebig die faschistische Ästhetik der Propaganda-Werke von Leni Riefenstahl, doch durch die absolute Entbindung des Geschehens von der verbürgten Geschichtsschreibung nimmt sich Tarantino ganz frech jede künstlerische Freiheit, ohne politische Korrektheit berücksichtigen zu müssen.

Einmal mehr erweist sich der Kultregisseur als Meister der Montage und der feinsinnig geschriebenen Dialoge, deren Lakonie immer noch wie aus dem Ärmel geschüttelt wirkt, die sich inhaltlich aber enorm weiter entwickelt haben. Das gleiche gilt für die sichere Hand bei der Typ-Besetzung jeder noch so kleinen Rolle – selbst Til Schweiger, Mike Myers oder Eli Roth fügen sich trotz ihrer limitierten Fähigkeiten nahtlos in das eindrucksvolle Ensemble. Eine besonders intensive Leistung zeigt der in Cannes mit dem Darstellerpreis prämierte Christoph Waltz, der als verschlagener und hoch intelligenter „Judenjäger“ eine Figur von ausgeprägter seelischer Abartigkeit schillernd und charismatisch-anziehend anlegt. Auch August Diehl und die betörend schöne Französin Mélanie Laurent können sich zusätzlich hervor tun, was aber nicht die Gesamtleistung des Ensembles schmälern soll.

Jede Geste, jede mimische Regung, jede noch so unscheinbare Nuance wird von Tarantino versiert zu einem makellosen Meisterwerk verdichtet, das diesen inflationär verwendeten Begriff in vollem Umfang verdient. Denn nur ein Meister kann ein solches Werk schaffen – einen Film, der sich sein eigenes Paralleluniversum schafft, in dem das Kino alles möglich macht. Eine Was-wäre-wenn-Geschichte wird allerdings nicht erzählt, am Ende ist einfach alles machbar. So wie es im Kino eben sein sollte.

Von jeder moralischen Verpflichtung befreit und aller historischer Vorgaben entledigt, gelingt Tarantino ein Film, der nicht durch die Summe einzelner Qualitätsmerkmale ins Auge fällt sondern ein ästhetisch kohärentes Gesamtwerk darstellt, das mit einer seltenen Geschlossenheit und Dichte brilliert. Jedes weitere Wort wäre überflüssig, denn selten hat ein Film so allumfassend für sich selbst gesprochen...

10/10

Transformers 2 (2009)

2009-08-18T09:22:00.000-07:00

Mit „Armageddon“ und „The Rock“ hat Michael Bay bewiesen, das sein „Stil“ (Hochglanz-Werbebilder mit einem kräftigen Schuss Pathos) durchaus sinnvolle Anwendung finden und zugleich Spaß bereiten kann. Speziell ersterer glänzt mit einem bunt durchmischten, bis in die kleinste Nebenrolle prominent besetzten, Ensemble und der nötigen Selbstironie. Die beschränkt sich in „Transformers II“ lediglich auf ein deutlich sichtbares „Bad Boys“-Plakat – ähnlich wie der Humor auf platteste Zoten reduziert ist. Da sieht man zwei kleine Hunde beim Vögeln und soll das nun witzig finden. Auch die bemühten, niemals charmanten Sprüche der Roboter, offenbaren deutlich das angepeilte Niveau – diese Konzentration auf den allerletzten gemeinsamen Nenner scheint aber durchaus anzukommen, urteilt man nach dem Gejohle im voll besetzten Kinosaal.

Zumindest möchte man aber meinen, das „Transformers II“ im Kino gesehen werden will, mit Schauwerten beeindruckt, die für aufdringliche Propaganda und das Weglassen einer schlüssigen Dramaturgie entschädigen. Und wie erwartet, feuert Bay aus allen Löchern, reiht eine martialische Zerstörungsorgie an die nächste, lässt einmal mehr die verblüffenden Computer-Tricks die Hauptrolle übernehmen. Im Vergleich zum Vorgänger, der rein visuell neue Maßstäbe gesetzt und die Möglichkeiten des Mediums neu abgesteckt hatte, haben diese aber keine entscheidende Evolution durchlaufen, was nur zwei Jahre später auch keine Überraschung ist. So knüpft der zweite nahtlos an den ersten Teil an, geht aber noch verschwenderischer mit tosender Action um.

Bereits nach einer Stunde geht das ermüdende Dauergefecht aber schwer auf die Nerven, vor allem, weil Michael Bay auch den letzten Rest Interesse für Spannungsaufbau oder Storytelling über Bord geworfen hat.

Ähnlich wie in der inszenatorischen Katastrophe „Bad Boys 2“ findet der Film keine Linie, keine Mitte, keine Höhepunkte und – am schlimmsten von allem – kein Ende. Noch bevor der eigentliche Konflikt überhaupt richtig eingeleitet ist, hat man sich bereits satt gesehen an transformierenden Robotern und anhaltenden Explosionen. Wenn man nach der schwachsinnigen Pre-Title-Sequence noch nicht den Saal verlassen hat...

Eigentlicher Held sind – wie schon im ersten Teil – nicht etwa die Roboter sondern vielmehr das US-Militär, dessen Technologie ebenso glanzvoll ins Bild gerückt wird wie der glänzende Stahl der titelgebenden Spielzeuge. Nicht selten wirken die gesamten Handlungen wie um das Army-Equipment herum konstruiert – auch der selbstverständliche Eintritt in die Dienste der Vereinigten Staaten könnte aufdringlicher kaum formuliert werden, vor allem, wenn auch noch erwähnt wird, wie schlecht und primitiv der Mensch doch sei.

Neben „Pearl Harbor“ und „Bad Boys II“ also der dritte Totalausfall des viel gescholtenen Michael Bay. Ein weiterer Beweis für den kulturellen Verfall des jugendlichen Zielpublikums, die offensichtlich jeden noch so verkorksten Müll abfeiern, so lange es ordentlich kracht bzw. ein paar heiße Chicks mitspielen. Ein Armutszeugnis, die entsetzlichen Defizite immer wieder mit den gleichen Argumenten weg waschen zu wollen: Es handelt sich schließlich nur um Popcorn-Kino oder reine Unterhaltung, über die nicht nachgedacht werden soll und darf.

Auf der anderen Seite rümpfen Cineasten wahrscheinlich schon vorher verächtlich die Nase, was einem Dialog zwischen „anspruchsvollem“ und „anspruchslosem“ Kino sicher nicht förderlich ist. Der Film ist natürlich trotzdem ein einziges Brechmittel...

01/10

Der Text ist direkt nach dem Kinobesuch entstanden und daher schon etwas älter. Hatte mir eigentlich noch eine Erweiterung vorgenommen, habe da aber ehrlich gesagt keine Lust mehr drauf. Der Film ist einfach zu schlecht um sich noch weiter damit zu beschäftigen - außerdem gibt es ja bereits unzählige Reviews, in denen alles gesagt wird. Trotzdem wollte ich den Text nicht löschen, damit hat mir der Kinobesuch wenigstens einen Blog-Eintrag gebracht...

Aber was macht die Filme von Michael Bay so anziehend und erfolgreich? Hier der Versuch einer Analyse dieser Problematik: ;)

Pariah - Social Outcasts (1997)

2009-08-18T05:28:00.000-07:00

Noch vor der Blaxploitation-Reihe ein paar Worte zum relativ unbekannten Film "Pariah" aka "Social Outcasts", der nun mit über zehn Jahren Verspätung in Deutschland auf DVD erschienen ist. Den Film möchte ich nachdrücklich empfehlen, von der deutschen Erstveröffentlichung aber dringend abraten. Die Synchronisation habe ich gar nicht nicht erst begutachtet da anscheinend über 15 Minuten fehlen. Derartig verstümmelt macht die Veröffentlichung natürlich keinen Sinn...

Nachrichten aus der ideologischen Endzeit

Viele Filme haben sich daran versucht, einen Blick in die verblendete Weltanschauung eines Neonazis zu werfen oder aber die Mechanismen einschlägiger Organisationen zu untersuchen. Ironischerweise wurden fast alle diese Werke (als deren bekannteste Vertreter wohl „Romper Stomper“ und „American History X“ gelten dürfen und deshalb hier als exemplarische Beispiele heran gezogen werden) zu Kultfilmen in der rechtsradikalen Szene, deren Anhänger es immer wieder fertig bringen, jede noch so eindeutige Aussage ins Gegenteil und damit massiv falsch zu interpretieren. So ist die von Edward Norton gespielte Hauptfigur in „American History X“, Derek Vinyard, eine Ikone für viele Neo-Nazis, wenn auch eine fiktive. In erster Linie mag diese beständige Fehlinterpretation ihren Ursprung in der Tatsache finden, das die genannten Filme eine nüchterne Herangehensweise an die rassistische Ideologie wagen und dabei auch der Verführung und Faszination für anfällige Menschen Aufmerksamkeit schenken.

Dementsprechend bedienen sich beide Filme einer schillernden Hauptfigur – sowohl Derek Vinyard als auch Hando aus „Romper Stomper“ (gespielt von einem noch jungen und relativ unbekannten Russell Crowe) sind alles andere als tumbe Schläger. Beide sind gebildet, redegewandt und charismatische Führungspersönlichkeiten. Gleichwohl diese ambivalente Charakterzeichnung von Nöten ist, birgt sie eben auch die Gefahr der Anziehungskraft, der ein Zuschauer mit geringem Reflektionsvermögen nur allzu leicht erliegen kann. Das alles hat aber nur wenig mit „Pariah“ gemein, soll aber veranschaulichen, wie signifikant die Unterschiede in der Figuren- und Handlungskonstruktion sind. Randolph Kret verfolgt andere Ziele und begegnet dem Phänomen Rechtsradikalismus auf vollkommen andere Weise.

Zunächst einmal fehlt die angesprochene Hauptfigur, die den Verlockungen der Ideologie ein Gesicht gibt und diese mit geschickter Rhetorik vorträgt. Auch die Frage nach dem Ursachen interessiert Kret, der mit „Pariah“ seinen einzigen Film inszenierte, nicht einmal am Rande. Mitleidlos zeigt der Film seine Figuren als ausgestoßene Verlierer ohne Zukunft, die sich in einer endlosen Spirale aus Gewalt und Gegengewalt befinden. Daraus resultiert eine absolute Unmöglichkeit, das Gezeigte in irgendeiner Weise zu glorifizieren. Äußerlich wird daher fast auf jede Ästhetisierung verzichtet, der Look ist trist, trostlos und an wenig einladenden Originalschauplätzen sehr naturalistisch gefilmt – eine emotionale Distanzierung wird so unmöglich gemacht. Vordergründig geht es dabei um eine plakative Rachegeschichte.

Plot:Steve (Damon Jones) und seine afroamerikanische Freundin Sam (Elexa Williams) werden fortwährend belästigt und mit rassistischen Vorurteilen konfrontiert, sowohl auf Seiten der weißen als auch der schwarzen Leute. Nach einem gemeinsamen Abend wird das Paar in einer Tiefgarage von einer Gruppe brutaler Nazi-Skinheads überfallen. Sam wird mehrfach vergewaltigt während Steve zusehen muss – noch in der gleichen Nacht nimmt sich die traumatisierte und gedemütigte Frau in der Badewanne das Leben. Für Steve bricht eine Welt zusammen.

Sieben Monate später hat sich der verbitterte Steve einem Racheplan zugewendet und sich äußerlich in einen radikalen Nazi-Skin verwandelt, inklusive Glatze, szenetypischer Kleidung und einschlägiger Tätowierungen. So will sich Steve in die Gruppe integrieren, die den Tod seiner Freundin auf dem Gewissen hat und von innen heraus brutale Rache nehmen. Doch die Aufnahme in die Clique verläuft alles andere als reibungslos...

Was sich abgedroschen und plump anhört, entwickelt seinen Reiz gerade aus dem Verzicht, sich an analytisch komplexen Diskursen zu versuchen. So ist nur in den seltensten Fällen überhaupt die Rede von nationalsozialistischen Ideen – nur am Rande wird von „Reinheit der Rasse“ gefaselt, die Ideologie funktioniert ausschließlich als Katalysator für unbestimmten Hass. Die Wut auf Schwule, Afroamerikaner und Juden ist hier wenig bis gar nicht in einem gedanklichen Konzept verwurzelt. Um die Perspektivlosigkeit zu verdeutlichen beschwört „Pariah“ eine endzeitliche Atmosphäre herauf – nur schwer vorstellbar, das sich die Figuren dem urbanen Niemandsland entziehen können, in dem sie ihr leidenschaftsloses Dasein fristen.

Ständig kommt es zu Gewalt-Eskalationen zwischen den Nazi-Skins und einer verfeindeten Gang von jungen schwarzen Verlierern. Keiner scheint einer geregelten Arbeit nachzugehen, soziale Kontakte finden ausschließlich unter „den eigenen Leuten“ ab. Angst vor dem Gefängnis scheint niemand zu haben, hemmungslose Gewalt ist das einzige Mittel, mit dem der Krieg hier geführt wird. Als Sam vergewaltigt wird, ist es für Steve nicht einmal eine Möglichkeit, zur Polizei zu gehen – ebenso wenig für die Homosexuellen, die am Ende einen Überfall auf einen der ihrigen mit der gleichen archaischen Gewalt vergelten. Die Polizei scheint nur am Rande zu existieren, findet in der hier geschilderten Parallelwelt keinen Platz – auch diese Zuspitzung erinnert eher an „Mad Max“ als an eine Milieustudie.

Trotz der reduzierten visuellen Machart erlaubt sich Randolph Kret einige ausdrucksstarke Sinnbilder, die ebenfalls auf den eingeschränkten Blick auf die Welt hinweisen, den die Figuren mit ihrem schwarz/weiß-Denken geschaffen haben. So befinden sich am Fenster des Aufenthaltsraumes, in dem die Skins die meiste Zeit abhängen, Gitterstäbe, die sich als Schatten auch durch das gesamte Zimmer ziehen und sich direkt auf den Gesichtern und Körpern niederlassen. Deutlicher könnte Kret kaum sein: Die Skins befinden sich bereits in einem Gefängnis – ein Gefängnis, das ihnen jede Chance für die Zukunft raubt, soziale Isolation bedeutet und in dem grundsätzlich nur weiterer Hass anwachsen kann.

Einen Blick über den Tellerrand dieser Einbahnstraße wird nur am Rande erwähnt, bis auf Steve und Sam als glückliches Paar am Anfang und Sams bürgerliche Schwester (die mit der Handlung aber kaum zu tun hat) werden keine „normalen“ Leute gezeigt sondern ausnahmslos subkulturelle Zusammenschlüsse verschiedener Minderheiten. Neben den schwarzen Gangs und den Nazi-Skins sind dies eigentlich nur die Homosexuellen, von denen aber genauso wenig einzelne Charaktere beleuchtet werden wie auf Seiten der Afroamerikaner.

Da aber kein eigentliches Gedankengut besteht, das die Skinheads vereint existiert in deren Welt nur eine diffuse Idee davon, wen man zu hassen hat und wen eben nicht. Das Motiv der Ausgeschlossenheit aus der Gesellschaft wird ins Zentrum des Interesses gerückt, was schon der Titel verdeutlicht. Der Begriff „Pariah“ wird im indischen Kastensystem für die Außenseiter verwendet – nicht etwa die niederste Kaste, sondern Menschen, die sich außerhalb des Systems befinden, als „unberührbar“ gelten und wie der letzte Abschaum behandelt werden. In dieser Hinsicht macht der Film keine eindeutigen Aussagen und verurteilt jene Versager auch nicht, die er dem Zuschauer zeigt. Ob die geistig verwahrlosten Männer und Frauen Opfer äußerer Bedingungen waren oder ihren sozialen Abstieg selber verschuldet haben, wird nicht klar und ist auch nicht wichtig. „Pariah“ fragt nicht danach, wie die Menschen wurden wie sie sind und bietet auch keine Lösungsansätze an.

Die authentisch geschriebenen Dialoge gleichen der Vulgärsprache in „Menace II Society“, der einen ähnlichen urbanen Alptraum beschreibt. Auffällig ist der inflationäre Gebrauch von Schimpfwörtern, welche die kurz angebundenen Sätze regelrecht zusammenhalten. In jedem Wort und jeder begleitenden Geste schwingt Provokation, Aggression und Geltungsbedürfnis mit, ein konstruktives Gespräch wird im ganzen Film nicht geführt – auch nicht von Hauptfigur Steve, für die es nur Rache als Ausweg geben kann. Das diese Rache nicht zu einer Katharsis führt, keine versöhnliche „Gerechtigkeit“ herbei führt, unterstreicht nur den erbarmungslosen Charakter dieses düsteren und unbequemen Films.

09/10

Hier der ziemlich irreführende weil reißerische Trailer, der überhaupt nicht zum Grundton des Films passt:

TV Tipps 17.08. - 23.08.09

2009-08-17T04:32:00.000-07:00

Montag

Der zweite Atem (ARTE)
Gangsterfilm mit Lino Ventura vom großen Stilisten Jean-Pierre Melville. Kann eigentlich nur gut sein und da Arte erstmals die ungekürzte deutsche Fassung sendet (sagt die Fernsehzeitung) handelt es sich schon fast um ein Ereignis im tristen TV-Alltag...

Dinotopia 1 (Super RTL)
Teure TV-Mini-Serie, in der auch Terry Jones seine Finger im Spiel hatte. Trotz der beeindruckenden Landschaftsaufnahmen und aufwendigen Kulissen bleibt das Ganze aber eben nur Fernseh-Kost mit dröger Dramaturgie. Die skurrile Story um eine zivilisierte Ko-Existenz zwischen menschen und intelligenten Dinosauriern bietet Platz für Humor, Action und Spannung und ist ungeachtet aller Defizite zumindest im ersten teil unterhaltsam geraten. Die weiteren Folgen laufen Morgen und Übermorgen...

Dienstag

2 Missionare (Kabel)
Kein Evergreen mit Spencer und Hill, dennoch eine flott erzählte und herrlich einfach gestrickte Komödie. Geht eigentlich immer, ist aber auch kein „Zwei wie Pech und Schwefel“...

Pale Rider (Tele 5)
Mythisch überhöhter Abgesang auf das Western-Genre von Clint Eastwood, der an sein frühes Meisterwerk „Ein Fremder ohne Namen“ anknüpft. Auch wenn Eastwood hiermit erstmals die seriöse Kritik auf sich aufmerksam machte, wird der Film rückblickend sträflich vernachlässigt...

The Replacement Killers (Kabel)
Einfacher Actionfilm, der sich ganz dem Kino von John Woo verpflichtet fühlt, dieses bis ins Detail nachstellt und daraus auch keinen Hehl macht. Überraschend gelungen, aber eben nur gut geklaut...

Psycho (NDR)
Hitchcocks vielleicht effizientester und am ehesten auf den Punkt gebrachter Film, allerdings bei weitem nicht mein Liebling und wohl auch nicht der beste vom Meister...

Mittwoch

Werner – Volles Rooäää (Kabel)
Erster wirklich misslungener Werner-Film, der einfach nicht mehr ins Kino gehört. So charmant und milieugenau die Comics auch sein mögen, erzählerische Dichte will sich einfach nicht einstellen....

In & Out (BR)
Vor gefühlten tausend Jahren im Kino fand ich den sehr amüsant, seitdem nie wieder gesehen...

Muxmäuschenstill (HR)
Beißende Satire, die bitterböse mit deutschen „Tugenden“ abrechnet und das Ganze in einer unverstellten Homevideo-Optik präsentiert, der man sich schwer entziehen kann. Auch wenn das Ende ein wenig entgleist wirklich sehenswert...

Donnerstag

Das Geisterschloss (Sat.1)
Oberflächlicher Mainstream-Horror, dem jeder Sinn für Subtilität fehlt. Das Geisterhaus-Setting wird vollends verschenkt zugunsten aufdringlicher Effekte, die ihre Funktion nur selten erfüllen...

Johnny English (Vox)
Nervtötende Agenten-Parodie mit dem unerträglichen Rowan Atkinson, der seine infantilen Grimassen anscheinend urkomisch findet und mal wieder einen „Film“ drum herum kurbelt. Zum Kotzen schlecht...

Freitag

Scoop (ZDF)
Sehr mildes Spätwerk von Woody Allen, der auch als idealer Einstieg in dessen Gesamtwerk geeignet ist. Auch wenn die gedankliche Tiefe seiner bedeutenderen Filme nur gestreift wird, eine der besten Komödien des neuen Jahrtausends. Wunderbar geschlossen erzählt und vorzüglich gespielt...

Samstag

Mrs. Doubtfire (Vox)
Allmählich liegt schon fingerdicker Staub auf dieser erzkonservativen Pro-Familia—Komödie mit Robin Williams in Frauenkleidern. Fand ich als Kind klasse aber selbst da war mir schon die Moral am Ende zu sülzig aufgetragen...

Asterix in Amerika (Sat.1)
Nach „Asterix erobert Rom“ der erste Teil der Reihe, der nicht auf einer Comic-Vorlage basiert. Merkt man dann leider auch an mangelhaftem Timing, fehlendem Witz und an der lieblos konstruierten Story, die nichts weiter als ein müdes Abziehbild des Bandes „Die große Überfahrt“ ist. Kann man sich schenken, fand ich schon vor Urzeiten im Kino blöd...

Grasgeflüster (BR)
Vergnügliche Feel-Good-Komödie aus England, die nicht viel mit dem Label „Kifferfilm“ zu tun hat. Glücklicherweise, denn hier gibt es eine schöne Story mit ernsten Zwischentönen, starke Schauspieler und warmherzigen Witz...

Scary Movie 2 (Pro 7)
Noch beschissener als der erste Teil. Die Wayans-Brüder können einfach keine Filme drehen...

Frankenfish (Pro 7)
Warum dieser B-Schrott so abgefeiert wurde, kann ich mir nicht erklären. Schlechte CGI-Effekte, schleppende Handlung, wenig Action – wer auf diesen Direct-to-DVD-Kram abfährt kann aber einschalten...

Sonntag

Apocalypto (Pro 7)
In der ersten Hälfte gelingt Mel Gibson ein stark bebilderter Naturfilm, der sich leider einer allzu konventionellen Dramaturgie zuwendet und so einiges an Glaubwürdigkeit verliert...

Banana Joe (Das Vierte)
Solo-Auftritt von Bud Spencer. Relativ unspektakulär und gewohnt trivial, versteht es Regisseur Corbucci doch, aus der langweiligen Geschichte einen gewissen Schwung heraus zu kitzeln...

Tommy (3Sat)
Visuell bestechende Verfilmung der gleichnamigen Rock-Oper von The Who, denen mit dem Album einer der wichtigsten Beiträge zur Geschichte der Rockmusik gelang. Die Verfilmung ist jedenfalls ein Augen- und Ohrenschmaus sondergleichen mit vielen skurril besetzten Stars...

Being John Malkovich (Tele 5)
Die echte Postmoderne. Eins der besten Drehbücher der 90er-Jahre und immer wieder ein irres Filmerlebnis. Abgefahrenes Kino, das sich keineswegs an den eigenen cleveren Wendungen ergötzt sondern echte emotionale Tiefe besitzt...

Anmerkung: Nach langer Zeit habe ich mich endlich noch zu den TV-Tipps aufgerafft. Die Sendezeiten habe ich aus Faulheit weg gelassen - die kann man aber auch selbst nachsehen, Titel und Tag sind ja angegeben... ;)

Animierte Kurzfilme: Fantasmagorie (1908)

2009-08-16T03:51:00.001-07:00

Als die gezeichneten Bilder laufen lernten. Ein klitzekleiner Meilenstein von Émile Cohl, der sich leider nur in sehr schlechter Qualität erhalten hat und als frühester vollständig animierter Film gilt, der die Zeit überstanden hat...

West and Soda - Der Wildeste Westen (1965)

2009-08-15T17:18:00.000-07:00

Plot: Der Cowboy Johnny hat sich eigentlich von der Waffengewalt verabschiedet, doch als es ihn in eine kleine Stadt mitten in der Prärie verschlägt, ist schon bald seine Hilfe als Revolvermann gefragt. Hier lernt Johnny die liebreizende Farmersfrau Miss Clementine kennen, die von Rancher Thugs und dessen Schergen tyrannisiert wird, da Thugs hinter dem Land der jungen Frau her ist. Schnell verliebt sich Clementine in den fremden Johnny, in dem sie einen Beschützer sieht – und auch wenn sich der Cowboy nicht auf eine feste Beziehung einlassen will, eilt er zur Rettung als sie von Thugs entführt wird...

Bruno Bozzetto machte schon mit seinen frühesten Kurzfilm-Arbeiten auf sich aufmerksam, fand Beachtung bei internationalen Festivals (darunter sogar das renommierte Festival in Cannes) und lernte Größen der Zeichentrick-Kunst wie Normen McLaren kennen, von dessen abstrakten Cartoons sich Bozzetto noch heute stark beeinflusst zeigt. Nachdem er Anfang der 60er-Jahre schließlich seine Kultfigur Herr Rossi kreierte, die ihn noch über viele Jahre begleiten sollte, stieg Bozzetto zum Star-Zeichner auf und war schon bald Aushängeschild des italienischen Animationsfilms.

1965 sollte sich für Bozzetto die Chance ergeben, den ersten Zeichentrick-Langfilm Italiens nach langen Jahren (und erst den dritten überhaupt) zu inszenieren und „West and Soda“ wurde ein zufrieden stellender Erfolg an den Kinokassen – neben internationaler Vermarktung entwickelte sich die Western-Parodie schnell zum Hit im italienischen Fernsehen.

Eine sehr kurze Pre-Title-Sequence zeigt Eindrücke der kargen Prärie, deren Landschaftsbild nur von Felsen und endlosem Sand geprägt scheint. Eine Kutsche reist durch diese lebensfeindliche Umgebung und wird von einer Gruppe Indianer angegriffen. Im schmucklosen Vorspann erklingt dann bereits ein epischer Score, der sich unbefangen auf Morricone beruft und dessen Klangwelten gekonnt imitiert.

Auch wenn keine expliziten erotischen oder gewalttätigen Details zu sehen sind, eignet sich der Film kaum für ein junges Publikum mit noch ungeschultem Auge. Viel zu sehr setzt der Humor auf einen gewissen Kenntnisreichtum beim Zuschauer, was Stereotypen des Genres betrifft – Bozzetto schafft dabei nicht den Spagat (wenn er ihn überhaupt angestrebt hat, zahlreiche leicht verständliche Slapstick-Gags sprechen dafür), den Morris mit seinem Lucky Luke so formvollendet gemeistert hatte, nämlich sowohl ein erwachsenes als auch ein kindliches Publikum auf unterschiedlichen Ebenen zu unterhalten. Das allerdings auch nur auf dem Papier, ein Kinofilm setzt selbstverständlich ganz andere Mittel voraus als ein Cartoon oder ein Comic-Heft.

In überwiegend rotbraunen und schmutzig-gelben Farben parodiert „West and Soda“ den Italo-Western, als er gerade den Kinderschuhen entwachsen war und als Strömung ihre großen Höhepunkte noch vor sich hatte. Damit nimmt der humoristische Ton eine Vorreiterstellung ein hinsichtlich der späteren, eher komischen Genrevertreter, deren Erfolg maßgeblich von Bud Spencer und Terence Hill initiiert wurde. Prinzipiell zieht der Film eher die Stereotypen des Western-Genres im Allgemeinen durch den Kakao und macht sich die derzeit wachsende Begeisterung der italienischen Filmindustrie für das Genre zu nutze.

Bozzettos Hang zu minimalistischer Hintergrundgestaltung und eher hässlichen Figuren, jenseits aller Schönheits-Ideale, passt vorzüglich zum gewählten Setting – verblüffend atmosphärisch geraten die Impressionen von endloser Weite, die zwielichtige Stimmung im Dorf und auch das finale Duell. Ungeachtet der streckenweise armseligen Animationen ist Bozzettos Werk als Meilenstein im europäischen Zeichentrickfilm zu werten – vor allem, weil Bozzetto sich seiner begrenzten Möglichkeiten bewusst ist und damit das Abstrakte, das grafische in seinen Animationen auch bewusst heraus stellt.

Damit und mit seinem kruden Humorverständnis hebt sich „West and Soda“ weit ab vom Gros der zeitgenössischen Produktionen, auch wenn er technisch jederzeit unterdurchschnittlich bleibt. Bozzetto inszeniert hier einen kompromisslos individuellen Film, der in jeder Szene als Werk seines Machers erkennbar bleibt – ohne jede Anbiederung an den großen Disney-Konzern. Keine Spur von Sentimentalität, garstiger Witz steht auf dem Programm, der auch über den versierten Einsatz der Soundeffekte entwickelt wird.

Jenseits der historischen Bedeutung (die kaum angemessen gewürdigt wird) offenbaren sich aber auch Schwächen inhaltlicher Natur: die meist treffsicheren Seitenhiebe gegen Genre-Klischees und die Bloßlegung der Gewalt-Stilisierung bleiben die einzigen Aspekte, denen sich Bozzetto zu nähern scheint und lässt den gesamten Film als skizzenhafte Karikatur auf den Zuschauer los. Wirkliche Anteilnahme am eigentlichen Geschehen kommt nie auf, dafür ist die Rahmenhandlung zu konventionell und traditionellen Strickmustern verpflichtet. Ein wirklich runder Film ist „West and Soda“ also keineswegs geworden, eine Reihe kurzer Cartoons im Western-Setting hätten womöglich besser funktioniert. Dennoch ist Bozzetto einen waghalsigen und wichtigen Schritt gegangen und aus heutiger Sicht bleibt sein erster Langfilm in erster Linie ein Faszinosum für Freunde des Zeichentrick-Kinos.

5,5/10

Hier die finale Sequenz mit dem obligatorischen Duell. Kann nur begrenzt als Spoiler betrachtet werden weil das Ende vorhersehbar ist und die Kenntnis keineswegs den Film versaut:

Review-Reihe: Blaxploitation

2009-08-06T17:06:00.001-07:00

Nach meiner Animationsfilmreihe (schließe ich morgen oder übermorgen mit WEST AND SODA ab) mal was ganz anderes: Drei schmissige Blaxploitation-Streifen und mal nicht die allseits bekannten wie SHAFT, SUPERFLY oder FOXY BROWN...

Don't Play Us Cheap (1973)

Ein Musical vom Begründer der Blaxploitation-Strömung, Melvin van Peebles. Der hatte noch Ambitionen und vor allem was zu sagen, gehört nicht in die Trash-Schublade...

Three the Hard Way (1974)

Die hinreißend größenwahnsinnige Storyline spricht für sich, treibt alle Blaxploitation-Klischees auf die Spitze, wartet mit einem All-Star-Cast auf und sich nimmt sich scheinbar auch noch selbst ernst...

Dolemite (1975)

Das Schauspiel-Debüt des Komikers und Musikers Rudy Ray Moore, der die in den Blaxploitern gepflegten Klischees schon auf der Bühne dankbar als Stand-Up-Programm verarbeitet hatte und seine Kunstfigur "Dolemite", einen Kung-Fu kämpfenden Pimp, erfolgreich ins Kino bringt...

Mister Feuerstein lebt gefährlich (1966)

2009-08-06T09:00:00.000-07:00

Plot: Der Geheimagent Rock Slag wird von Gangstern verfolgt und durch einen Sturz aus großer Höhe vermeintlich ausgeschaltet. Als hart gesottener Profi ist er aber nur verletzt und wird ins Krankenhaus von Bedrock eingeliefert. Zur gleichen Zeit bereiten sich Fred Feuerstein, sein bester Freund Barney und ihre Frauen auf den anstehenden, gemeinsamen Urlaub vor – als Fred und Barney die Tiere zum Gewahrsam beim Tierarzt gebracht haben, nimmt Fred eine gefährliche Abkürzung und baut prompt einen Autounfall – er wird zur gleichen Zeit ins heimische Krankenhaus gebracht wie Rock Slag, dem Fred zu allem Überfluss ähnelt wie einem Zwillingsbruder. Hier wird der Chef von Rock Slag auf diese Ähnlichkeit aufmerksam und unterbreitet Fred das Angebot, den verletzten Rock im Kampf gegen den Super-Verbrecher „Die Grüne Gans“ zu ersetzen.

Begeistert von der Idee, ein aufregendes Leben als Agent zu führen und im Auftrag der Regiseung Verbrecher zu stellen, nimmt Fred an, zumal sämtliche Spesen bezahlt werden. Die Reise führt ihn nach Paris und Rom – der geplante Camping-Trip mit Freunden und Familie wird nun ersetzt durch diese große Reise. Allerdings hat Fred geschworen, seine Mission streng geheim zu halten und ist daher hin und her gerissen zwischen Urlaub und verdeckter Verbrecherjagd...

„The Man Called Flintstone“ ist ein Kinofilm um die Familie Feuerstein, nach Einstellung der Serie so etwas wie ein Abschiedsgeschenk für die Zuschauer, aber auch für die Figuren, die schon zu diesem Zeitpunkt fester Bestandteil amerikanischer Popkultur waren. William Barbera und Joseph Hanna inszenierten damit ihren zweiten Langfilm nach „Hey There, It's Yogi Bear“ und beweisen erneut, das Spielfilm-Dramaturgie überhaupt nicht ihre Domäne ist. Nach jahrelanger erfolgreicher Arbeit bei MGM, in denen das Duo fast ausschließlich mit der eigenen Reihe um Tom und Jerry beschäftigt war, glückte ihnen mit dem Aussterben des Kino-Cartoons mühelos der Übergang in das neue Medium Fernsehen. Rasch gelangen Erfolge wie „Yogi Bär“, „Die Jetsons“, „Scooby-Doo“ und viele weitere Kult-Serien, in denen das Kreativ-Duo seine größte Stärke ausspielen konnte: die Charakterentwicklung einprägsamer und sympathischer Figuren mit hohem Identifikationsfaktor. Über allen Arbeiten, die Hanna und Barbera nach ihren MGM-Jahren für das Fernsehen entwickelten, nimmt bis heute die Familie Feuerstein einen herausragenden ersten Platz ein. Bis Matt Groening Jahrzehnte später mit den anarchischen Simpsons alle Rekorde brechen sollte, waren die „Flintstones“ lange Jahre die erfolgreichste Zeichentrickserie überhaupt. Mit einem Kinofilm nach fünf überaus erfolgreichen Staffeln einen würdigen Abschluss zu präsentieren, misslingt gründlich, einfach weil das 20-minütige Format der Serie so gar nicht mit den Normen eines Langfilmes zu vereinbaren ist.

Nach einem gelungenen Vorspann, der ganz im James-Bond-Stil gehalten ist und sogar mit dem brillanten Titelsong eine elegante Analogie schafft zu eben jener Filmreihe, macht bereits die folgende Eingangssequenz klar, das man es nicht mit einer gewöhnlichen Storyline aus Bedrock zu tun hat. Fred Feuerstein hängt lässig zwei zwielichtige Gestalten in einer rasanten Autoverfolgungsjagd ab, in der bereits die aus den Bondfilmen bekannten technischen Gimmicks zum Einsatz kommen, hier in Form von integrierten Steinschleudern und extrem biegsamen Karosserien. Am Ende der Szene wird klar, das es sich um einen Doppelgänger handelt, der darüber hinaus als berüchtigter Geheimagent tätig ist – auch die anschließende Verwechslungsgeschichte inklusive der international agierenden Organisation, welche die gesamte Welt bedroht ist eine akkurate und in sich funktionelle Parodie auf James Bond. Über Referenzen und Zitate kommt der gesamte Film dann aber nicht hinaus, es fehlt Eigenständigkeit, das rechte Tempo und ein Spannungsbogen als Fundament der auf Dauer eher drögen Story.

Neben dem bereits erwähnten Titel-Thema, das auch instrumental während des Films erklingt, sind auch ganz und gar deplatzierte Gesangseinlagen eingebaut, die weder atmosphärischen noch dramaturgischen Sinn ergeben. Diese Szenen fühlen sich an wie Fremdkörper und wollen sich überhaupt nicht in die Konzeption des restlichen Films einfinden, funktionieren platt gesagt als Füllmaterial um die Laufzeit auf stramme 90 Minuten zu hieven. Spätestens wenn dann selbst die Babys Pebbles und Bam-Bam ein süßliches Liedchen anstimmen und durch eine verkitschte Traumlandschaft schweben wird klar, das nicht viel übrig ist vom mitunter derben Charme der Serie. Viele einzelne Episoden hatten inhaltlich eine bessere Grundlage, ein würdiger Abtritt sieht ganz anders aus – dementsprechend verhalten war der Erfolg an den Kinokassen, in den Folgejahren entwickelte sich der Film dennoch zum Evergreen im amerikanischen Fernsehen; also dort, wo der Film eigentlich von Anfang an hingehört hätte. Für einen Kinofilm ist der Plot einfach zu wässrig und unergiebig, ein 60-minütiges TV-Special mit der gleichen Geschichte hätte den gleichen Effekt erzielt.

Auch optisch macht der Film nicht viel her sondern setzt wie die Serie auf sehr reduzierte Animationen, einfach gehaltene Figuren und Hintergründe. Zudem fehlt es ein wenig an den so beliebten Anachronismen, aus der die Serie einen Großteil ihres Reizes bezogen hat – was nicht zuletzt daran liegt, das der Film stärker auf die jüngsten Zuschauer zugeschnitten ist. Die leicht chauvinistische und im Kern erzkonservative Aussage hat sich aber in den Film „gerettet“ - was aber schon aufgrund der gleichen Personenkonstellation und der daraus resultierenden Rollenverteilung unvermeidlich war. Die so fantasievoll wie detailreich erdachte Welt Bedrock kommt hier ein wenig zu kurz und macht Platz für eine groß angelegte Bondparodie. Alle Gags außerhalb dieses Kontextes werden vernachlässigt und in den Hintergrund gedrängt, was in Verbindung mit den nervtötenden Musikeinlagen auf Dauer einfach zu monoton ist. Letztere sind aber der eigentliche Grund, warum „The Man called Flintstone“ nicht funktionieren will – zu uninspiriert, einfallslos und kindisch sind die betreffenden Sequenzen geraten.

Fazit: Die Flintstones gehören nicht ins Kino. Jedenfalls nicht so. Kurioserweise zeigte erst die Realverfilmung mit John Goodman wie der Hase läuft...

04/10

Hier gibt es den gesamten Film in zehn Teilen zu sehen.

Filmtagebuch: Dirty Harry 5, Sleepless, Mall Cop, Onkel Toms Hütte

2009-08-06T07:05:00.000-07:00

Das Todesspiel (1988)
Im fünften Teil um Dirty Harry ist selbiger auch in seinem fiktiven Universum zur Ikone, zur lebenden Legende geworden. Selbstverständlich angeekelt vom Rummel um seine Person ist aus Harry Calahan eine Persönlichkeit geworden, die durch ihren beruflichen Erfolg in Verbindung mit hinlänglich bekannter harter Vorgehensweise zum Helden stilisiert werden soll. Autogramme schreiben, Interviews geben und sogar um ein Fernsehspecial ihm zu Ehren gebeten werden – so sieht Harrys Alltag nun aus, neben der kompromisslosen Verbrecherjagd selbstverständlich. Im „Todesspiel“ ist die Hauptfigur mehr denn je ein Mann ohne Privatleben, der scheinbar nur für seinen Job existiert, beim bloßen Gedanken an schnöde Schreibtischarbeit erbost reagiert. Doch Calahan ist alt geworden, die Luft ist raus aus der Filmserie, die hier wieder nur einen dürftigen Plot verfolgt, der lediglich altbackene Handlungsmuster wieder aufwärmt, angereichert mit einer überdeutlich vorgetragenen Medienschelte. Schon die Entwicklung von der karrieregeilen Reporterin zur seriösen Berichterstatterin spricht Bände, auch der mitunter sarkastisch-selbstironische Blick auf die Filmindustrie kann durchaus auf Eastwoods eigene Karriere umgemünzt werden.(4,5/10)

Sleepless (2001)
Argentos Versuch einer Wiederbelebung des klassischen Giallos, dessen Entwicklung er maßgeblich beeinflusste, erweist sich als zwiespältiges Unterfangen. In seinen besten Momenten hoch atmosphärisch, lebt der Film in erster Linie vom treibenden, pumpenden Score von The Goblin, der für eine elektrisierende Stimmung sorgt und in Verbindung mit der dynamischen Kameraarbeit streckenweise enorme Spannungsentwicklung aus dem schlaffen Plot heraus kitzelt. Die Geschichte selbst rutscht aber des öfteren in unfreiwillige Komik herab, was in einer haarsträubenden Auflösung kulminiert, die perfekt zu den trashig umgesetzten Spezialeffekten passt. Verständlich, dass Max von Sydow hier eher zurückhaltend agiert und nicht selten einen äußerst gelangweilten Eindruck macht. Für Fans von Argento aber sicherlich einen Blick wert, vereint „Sleepless“ doch deutlich sowohl inhaltliche als auch ästhetische Motive des Regisseurs, der hier einmal mehr zwei seiner eklatanten Schwächen zeigt: Ein dürftiges, wenig ausgefeiltes Drehbuch und ein damit einher gehendes Desinteresse an den oberflächlich gezeichneten Figuren. Aufgrund dieser Defizite können auch die zahlreich eingeflochtenen Subtexte nicht glaubwürdig ausformuliert werden...(05/10)

Der Kaufhaus-Cop (2009)
Genau die erwartete, immer gleiche Standard-Komödie vom Fließband. Wie das Ganze ausgeht steht nach der Einführung der Hauptfiguren gleich fest und der Film gibt sich eifrig Mühe, jede Figur so eindimensional wie nur irgend möglich zu gestalten. Bei jeder Gelegenheit bestätigt das Drehbuch, das der glatte arrogante Mistkerl, der sich fortwährend über fette Mitmenschen lustig macht, wirklich ein Arschloch ist und das das scheue, natürlich bildhübsche Rehlein von weiblicher Hauptfigur besser mit dem kugelrunden aber sanftmütigen Paul bedient ist. Das dieser Paul von Kevin James gespielt wird, rettet dann vor einem Totalausfall – seine Präsenz wirkt einfach für sich. Nicht zuletzt aufgrund des voluminösen Körperumfangs, der den „King of Queens“-Star auszeichnet, gerät das Schlussdrittel immerhin zu einer leidlich amüsanten „Die Hard“-Parodie mit netter Luftschacht-Action. Die sülzige Moral trägt unverkennbar die Handschrift Adam Sandlers, der mit seiner eigenen Produktionsfirma 'Happy Madison' hinter dem Projekt steht...(2,5/10)

Onkel Toms Hütte (1965)
Werkgetreue, wenn auch wenig akkurat ausgestattete Adaption des gleichnamigen Romanklassikers. Ebenso wie die literarische Vorlage neigt der Film zu übertriebener Sentimentalität und rührseligen biblischen Gleichnissen. Dramaturgisch sinnvoll gestrafft, enthält der Plot sämtliche Eckpunkte der Geschichte und erzählt diese relativ ausladend, allerdings ohne aufwendige Bildkompositionen. Darstellerisch beeindruckt vor allem Herbert Lom als machtgieriger Großgrundbesitzer, dessen Figur die am reizvollsten gestaltete ist. Der von unerfüllter sexueller Bestätigung zerfressene Charakter ist vielschichtig angelegt und lädt ein zu einem psychosexuellen Diskurs über die Machtverhältnisse, die rein kapitalistischen Gegebenheiten zugrunde liegen. Andererseits enttäuscht der Film durch ästhetische Unzulänglichkeiten wie einfallslose Kostüme und uninspirierte Kameraarbeit... (05/10)

VIP - Mein Bruder der Supermann (1969)

2009-08-03T18:30:00.000-07:00

Plot: Die VIPs gehören einem Superhelden-Geschlecht an, das seit Anbeginn der Zeit die schwächeren Lebewesen der Erde beschützt. Bisher heirateten die Supermenschen nur untereinander, doch durch eine Verwechslung verliebte sich Schnurrbart-VIP in eine gewöhnliche Kassiererin. Aus dieser ersten gemischt-rassigen Ehe zwischen Menschen und VIPs gingen zwei Söhne hervor, wie sie unterschiedlicher kaum sein könnten: während Super-VIP mit gigantischer Körperkraft, Unverwundbarkeit sowie der Fähigkeit zu fliegen ausgestattet ist, hat der kleine Mini-VIP keine besonderen Talente. Neben seinem Bruder Super-VIP, Frauenschwarm und gefeierter Kämpfer gegen das Verbrechen, bleibt keine Beachtung übrig für Mini-VIP, der unter seinen mangelnden Fähigkeiten zunehmend leidet.

Nach einem Besuch beim Psychologen beschließt Mini-VIP eine Reise anzutreten um sich vom Stress zu erholen und seine Minderwertigkeitskomplexe abzubauen. Doch auf der Schiffsreise kommt es anders als gedacht: Gemeinsam mit einer als Löwe verkleideten Frau gerät Mini-VIP über Bord und strandet auf einer seltsamen Insel. Hier regiert die diktatorische Happy Betty, Besitzerin einer riesigen, weltweiten Supermarktkette – diese schmiedet gerade unheilvolle Pläne. Mit einem verrückten Wissenschaftler, militärischer Unterstützung, unzähligen Arbeitersklaven und der finanziellen Hilfe dubioser Geschäftsmänner plant Happy Betty eine gewaltige Massen-Gehirnwäsche zur ultimativen Profitsteigerung...

Nur wenige Jahre nach seinem ersten Langfilm „West and Soda“ (der zum kleinen Überraschungserfolg avancierte und auch internationale Beachtung fand) gelang Bruno Bozzetto mit „VIP“ ein dramaturgisch noch geschlosseneres und damit erzählerisch dichteres Werk als seine bereits überaus gelungene Italo-Western-Parodie. Bozzetto, der für seinen minimalistischen grafischen Stil bekannt und in Italien ein absoluter Star-Zeichner ist, wird nicht zuletzt geschätzt für einen unverwechselbar galligen satirischen Humor, nicht selten garniert mit bissiger Gesellschaftskritik und scharfen Spitzen gegen Politik, Medien und allgemeine menschliche Schwächen. Das der Regisseur, Drehbuchautor und Zeichner bei all dem Spott kein verbitterter Zyniker ist, zeigen seine liebevoll gezeichneten Helden, meist Außenseiter und Träumer die es nicht leicht im Leben haben – wie seine berühmteste Figur Herr Rossi oder eben auch sein Protagonist in „VIP“, das gedrungene Männlein Mini-VIP, der schwächste Mann der Welt.

Schon die Physiognomie zeugt von vorhandenem Selbstbewusstsein: Mit verschüchtertem Blick fühlt sich der gedrungene, unförmige kleine Mann unwohl in einer feindlichen Welt, während ihm in Form seines Bruders ein männliches Idealbild an die Seite gestellt wird. Super-VIP ist eine leicht erkenntliche Parodie auf Superman und alle Helden ähnlichen Strickmusters, bekommt aber durch die ihm inne wohnende Arroganz und an Dümmlichkeit grenzende Naivität eine ganz eigene satirische Note, die es nicht bei einer bloßen Verballhornung belässt. Vielmehr deckt Bozzetto anhand des selbstherrlichen aber dennoch gutherzigen Super-VIP das Problem jener strahlender Helden ohne Angriffspunkte auf: Jede Identifikation geht verloren und der immer überlegene Held wird einfach langweilig. Dementsprechend schenkt der Film seine Aufmerksamkeit eher dem benachteiligten Mini-VIP – Bozzetto bleibt den Outsidern treu.

Obgleich „VIP“ auch für Kinder bedingt geeignet ist, scheint Bozzetto keinesfalls daran interessiert zu sein, einen sauberen Familienfilm abzuliefern. Dafür spricht schon die schmutzig anmutende Ästhetik bar jeglicher Verniedlichung, die sich mit erdigen, matten Farben und skurriler Figurenzeichnung weitab von bekannten Disney-Standards bewegt und aufgrund des kleineren Budgets auch technisch nicht in dieser Liga spielen kann. Bozzetto schert sich aber einen Dreck um eine Annäherung an eventuelle amerikanische Vorbilder und zelebriert gerade seine so typischen, völlig simplifizierten Hintergründe, die dennoch ihren Effekt nicht verfehlen. Mitunter sind die Bewegungsabläufe etwas steif geraten, was aber durch Bozzettos ungezügelte Liebe zum schrägen Detail ausgeglichen wird. In zurückhaltendem Maß bedient er sich in „VIP“ auch anzüglicher und sogar leicht gewalttätiger Anspielungen (z.B. wird der Kampf zwischen einem kraftmeiernden Oberst und Mini-VIP nicht gerade zimperlich ausgetragen) und disqualifiziert sich somit als „pädagogisch wertvoll“ - was natürlich als zusätzlicher Sympathie-Punkt zu werten ist.

Auch wenn Bozzetto oberflächlich wieder eine Genre-Parodie inszeniert, ist er hier doch weniger daran interessiert Filmklischees und ikonische Bilder zu demontieren – vielleicht auch, weil der Superhelden-Stoff eher Sache der Amerikaner ist und es sich keineswegs um eine so genuine Thematik handelt wie es noch beim Italo-Western der Fall war. Die meisten offensichtlichen filmischen Referenzen entstammen dabei nicht, wie es Titel und Geschichte vielleicht vermuten lassen, aus klassischem Superhelden-Pulp sondern eher aus der Edel-Trivialreihe „James Bond“ - irgendwo ja auch ein Superheld. Nach einem eher handelsüblichen Beginn kommt die Handlung schon nach knapp 20 Minuten auf die oben erwähnte Insel, wo der gesamte restliche Film spielt. Hier verlässt Bozzetto endgültig die schnöde Superhelden-Parodie (zu der ihm nichtsdestotrotz einige köstliche Scherze einfallen) und unterfüttert seinen zweiten Langfilm mit schriller Konsumkritik, die mit bizarren Allegorien und einigen verstörend psychedelischen Einlagen die jüngsten Zuschauer komplett aus den Augen verliert. Nicht zuletzt diese unangepasste, grobschlächtige Art verleiht „VIP“ aber einen kaum zu leugnenden Charme. Fast jeder andere Regisseur hätte aus der Grundkonstellation und den sich zum Ende zuspitzenden Ereignissen (Super-VIP und die Frauen werden gefangen genommen) eine vorhersehbare Motivations-Story erzählt, in der ein Feigling über sich hinaus wächst und die halbe Welt rettet – Bozzetto pfeift glücklicherweise auch auf solch genormte Wendungen und verrät seine Charaktere nicht, in dem er sie zugunsten einer billigen Moral auflaufen bzw. zu Marionetten verkommen lässt.

Bestechend auch die Fülle intelligenter popkultureller und geschichtlicher Verweise, die bereits beim Charakterdesign beginnen: Der linkische Hornbrillenträger Mini-VIP ist eine eindeutig zu identifizierende Karikatur des Kultfilmers Woody Alle, während einer der wichtigsten Handlanger der fülligen Diktatorin eine ebenso offensichtliche Hitler-Karikatur ist. Letzteres besonders in der Hinsicht interessant, den so oft parodierten Diktator als gewöhnlichen Laufjungen mit Knarre zu degradieren und somit seine unfreiwillig komische Erscheinung in ein noch erbärmlicheres Licht zu rücken. Das ebenfalls oft verwendete Motiv des entführten Wissenschaftlers, der zu niederträchtigen Plänen hinzu gezogen wird, spielt Bozzetto hier durch und deutet auch hier wieder in Richtung Nazi-Unwesen und bringt sogar das heikle Thema unethischer Operationen und Versuche an Menschen auf den Tisch. Zwischen den manchmal doch arg platt geratenen Zoten findet der Film also immer wieder subversive Momente und einen zwischenzeitlich wirklich bösen Sinn für Humor.

Happy Betty verkörpert den Großkapitalismus in all seiner dekadenten Perversität – mit Hilfe undurchsichtiger Geschäftsmänner in eleganten Anzügen und versteckt hinter dunklen Sonnenbrillen und des entführten Wissenschaftlers aus Deutschland plant Betty, einer riesigen Menge von Menschen eine Sonde zu implantieren. Diese hat hypnotische Wirkung und soll sicher stellen, das die Menschen zu willenlosen Konsum-Zombies werden, die nur noch in den tausenden Supermärkten von Betty einkaufen gehen. In diesem Rahmen könnte man die einlullenden Strategien großer Konzerne und deren Kartell-Bildung inklusive korrupter bis mafiöser Strukturen kaum anprangern. Die Arbeiter werden ähnlich wie Klone dargestellt, von einer Maschine ausgespuckt und nur am Leben, um zu arbeiten, durch ihre Austauschbarkeit gesichtslos gehalten und nur auf ihre Funktion als Rädchen im System degradiert..

Diese Arbeiter, allesamt gleich aussehende kleine Asiaten mit penetrantem Grinsen im Gesicht, sind es auch, die sich im Laufrad abrackern müssen um die Geheimwaffe auf die Welt los zu lassen. Als gesellschaftskritische Parabel verhandelt „VIP“ also schwergewichtige Themen wie die Ausbeutung von Menschen als Arbeitssklaven, ausschließlich auf die Steigerung des Profits ausgelegte Wirtschaftsethik und blinden Gehorsam innerhalb eines unmenschlichen Systems. Bozzetto geht sogar noch einen Schritt weiter und führt die Parallelen zwischen faschistischer Herrenmenschen-Ideologie und dem gnadenlosen Räderwerk des Kapitalismus vor. Am Fließband gibt es in einer Szene einen Unfall, an dem einer der kleinen Asiaten offensichtlich stirbt und augenblicklich maschinell ersetzt wird – ein Roboter schiebt bereits den nächsten grinsenden Sklaven an die freie Stelle. „VIP“ strotzt ebenso vor visuellem Ideenreichtum (einfach köstlich, wenn beispielsweise Super-VIP in einer ratlosen Situation einen kleinen Stein auf seinem gewaltigen Bizeps auf und ab springen lässt) als auch vor intelligenten gesellschaftskritischen Zerrbildern. Ein vergessener Schatz der europäischen Zeichentrickgeschichte, der seinen Reiz allerdings nur entfaltet, wenn man sich mit der gewöhnungsbedürftigen Ästhetik anfreunden kann...

08/10

Hier die Eingangssequenz, in englischer Synchronisation:

Gay Purr-ee (1962)

2009-07-27T15:11:00.000-07:00

Plot: Frankreich in den 1890ern: Der Kater Jaune-Tom lebt zufrieden in der Provence, er jagt Mäuse mit seinem besten Freund Robespierre und ist glücklich verliebt in die hübsche Katzendame Mewsette. Doch diese ist nicht zufrieden mit dem beschaulichen Landleben und sehnt sich nach der großen Stadt Paris, ihrem glitzernden Nachtleben und ihren romantischen Sehenswürdigkeiten. Als Jaune-Tom ihr eine gefangene Maus zum Geschenk machen will, hat Mewsette genug und schickt den Kater enttäuscht davon. Sie springt auf eine Kutsche nach Paris auf um dort ein neues Leben zu beginnen.

Robespierre, ohnehin eifersüchtig auf Mewsette und angeekelt von der liebevollen Turtelei zwischen ihr und Jaune-Tom, überbringt seinem besten Freund die vermeintlich frohe Botschaft von Mewsettes Abreise. Dieser überlegt nicht lange und folgt seiner Angebeteten nach Paris, begleitet von Robespierre, der seinen Freund nicht alleine ziehen lassen will. Mewsette ist inzwischen an ihrem Ziel angekommen, gerät aber sofort in das Netz einer kriminellen Katzenschieber-Organisation, deren Kopf die beleibte Katze Madame Rubens-Chatte ist. In ihrem Auftrag ist der verschlagene Kater Meowrice unterwegs, um naive Neuankömmlinge wie Mewsette zu täuschen und zu verkaufen...

„Gay Purr-ee“ nimmt in der Geschichte des Animationsfilms gleich in mehrfacher Hinsicht eine besondere Stellung ein: Zunächst einmal handelt es sich um einen der wenigen amerikanischen Genrefilme seiner Zeit (wenn nicht gar der erste überhaupt), die sich in keinster Weise am Disney-Stil („Imitation of Life“) orientieren und im Charakterdesign auf vollendete Cartoon-Künstlichkeit setzen. Die fast schon karikaturesk anmutenden Figuren haben nicht viel zu tun mit den physikalischen Gesetzen, da kommt es schon einmal vor, das Jaune-Tom wie eine Rakete durch die Luft fliegt und schwere Holzkisten auf den Schädel bekommt ohne Schaden davon zu tragen, oder sich Madame Rubens-Chatte verstohlen direkt ans Publikum wendet und in die Kamera spricht. Diese cartoonesken Figuren agieren nur selten vor traditionell gezeichneten Hintergründen sondern werden ästhetisch ganz in die Handlungszeit versetzt, was zu einer selten gesehenen ästhetischen Heterogenität führt, die aber trotz ihrer Gegensätzlichkeiten funktioniert. Überwiegend sind die Hintergründe im Stil von impressionistischen Ölgemälden gehalten, wobei auf diverse Künstler, die direkt in Paris lebten oder auf andere Weise in ihrer Arbeit von der Stadt beeinflusst wurden, und deren markante Stilmittel bzw. Techniken verwiesen wird.

So bewegen sich die agil animierten Katzen durch fast vollständig starre und bewegungslose Stillleben, exakt nachempfunden den Gemälden von Claude Monet, Vincent van Gogh, Paul Cézanne und diversen anderen zeitgenössischen Malern. Auf diese überdeutlich in Szene gesetzten Referenzen weist der Film sogar selbst in einer kurzen Sequenz hin, die wie ein Fremdkörper in der Handlung wirkt und die im 1890er-Paris aktiven und populären Künstler würdigt, in dem sie namentlich aufgezählt werden und explizit die Verarbeitung ihrer Erkennungsmerkmale in den Bildern des Films heraus gestellt wird. Wenn auch etwas ungeschickt platziert, ist dieser kurze Ausflug in die Kunstgeschichte hilfreich für Laien und vor allem auch für die jüngsten Zuschauer. Zwar erkennt auch ein Laie wie ich leicht die mannigfaltigen Anspielungen auf die hinlänglich bekannten Künstler, viele andere wären mir aber ohne diesen kurzen Unterricht verborgen geblieben.

Die Ähnlichkeit zum klassischen Cartoon, die bis in die 1960er als Vorfilme einen festen Platz im Kinoprogramm hatten, ist kein Zufall: Hinter dem Projekt steht als Drehbuchautor und ungenannter Mitproduzent die Animationslegende Chuck Jones – Oscar-Preisträger und Regisseur von rund 300 Cartoons, von denen einige zu den Meilensteinen ihrer Gattung gezählt werden. Als Regisseur fungierte indessen Abe Levitow, der wohl beste und wichtigste Animator, der für Chuck Jones arbeitete. Die Handschrift des eingespielten Teams ist unverkennbar und drückt sich nicht nur in der kecken Figurenzeichnung aus sondern auch in den aberwitzigen Slapstick-Szenen, die in der romantischen Story natürlich in den Hintergrund treten. Typisch für den amerikanischen Zeichentrickfilm scheint aber die Nutzung des Musicals als äußere Form, um mittels beschwingter Gesangseinlagen die Handlung auf Spielfilmlänge zu dehnen. In „Gay Purr-ee“ wird das Setting und die Form allerdings untrennbar mit dem romantischen Inhalt vermengt, sodass die stimmigen Lieder nicht bloße Staffage bleiben sondern einen fundamentalen Beitrag zur Gesamtkonzeption leisten.

Auch für ein stimmliches Cameo des legendären Synchronsprechers Mel Blanc (Sprecher von nahezu allen wichtigen Warner-Figuren) , der als Bulldogge auftritt und für einige weitere, nicht näher genannte, Geräusche und Einzelsätze verantwortlich war. Selbst sein Faible für Wortspiele in Namen, Ortsangaben und den Filmtiteln selbst konnte Chuck Jones beibehalten: Wie ein großer Teil seiner Cartoons (unter anderem alle Filme um den Road Runner) wimmelt auch dieser Langfilm von Wortspielen, die schon im Titel beginnen - „Purr-ee“ ist eine Verballhornung der französischen Aussprache von „Paris“, ausgesprochen in Anlehnung an das Schnurren einer Katze. Mit großer Freude am Detail setzt sich dieser Trend durch den ganzen Film fort, von den Namen der Protagonisten bis hin zu Orten wie dem „Mewlon Rouge“ - letzteres unterstützt darüber hinaus auch die absurde Parallelwelt der vermenschlichten Tiere.

Dementsprechend routiniert und schnörkellos ist der Film inszeniert, stets getragen von einem beschwingten Ton, der immer wieder Platz macht für schwelgerische Gesangseinlagen. Wie in jedem guten Musical beginnt der Gesang dort, wo gesprochene Wörter nur noch kitschig wirken können und vermittelt die jeweiligen Stimmungslagen adäquat in den eingängigen Songs. Wenn die Handlung auch arg dünn erscheint und mit einem unfreiwilligen Alaska-Ausflug von Jaune-Tom und Robespierre recht bizarr ausgeschmückt wird, entwickelt der Film immer wieder neues Tempo, ohne dabei allzu viele redundante Sequenzen einzubauen. Zum einnehmenden Charme trägt auch das versierte Voice Acting bei, unter anderem mit den Stimmen der Superstars Judy Garland und Robert Goulet.

So simpel und schnörkellos die Geschichte auch erzählt wird, Abe Levitow biedert sich nicht mit einer rührseligen Moral an. Wenngleich Mewsette sich nach den Verlockungen der Stadt sehnt und ihr idyllisches Landleben gründlich satt hat und sie in Paris schnell mit den Schattenseiten ihres Traumes konfrontiert wird, wird zum Schluss nicht ihr vermeintlich falscher Freiheitswillen an den Pranger gestellt und letztlich erstrahlt Paris in schönstem Glanz.

„Gay Purr-ee“ ist ein vergessener Film, dessen Wiederentdeckung in höchstem Maße unwahrscheinlich ist. Schließlich kann man kaum von einem Meilenstein oder Meisterwerk reden, trotz der formellen Originalität und des brillanten Voice-Actings. Innerhalb der Zeichentrickgeschichte ist er relativ einzigartig geblieben – nur selten setzte beispielsweise Disney auf eine cartooneske Stilisierung (Ausnahmen bilden „101 Dalmatiner“ und der viel später entstandene „Königreich für ein Lama“) und außerhalb der kurzen Cartoons hatte kaum ein Zeichentrickfilm vor Ralph Bakshi so viel Mut zur abstrakten Darstellung - erst recht nicht im Bereich der familiengerechten Produktionen.

Auch das Setting im Paris der künstlerisch aufregenden 1890er-Jahre wurde selten so konsequent genutzt, am ehesten vielleicht im Micky Maus Cartoon „The Nifty Nineties“ aus dem Jahr 1941. Während Chuck Jones und Levitow in den Cartoons um das kultige Stinktier Pepe das Klischee des französischen Romantikers noch auf sehr süffisante Art aufgriffen, erliegt „Gay Purr-ee“ gänzlich dem Charme der Stadt der Liebe – so wird das friedvolle Happy End abgeschlossen mit einem Bild des Eiffelturms, inklusive wehender französischer Flagge.

7,5/10

Hier die von mir erwähnte Sequenz, in der ausführlich die künstlerischen Vorbilder veranschaulicht werden:

Review-Reihe: Kino-Zeichentrickfilme der 60er, die NICHT von Disney stammen

2009-07-27T14:25:00.000-07:00

Hiermit möchte ich vier Reviews ankündigen zu Filmen, die in Deutschland einen extrem geringen Bekanntheitsgrad haben, was in mancherlei Hinsicht seltsam ist. Immerhin stecken hinter allen vier Filmen bekannte Größen des Animationsfilms.

1. Gay Purr-ee

Sehr abstraktes, dennoch familientaugliches Musical, an dessen Umsetzung Zeichentricklegende Chuck Jones maßgeblich beteiligt war.

2. West and Soda
3. VIP

Beide Filme stammen von Bruno Bozzetto, der damit eine außerordentliche Leistung für sich verbuchen kann: Innerhalb von nur fünf Jahren konnte er damit gleich zwei lage Zeichentrickfilme aus dem Boden stemmen (neben seinen Kurzfilmen) und das zu einer Zeit, in der es kaum einschlägige Produktionen mit Spielfilmlänge gab. Beide Filme sind absolut typisch für Bozzetto, hierzulande am besten bekannt für seine Kult-Figur Herr Rossi und seinen dritten Langfilm "Allegro non Troppo" von 1976.

4. The Man Called Flintstone

Gleich vorweg: Der einzig schlechte Film der Reihe und unwürdig als Abschluss der großartigen Serie, die bekanntlich Maßstäbe gesetzt hat. Und das, obwohl das legendäre Duo Hanna & Barbera höchstpersönlich die Produktion leitete und auch Regie führte.

Das Wunder von Bern (2003)

2009-07-16T17:52:00.000-07:00

In meiner losen Reihe zum Neuen Deutschen Kino:

Der legendäre WM-Sieg von 1954 eignet sich geradezu perfekt für ein emotionsgeladenes Nationalepos: Eine Underdog-Geschichte, die einen magischen Moment in der deutschen Nachkriegsgeschichte darstellt und vor dessen Hintergrund es sich beinahe aufdrängt, die Befindlichkeiten des deutschen Volkes abzubilden, schließlich bedeutete der Sieg für die vom Krieg zerrüttete Generation erstmals wieder so etwas wie Nationalbewusstsein und auch so etwas wie Stolz auf die Heimat – beim Fußball immerhin eine ganz selbstverständlich akzeptierte Einstellung. Sönke Wortmann hat diesen Stoff (der für ihn angeblich die Erfüllung eines persönlichen Traums bedeutet) mit entsprechenden Ambitionen umgesetzt und versucht sowohl den Generationskonflikt zu illustrieren, die bekannten Mythen ein wenig zu erklären und gleichzeitig ein glaubwürdiges Gesellschaftsporträt zu inszenieren. Dabei scheitert er schon an einer simplen Tatsache: „Das Wunder von Bern“ ist wie kaum ein anderer Film vollkommen am eigentlichen Gegenstand vorbei inszeniert, das es schon fast an Dreistigkeit grenzt. Da wird einem jedes Spiel bis zum Finale vorenthalten, auch wenn man den Spielern bis in die Umkleidekabine folgt. Wenn diese Aussparung jeglicher Sport-Szenen (im gesamten Film gibt es nur wenige Minuten schlecht choreographierten Fußball zu sehen) Spannung aufbauen sollte, dann ist dieses Unternehmen gründlich in die Hose gegangen.

Beispielsweise zeigt uns der Film den WM-Held Helmut Rahn bei der Abfahrt, beim illegalen Kneipenbesuch, beim Frust-Abbau weil er nicht aufgestellt wird. Seine ersten Erfolgserlebnisse, Einsatz und Torerfolg, wird dem Zuschauer ebenso vorenthalten wie jeder andere Blick auf das eigentliche Geschehen, die Weltmeisterschaft. Das am Ende auf erbärmliche Weise die Computer-Unterstützung jeden Anflug von Kino-Zauber zerstört, deklassiert Wortmanns Machwerk als bestenfalls überdurchschnittlichen Fernsehfilm, aufgeblasen für die große Leinwand, kann deren Anforderungen aber kaum gerecht werden. Das Sönke Wortmann, dessen beste Filme („St. Pauli Nacht“, „Kleine Haie“) tragikomischer Natur und eher „klein“ sind, kein Bilderstürmer ist, war abzusehen – das ihm aber jeglicher Sinn für die Magie des Augenblicks zu fehlen scheint, ist in fataler Weise verblüffend und so ähnelt der an allen Fronten scheiternde Film dem sprichwörtlichen Autounfall. Obwohl den Bildern jegliche Größe fehlt, müssen Zugeständnisse an die hervorragende Ausstattung gemacht werden, die sich wirklich sehen lassen kann und in keinem Vergleich steht zur extrem schwachen Tricktechnik. Darstellerisch solide, kann vor allem Newcomer Sascha Göpel als Helmut Rahn überzeugen, dessen Charakterzeichnung nichtsdestotrotz jegliche Schärfe fehlt. Dieses Los teilt er allerdings mit jeder anderen Figur, die entweder zur bloßen Staffage ohne jegliche dramaturgische Funktion verkommen (wie der trotzdem tolle Lukas Gregorowicz als Reporter) oder aber oberflächlich gezeichnete Klischeebilder verkörpern (Mirko Lang als älterer Sohn und überzeugter Kommunist).

Überhaupt mutet sich Wortmann nach einem stimmungsvollen Beginn zu viel zu: Er versucht dem Generationskonflikt, der schwierigen und hier übertrieben schwülstigen Heimkehrer-Thematik, einer dazugehörigen Vater-Sohn-Schmonzette und natürlich dem WM-Geschehen gerecht zu werden, vergisst aber dabei vor allem letzteres. Hätte der Film ganz die Perspektive des Zuschauers gewählt, der das Event nur aus der Ferne am Radio und Fernseher verfolgen kann, eingenommen, so wäre mehr Platz für die Einzelschicksale gewesen und hätte auch die Vorenthaltung jeglicher Szenen der WM gerechtfertigt. Nur in wenigen Szenen schafft es Wortmann, diese Stimmung zu vermitteln, wenn etwa leer gefegte Straßen gezeigt werden, wenn es wirklich zur Sache geht. Doch warum führt Wortmann Persönlichkeiten wie Helmuth Rahn und Sepp Herberger ein, wenn er an ihrer Entwicklung offensichtlich nicht interessiert ist? Die legendären Floskeln von Herberger werden hier schelmisch vorgeführt und als kalkulierte Sprichwörter in Szene gesetzt, was angesichts der oberflächlichen Erzählung nur noch unfreiwillig komisch wirkt.

Ein Sport-Epos ohne Sport also, das sich obendrein als rührseliger Familienfilm versteht und das Kriegsversehrten-Trauma ungeheuer kitschig in Wohlgefallen auflöst. Wohl auch aufgrund der dürftigen Psychologisierung kann Peter Lohmeyer in der schwierigsten Rolle kaum überzeugen. Auch dem neu erwachten Patriotismus wird keine Aufmerksamkeit geschenkt und hier vergibt der Film seine letzte Chance, zumindest auf politischer Ebene zu überzeugen und die gezeigten Problematiken in moderne Fragen umzuformulieren. All diese frappierenden Unzulänglichkeiten, die für einen enorm lieblosen Anstrich sorgen, können auch nicht durch historisch akkurate Details vergessen gemacht werden.

03/10

Happy Birthday

2009-07-06T10:08:00.000-07:00

Haufenweise symapthische Leute feiern heute ihren Geburtstag. Grund genug für eine neue Kategorie...

Was soll ich zum schönsten Kuriosum aus dem Weißen Haus seit Richard Nixon sagen? Danke für alles...

Am gleichen Tag Geburtstag wie der ehemalige Mr. President. Da bietet sich eine gemeinsame Party der beiden Weltverbesserer und Friedens-Stifter doch geradezu an...

50 Cent wie man ihn kennt und liebt: Unverstellt, authentisch und nachdenklich. Und ein gigantischer Schauspieler ist das Multitalent obendrein - aber wem erzähl ich das eigentlich?

Last but not least: John Rambo. Möge er auch noch im Rentenalter fähig sein, ganze Armeen im Alleingang in Fetzen zu schießen. Ein großer Mann, der schon längst seinen Beitrag zum Weltkulturerbe geleistet hat und auch im Alter noch blendend aussieht...

TV Tipps 06.07. - 10.07.09

2009-07-06T05:22:00.000-07:00

Mo, 06.07.

20:15 – 22:05 Die tollkühne Hexe in ihrem fliegenden Bett (Super RTL)

Nette Disney-Produktion, die tricktechnisch versiert Realfilm- und Zeichentrick-Sequenzen verbindet, allerdings unter der drögen Rahmenhandlung leidet. Das Fußballspiel ist aber zu Recht legendär...

22:45 – 00:45 Auf der Flucht (WDR)

Packender Reißer, den aber eh jeder gesehen hat. Ist trotzdem heute noch sehenswert und hat nur wenig Staub angesetzt...

Di, 07.07.

20:15 – 23:10 Superman – The Movie (Tele 5)

Die erste echte Comicverfilmung, von deren Klasse immer noch jede Genreproduktion zehrt. Richard Donner hat hier ganz einfach Maßstäbe gesetzt. Mehr hier..

Mi, 08.07.

20:15 – 22:10 Knockin' on Heaven's Door (Kabel Eins)

Temporeiche Road-Movie-Komödie, die sich ehrfurchtsvoll vor ihren Vorbildern verneigt und durch Wortwitz und skurrile Figurenzeichnung äußerst gut unterhält.

00:10 – 01:35 Lonesome Jim (Arte)

Stilsicher inszenierter Independent-Film von Steve Buscemi mit einem hervorragenden Casey Affleck in der Hauptrolle. Tipp der Woche, da den erfahrungsgemäß nur wenig Leute kennen...

Do, 09.07.

20:15 – 22:05 American Pie 3 (Vox)

Furchtbarer dritter Teil der erfolgreichen Reihe, in dem viel zu früh Heirat und Sesshaftigkeit thematisiert werden. Nicht nur damit ist er der konservativste der „Trilogie“ (hüstel), auch wenn der übermäßig eingesetzte Fäkalhumor einen anderen Eindruck macht. Aber ich bin befangen, mochte den ersten Teil sehr und hätte mir auch noch weitere Abenteuer mit den Idioten gegeben...

23:50 – 01:30 Shaft (HR)

Der Mainstream-Film unter den Blaxploitern, streng genommen ist er gar keiner. Trotzdem sehr nett, mit groovendem Score und einem charismatischem Richard Roundtree in seiner Paraderolle...

Fr, 10.07.

14:30 – 15:45 Aljosche – Der ruhmreiche Recke (MDR)

Erster und bisher einziger Langfilm von Konstantin Bronzit. Habe alle seiner Kurzfilme gesehen (Reviews folgen) und bin daher schon ganz heiß auf „Aljoscha“, auch wenn es sich um eine Auftragsarbeit handelt. Dennoch klingt die Geschichte, die auf einem russischen Volksmärchen basiert, sehr originär und damit spannend...

20:15 – 21:45 Die Hexe und der Zauberer (Super RTL)

Abseits der handelsüblichen Märchen-Dramaturgie, die in den Disney-Filmen bereits ausreichend ausgespielt wurde, entwickelt Wolfgang Reithermann einen ganz neuen, beschwingten Stil, der den Disney-Filmen ein ganz anderes Gesicht verleiht, die eigene Herkunft aber auch achtet. Trotz der episodischen Struktur verfügt das Werk über eine bemerkenswerte erzählerische Geschlossenheit...

Filmtagebuch: Krabat & Krabat

2009-07-05T14:55:00.000-07:00

Ottfried Preußlers berühmtes Jugendbuch, vielfach ausgezeichnet und schon lange Schulliteratur-Standard, bekam bisher zwei Spielfilm-Adaptionen spendiert, die unterschiedlicher kaum sein könnten. So ist die tschechische Version des Stoffes bereits 1977 als Animationsfilm unter der Regie des erfahrenen Karel Zeman entstanden, 2008 folgte dann die teuer produzierte Verfilmung von Marco Kreuzpaintner. Da mir die Vorlage gänzlich unbekannt ist, kann ich keine weiteren Vergleiche ziehen, Zemans Adaption orientiert sich allerdings stärker auf die ursprüngliche Volkssage und reduziert die Dramaturgie des Buches auf ein Minimum, während „Krabat“ von Kreuzpaintner so etwas wie eine definitive Umsetzung sein will. Beide Filme tragen den gleichen Titel, driften qualitativ aber ebenso weit auseinander wie erzählerisch. Vor ein paar Wochen habe ich ein Double Feature gewagt, hier dazu ein paar Wörter.

Krabat (1977)
Karel Zeman erweist sich als der beste Mann für ein Projekt dieser Art, als führender Animationsfilmer seines Landes blickte er bereits während der beinahe vierjährigen Dreharbeiten auf eine lange und erfolgreiche Karriere zurück, arbeitete mit allen erdenklichen Unterkategorien und Stilmitteln des Genres. Sowohl mit Collage- als auch mit traditioneller Animationskunst hatte er Erfahrung, weiterhin mit der Verbindung von Zeichentrick- und Realfilmsequenzen sowie im Bereich des Puppentrickfilms. Gerade letzteres beeinflusst „Krabat“ deutlich, die bewusst staksigen und abgehakten Bewegungsabläufe und die kantige Beschaffenheit der Landschaften und Innenräume erinnern an Marionetten- oder Scherenschnitt-Verfahren. Die Handlung mitsamt der komplexen Personenanzahl wird auf ihr Grundgerüst entkleidet, echte Charaktervertiefung strebt der Film nicht an. Vielmehr widmet er sich detailverliebt und mit expressiver Bildsprache der Beschwörung einer dunklen Atmosphäre, was ausgezeichnet gelingt. Dazu trägt auch der befremdliche, unbequeme Score bei, sodass der Film für die jüngsten Zuschauer nicht geeignet ist. Wie für einen tschechischen Animationsfilm fast schon üblich, ist „Krabat“ geradezu vollgestopft mit systemkritischen Allegorien und intelligenten Sinnbildern, die dem Gesamtwerk eine nicht zu unterschätzende politische Komponente verleihtn in der gedankliche Verführung das bestimmende Motiv ist. In seiner Vielfältigkeit und seinem visuellen Reichtum ist er der Realfilm-Version meilenweit voraus und auch insgesamt der erwachsenere, reifere und besser durchdachte Film. Getragen von einem ernsten Ton, schimmert oftmals auch eine subtile Ironie durch, die vornehmlich durch besonders krude Details entsteht, sich aber nie in den Vordergrund drängt. Neben dem ausdrucksstarken Off-Kommentar gibt es nur wenige gesprochene Wörter, keinen einzigen längeren Dialog – was hier den Charme eines mündlich überlieferten Märchens kreiert, wird in Kreuzpaintners Version zum abgeschmackten, vereinfachenden Stilmittel ohne wirkliche Daseinsberechtigung - denn anders als hier bei Zeman wird dort ständig geredet und geredet und geredet. Auch die Verführungskraft der Magie und deren innewohnende zerstörerische Kraft wird von Zeman weitaus treffender und eindringlicher auf die Leinwand gebracht. Unterm Strich bleibt nur zu sagen, das er die weitaus bessere der beiden Verfilmungen ist und in Deutschland leider immer noch einer angemessenen Veröffentlichung entgegen harrt. Die Synchronisation ist überdies sehr gelungen...
7,5/10

Krabat (2008)
Obwohl Marco Kreuzpaintner bereits beachtliche Erfahrung als Regisseur sammeln und sogar in den USA arbeiten konnte, gelingt ihm anders als Zeman weder ein individueller noch ein spannender oder nur unterhaltsamer Film. Trotz hervorragender Ausstattung, sei es das schöne Set-Design oder die gelungene Kulissenwahl, versagt Kreuzpaintner bei dem Versuch, einen deutschen Blockbuster kreieren zu wollen, der mit aller Gewalt internationalen Standards genügen will. Als besonders peinlich ist hier eine stümperhaft geschnittene, unbeholfene Kampf-Sequenz heraus zu heben – inszenatorische Schnitzer wie diese, eine langatmige Dramaturgie inklusive vieler redundanter Dialoge und die teilweise unausgereiften CGI-Spielereien zerstören jeden Anflug von magischer Anziehungskraft. Die latente Homosexualität der Geschichte nimmt Kreuzpaintner dankbar auf und rückt besonders Robert Stadlober so schwuppig wie möglich ins Bild, aber das nur am Rande. Im Audiokommentar räumt der Regisseur zum Schluss ein, das es sich um eine reine Auftragsarbeit handelt, was man dem Film letztlich auch in jeder Einstellung ansieht. Da ist der wenig glaubwürdige und heillos überforderte Hauptdarsteller David Kross das geringste Problem, da sich dessen Naivität wenigstens halbwegs sinnvoll in seiner Figur niederschlägt, die sich ja auch die meiste Zeit emotionale nicht zurecht findet. Genauso sieht Kross dann auch die meiste Zeit aus. Selbst visuell kommt „Krabat“ 2008 eher wie ein aufwendiger Fernsehfilm als eine Kinoproduktion daher, unmotivierte Nebendarsteller wie Daniel Brühl mit einer selten gelangweilten Mine sprechen die gleiche Sprache. Das hier ein urdeutscher, volkstümlicher Stoff auf die Leinwand gebracht wurde kann nicht darüber hinweg täuschen, das es sich um einen glatt gebügelten Genrefilm handelt, der dem Erfolg von großen Fantasy-Filmen wie „Herr der Ringe“ oder auch „Harry Potter“ hinterher hechelt, dabei aber nur Staub zu schlucken bekommt.
03/10

Filmtagebuch: Neuer Deutscher Film (II)

2009-07-01T17:04:00.000-07:00

Sommersturm (2004)
Der bisher wohl beste Film von Marco Kreuzpaintner, der in den letzten Jahren eine beachtliche Karriereentwicklung durchgemacht hat. Noch vor seinem USA-Ausflug „Trade“ und dem hoch produzierten Schrottfilm „Krabat“ inszenierte Kreuzpaintner mit „Sommersturm“ einen sehr persönlichen Film, da er autobiografische Züge trägt und auch von den Coming-Out-Erfahrungen des Regisseurs erzählt. Dank einfühlsamer und frischer Darsteller und einer geschickt zwischen Humor und Ernsthaftigkeit tangierenden Dramaturgie, die es gegen Ende dann aber zu gut meint mit symbolbehafteten Bildkompositionen. Fast jedes Bild ist geschickt digitalisiert, dennoch kommt der Film ästhetisch kaum über besser produzierte Fernsehkost hinaus. Mit einigen Abstrichen sehenswert...(06/10)

Schwere Jungs (2007)
Die bayerische Variation des Komödien-Hits „Cool Runnings“ versprüht jede Menge Lokalkolorit und bietet unverfälschte Charakterzeichnungen sowie einen geduldig entwickelten Handungsbogen. Mit den Klischees des Sportfilms spielt „Schwere Jungs“ allerdings nur selten, belässt es bei einer recht konventionellen Durchstarter-Story, die auf wahren Begebenheiten fußt, ohne das ich hier beurteilen will, inwiefern das überhaupt eine Rolle spielt. Der kernige Witz und die hervorragende Besetzung inklusive Gaststar Bastian Pastewka sorgen dann für einen positiven Eindruck, der nur leicht durch die unbeholfen gefilmten Sport-Sequenzen verwässert wird...(6,5/10)

Märzmelodie (2008)
Der perfekte Sommerfilm. Eine romantische Komödie mit leicht bittersüßer Note und besonderem Kunstgriff. Wie in einem Jukebox-Musical werden bekannte Pop- und Rocksongs in die Dialoge eingeflochten, ohne das aber Genre-Regeln befolgt werden. Die Figuren singen nicht mit eigener Stimme, es erklingt an den entsprechenden Stellen der Originalsong – was dazu führt, das die jeweilige Figur mit unterschiedlichen Stimmen singt. Zudem werden nur ausdrucksstarke und perfekt in die Situation gestreute Schnipsel gesungen, meist als Folge eines Gefühlsausbruchs. Die Musik fängt an, wo die Worte eigentlich aufhören – dieses clever verwendete Stilmittel sorgt für eine Dynamik, für kurzweilige Unterhaltung, die so charmant ist, das auch seichtere Wendungen dem Film niemals den Zauber rauben. Formal relativ einmalig im deutschsprachigen Raum, überrascht vor allem die unbeschwerte Leichtigkeit, mit der Regisseur Martin Walz seine „Märzmelodie“ erklingen lässt...(08/10)

Solino (2002)
Fatih Akin spannt in seiner Einwanderer-Familienchronik einen breiten zeitlichen Bogen, der fesselndes Einzelschicksal subtil vor der Kulisse jüngerer deutscher Geschichte ablaufen lässt. Der ganz lange Atem zum Meisterwerk fehlt dem Film noch, insbesondere in der Gewichtung einzelner Zeitabschnitte. Dennoch gelingt Akin ein glaubwürdiges Porträt der Lebensbedingungen von Immigranten in den 60er-80er-Jahren, vergisst aber nie die dichte Handlung mit Humor aufzulockern, der sich nie anbiedert sondern ganz natürlich zu facettenreichen Gesamtwerk passt. Neben diesen Aspekten erzählt „Solino“ auch von der Liebe zum Kino, von der Hingabe an das Medium Film und um die Leidenschaft, die ein Künstler zum kreativen Schaffensprozess benötigt. Auch in seinen traurigen Szenen bleibt der Film nüchtern, realistisch aber immer lebendig und lebensbejahend. Eine Ode an das Leben, die Lust und den Film. Allgemein propagierte familiäre Werte beleuchtet Akin dabei eher kritisch und pessimistisch, doch auch nicht ohne Hoffnung...(8,5/10)

Sommer vorm Balkon (2005)
Noch vor dem beherzten „Wolke 9“ gelang Andreas Dresen dieser Geniestreich. Bei aller Realitätsnähe ödet der Film nie an, verbindet scheinbar mühelos schwermütige Melancholie mit herzerfrischender Komik, ganz ohne Kopflastigkeit oder eine aufdringlich-“wichtige“ Moral. Den Kern dieses einfachen und doch so komplexen Meisterstücks zu erfassen, ist nicht leicht und noch schwerer in Worte zu fassen. Wer sich aber auf den ruhigen und aufrichtig ehrlichen Film einlassen kann, findet unter den oberflächlich als Banalitäten erscheinenden Eckpunkten der Handlung echtes menschliches Drama, wie aus dem Leben gegriffen – auch wenn das abgedroschen klingt. Nur selten vermag Kino so etwas derartig authentisch abzubilden und erlebbar zu machen; nicht einmal den berühmten Dogma-Filmen gelingt dies besser...(9,5/10)

Harte Jungs (2000)
Knallharte Jungs (2002)
Nur ganz kurz, hab die Filme auch nur nebenbei laufen gehabt weil sie zufällig im Fernsehen liefen. Auch ohne diesen Rotz aufmerksam zu verfolgen, lässt sich sagen, das solche Filme den schlechten Ruf des deutschen Humors untermauern. Alberne Zoten, geschmackloser „Humor“, abgrundtief verlogene Klischeebilder und ganz ganz schlechte darstellerische Leistungen positionieren schon den ersten Teil in die unterste Schublade. Das Fremdschämen kann im Nachfolger dann tatsächlich noch etwas angehoben werden, auch wenn die unglaubwürige, sexistische und einfach zum Kotzen unkomische Travestie-Komödie sich als Abklatsch von Teenie-Schrott wie „Eis am Stiel – Hasenjagd“ gibt. Eine als potthässliche Frau verkleidete fette Sau, verschmierte Körperflüssigkeiten, sprechende Pimmel und dergleichen sind einfach nicht komisch. Es sei denn sie kommen aus dem Hause Troma aber das ist eine andere Baustelle, die sich deutlich mehr zu beackern lohnt als bodenloser Schwachsinn wie „Harte Jungs“. Diese beiden Machwerke sind schlichtweg desaströse Peinlichkeiten von epischem Ausmaß und nicht einmal ansatzweise als Trash goutierbar...(natürlich 01/10 in beiden Fällen)

Kurzfilme:

Tramper (2004)
Die beklemmende Grundsituation, die vor den Credits mit einem kleinen Paukenschlag eingeläutet wird, ist für jeden Zuschauer greif- und vorstellbar. Geschickt spielt der Film mit der Erwartungshaltung des Zuschauers, verfügt dank cleverer Kameraführung über eine dichte Atmosphäre. Auf diversen Festivals gefeiert, zielt „Tramper“ (für einen Kurzfilm aber durchaus in Ordnung) auf den bloßen Effekt ab und setzt mit dem finalen Twist einen markanten Schlusspunkt.(07/10)

Spielerfrauen (2006)
Kurzfilm von Martin Walz, enthalten im Bonusmaterial auf der DVD zu „Märzmelodie“ - ein amüsanter Spaß, der schnell vorbei ist und keine sonderliche Wirkung hinterlässt. In einer einzigen Einstellung gedreht, können die gepfefferten Dialoge überzeugen. Auch die Grundidee, drei gelangweilte Frauen von Fußballstars dabei zu zeigen, wie sie das Spiel ihrer Männer verfolgen, kann als originell durchgehen und verarbeitet damit leicht sarkastisch die allgemeine Fußball-Euphorie: Gerade die Gattinnen, die am nächsten dran sind und von Ruhm und Reichtum profitieren, haben keinerlei Herz für den deutschen Volkssport Nummer Eins. Vergnüglich, aber ebenso schnell vergessen wie angeschaut...(05/10)

Spielzeugland (2007)
Der diesjährige Oscar-Gewinner der Kategorie „Bester Kurzfilm“ entpuppt sich als bleischwere, dabei aber schlichte und banale Holocaust-Geschichte. Konsequent aus der kindlichen Perspektive gedreht und mit einer gewissen inszenatorischen Leichtigkeit versehen, hätte aus dem parabelhaften Stoff durchaus etwas werden können. Ohne jede erzählerische Flüssigkeit vegetiert der Film über seine bescheidene Laufzeit dahin und dabei sind die wenig überzeugenden Kinderdarsteller noch das geringste Problem. Der Film begegnet seinem Thema konventionell und schleppt sich zu einem extrem vorhersehbaren Ende, dessen humanistischer Anstrich zwar bestimmt gut ankommt, dem aber jegliche Glaubwürdigkeit fehlt...(04/10)

TV Tipps 29.06. - 03.07.09

2009-06-29T08:38:00.001-07:00

Montag, 29.06.

20:15 – 22:45 Backdraft (Kabel Eins)

Klebriges, pathetisch gespieltes Action-Drama von Ron Howard. Trotz etlicher Stars ebenso langweilig wie unfreiwillig komisch – nur die stark inszenierte Action kann oberflächlich gefallen...

22:45 – 00:20 Bloodsport (Kabel Eins)

Kultfilm des Kampfsport-Genres und Start in eine wechselhafte Karriere für Van-Damme. Die stark choreografierten Kämpfe und die Videospiel-Handlung sind auch heute noch sehenswert...

22:45 – 00:45 The Game (WDR)

Der Film ist nicht halb so raffiniert, wie er sich gibt und scheitert am konstruierten Twist. Beim ersten mal anschauen sicher unterhaltsam, insgesamt aber eine eher vergessenswerte Arbeit von David Fincher. Sieht immerhin schick aus...

Dienstag, 30.06.

07:35 – 09:00 Mrs. Brisby und das Geheimnis von Nimh (Tele 5)

Exzellenter Zeichentrickfilm von Don Bluth, der dem harmlos-unverfänglichen Ton der Disney-Filme der frühen 80er den Rücken kehrt und eine anspruchsvolle, düstere Erzählung in hervorragend animierte Bilder kleidet. Technisch nur knapp hinter dem Disney-Standard beeindruckt der Film vor allem durch dichte Atmosphäre, vielschichtige Charaktere und perfekt abgestimmte humoristische Einschübe...

20:15 – 22:35 – Maverick (Kabel Eins)

Vergnügliche Western-Komödie nach einer alten TV-Serie. Ein gut aufgelegter Mel Gibson macht mit Charme und Esprit so manchen Durchhänger im Drehbuch vergessen...

20:15 – 22:30 Wargames (Das Vierte)

Veralteter Paranoia-Thriller mit Ferris Bueller. Heute eher zum belächeln, macht der Film doch eine Menge Wind um nichts und wird gerade zum Ende hin künstlich aufgebauscht. Dennoch nett, die Grundidee hat Potential...

22:00 – 00:00 Codename:Nina (Tele 5)

Völlig überflüssiges Remake zu „Nikita“, das nahezu sämtliche prägnante Szenen und die gesamte Dramaturgie übernimmt, ohne jemals einen eigenen Ansatz zu entwickeln. Routiniert inszeniert und solide gespielt aber so nötig wie eine dritte Brustwarze...

Mittwoch, 01.07.

20:15 – 22:30 Ronin (Kabel Eins)

Anachronistischer Action-Krimi, der sich ganz den Traditionen des Genrekinos der 70er verpflichtet und atemberaubende Stunts und Verfolgungsjagden bietet. John Frankenheimers pessimistisches Spätwerk bietet mehr, als die triste Oberfläche zunächst vermuten lässt...

22:30 – 01:00 Leon – Der Profi (Kabel Eins)

Jeder kennt ihn, fast jeder findet ihn toll. Auch wenn der Film aufgrund einer eher unbeholfen agierenden Natalie Portman (aber Luc Besson hat ja generell kein Händchen für die Besetzung weiblicher Figuren) und eher inkonsequentem Nihilismus nicht das Über-Meisterwerk ist, sollte man Jean Reno in dieser Glanzrolle schon gesehen haben...

Donnerstag, 02.07.

20:15 – 22:30 E-Mail für dich (Vox)

Wenig charmante moderne Screwball-Comedy, ohne Schwung, Tempo oder Scharfzüngigkeit. Das Original von Lubitsch ist unter Garantie um Welten besser...

23:15 – 01:05 Postman Blues (WDR)

Großartiger, verspielter Genremix von Kult-Regisseur Sabu. Muss nochmal aufgefrischt werden...

Freitag, 03.07.

20:15 – 22:25 Sliver (Das Vierte)

Dröger, prüder Erotik-Thriller im Fahrwasser des stilbildenden „Basic Instinct“ - weder dessen prickelnde Erotik noch subversive Dreistigkeit erreicht dieses öde Filmchen...

21:20 – 22:20 Die Drei Muketiere (Super-RTL)

Wenig aufregende Video-Produktion von Disney, die aber trotz liebloser Geschichte und formeller Simplizität ein sympathisches Wiedersehen bereitet mit Mickey, Donald und Goofy, die hier erstmals die Hauptrollen in einem Langfilm spielen. Hat mir – mit Abstrichen – gefallen, denn der teilweise köstliche Slapstick erinnert in den besten Momenten an klassische Cartoons...

22:00 – 00:10 Species (RTL II)

Nicht nur aufgrund der schaurigen Effekte von Giger sehenswert, auch der atmosphärische Score und die inszenatorische Sicherheit von Roger Donaldson sorgen für passable Genre-Unterhaltung...

00:25 – 02:10 Tomcats (Pro 7)

Hirnverbrannte, nur selten witzige Komödie, immerhin mit annehmbaren Darstellern besetzt und etwas über dem Bodensatz (z.B. „Party Animals“) anzusiedeln. Trotzdem sollte man Freitag nachts echt was anderes machen...

Animierte Kurzfilme: The Chubbchubbs save Xmas (2007)

2009-06-25T05:03:00.000-07:00

Und hier der fünf Jahre jüngere Nachfolger...

Animierte Kurzfilme: The Chubbchubbs! (2002)

2009-06-25T04:47:00.000-07:00

Bekam im Jahre 2003 den Oscar als bester animierter Kurzfilm. Desweiteren wurde er auch für den BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) Award als bester animierter Kurzfilm und für den Goldenen Bären als bester Kurzfilm nominiert.

TV Tipps 20.06. - 26.06.09

2009-06-19T03:00:00.000-07:00

Samstag, 20.06.

20:15 – 22:15 Mars Attacks! (RTL II)
Grandioser Spaßfilm von Tim Burton, der genüsslich das Emmerich-Kino parodiert und durch irrwitzigen Humor begeistert. Die Stars geben sich die Klinke in die Hand, die Effekte sind prächtig. Gefällt mir überaus gut, auch noch nach Jahren...

20:15 – 22:15 Verliebt in eine Hexe (Sat.1)
Basierend auf einer alten Sitcom entstand diese banale und unlustige Komödie, die immerhin Nicole Kidman als glaubwürdige und „zauberhafte“ Hauptdarstellerin für sich verbuchen kann...

22:15 – 00:35 Interview mit einem Vampir (RTL II)
Eleganter, opulenter Bilderbogen und eine der originellsten Vampirgeschichten der 90er-Jahre.

Sonntag, 21.06.

18:30 – 20:15 Otto – Der Liebesfilm (Kabel Eins)
Unerträglicher Schrott, neben dem „Otto – Der Film“ wie ein Meisterwerk aussieht...

20:15 – 22:10 Aeon Flux (Pro 7)
Alberner Effektfilm, bierernst und ganz auf „Style“ getrimmt. Ein seelenloses, leeres Produkt von einem Film. Hab nach wenigen Minuten abgeschaltet soweit ich mich erinnern kann. Noch toller ist nur „Ultraviolet“...

22:45 – 01:05 Wir Waren Helden (Tele 5)
Martialischer Kriegsfilm mit eindrucksvollen Schlacht-Sequenzen und teilweise drastischen Brutalitäten. Obwohl ein Loblied auf die Tapferkeit des gemeinen Soldaten gesungen wird ist der Film keineswegs so naiv patriotisch wie der deutsche Titel und die Besetzung mit Mel Gibson suggerieren...

23:15 – 01:05 Demolition Man (NDR)
Unterhaltsamer, leidlich komischer Krawall-Actionfilm ohne Substanz, dafür mit mächtig Drive und starken Tricks...

00:15 – 01:55 Robin Hood – König der Vagabunden (ARD)
Eine der besten Verfilmungen der Legende um den englischen Edelmann. So sauber und aufrichtig wie Errol Flynn sollten Helden nie wieder sein, auch nicht in Hollywood...

Montag, 22.06.

20:15 – 22:30 Instinkt (Kabel Eins)
Langweiliger und schlecht gespielter Öko-Quatsch ohne jeden Nährwert aber mit ganz viel Schmalz...

21:00 – 01:15 Der lange Affen-Abend (Arte)
Nach dem unerreichten, stilbildenden Meisterwerk „King Kong und die weiße Frau“ gibt es im Anschluss noch die wesentlich seltener gesendeten „King Kongs Sohn“ (1933) und „Panik um King Kong“ (1949). Wenn das mal keine Aufforderung ist, den Recorder zu programmieren...

22:45 – 00:20 Kiss Kiss, Bang Bang (ZDF)
Das Regie-Debüt von Shane Black (bester Drehbuchautor für Actionfilme überhaupt) ist schlichtweg einer der besten, witzigsten und am cleversten konstruierten A-Filme der letzten zehn Jahre. Die kluge Montage, das durchdachte Drehbuch und die exzellenten Darsteller (u.a. Val Kilmer in seiner mit Abstand besten Rolle) garantieren ein Verwirrspiel auf höchstem Niveau, dem bei aller Geschwindigkeit niemals die Übersicht verloren geht. Ein leider relativ unbeachtet gebliebenes Meisterstück...

Dienstag, 23.06.

20:15 - 22:15 Ich liebe dich zu Tode (Das Vierte)
Ist in meiner Erinnerung schon ordentlich verblasst, meine aber, das man es hier mit einer sehenswerten schwarzen Komödie mit ordentlichem Schuss südländischen Temperament zu tun hat. Immerhin von Lawrence Kasdan und mit prominentem Cast...

20:15 – 21:45 Texas Rangers (Kabel Eins)
Bieder ausgefallener Versuch eines modernen Western, ohne den Elan und die augenzwinkernde Ironie eines „Young Guns“ oder „Schneller als der Tod“. Routinier Steve Miner, eigentlich meist im Horrorfilm zuhause, weiß nichts anzufangen mit dem Stoff und auch die bekannten Darsteller (James van der Beek, Ashton Kutcher) machen einen unbeholfenen Eindruck. Magere TV-Produktion, die man meiden sollte...

Mittwoch, 24.06.

20:15 – 22:45 Fools Rush In (Kabel Eins)
Vorhersehbare und harmlose Romantic-Comedy mit Matthew Perry und Salma Hayek, zwischen denen die Chemie überraschend stimmig scheint. Als schneller Snack für zwischendurch akzeptabel, auch wenn sich der Film in fast jeder Hinsicht den Klischees des Genres beugt...

22:25 – 00:05 Stephen King's Thinner (Kabel Eins)
Der Film, der Tom Hollands Karriere für viele Jahre blockierte. Nicht gesehen, ist aber bestimmt relativ „dünn“... ;)

23:00 – 01:25 Amores Perros (SWR)
Kraftstrotzender, virtuos gefilmter Episodenfilm, der die einzelnen Segmente kunstvoll ineinander verflechtet und nie die Nähe zu seinen Figuren vergisst. Bestechende Filmkunst aus Mexiko, klare Empfehlung...

Donnerstag, 25.06.

20:15 – 22:30 Asterix und Obelix gegen Cäsar (Sat.1)
Die Asterix-Comics gehören völlig zu recht zum jüngeren französischen Kulturgut und da war es wohl nur eine Frage der zeit, bis man eine Bombast-Adaption aus der Wiege hebt. Das „Asterix“ ebenso wie „Lucky Luke“, „Tim & Struppi“ und andere Klassiker des europäischen Comics einfach nicht als Realfilm funktionieren können, wird angesichts dieses verschwenderischen aber gänzlich uninteressanten Films schmerzlich klar. Vom intelligenten Humor der Vorlage bleibt nur platter Slapstick übrig...

22:20 – 00:20 Alien – Die Wiedergeburt (Vox)
Sehr brutal und mit untypisch schrägen Elementen versehene Fortsetzung, die zwar deutlich hinter allen drei Vorgängern zurück bleibt, audiovisuell aber immer noch ein Hochgenuss ist und sogar selbstironische Züge entwickelt...

22:45 – 00:35 Volver (ARD)
Almodòvar ist immer einen Blick wert und dieser hier soll ganz besonders gut sein. Ich empfehle einfach mal, ohne den Film gesehen zu haben...

00:25 – 01:55 Chucky und seine Braut (Sat.1)
Ronny Yu impft der eingefahrenen und eher trockenen Reihe neue Impulse ein und zelebriert ein zynisches Spiel mit Genre-Klischees und krassen Schockmomenten. Witzig, wenn auch gewöhnungsbedürftig und sehr oft geschmacksunsicher...

Freitag, 26.06.

22:30 – 00:05 The Fog (Das Vierte)
Einer der unumstrittenen Klassiker von John Carpenter. Keine Frage, die Atmosphäre ist dicht und Jamie Lee spielt an der Seite ihrer Mutter Janet Leigh. Besonderen Reiz habe ich in dem Film nie erkannt, der mich schon als Kind eher kalt gelassen hat. Dann doch lieber „Halloween“ oder „The Thing“...

22:30 – 00:25 Shaun of The Dead (RTL II)
Wer ihn noch nicht kennt: Anschauen, der ist toll.

00:25 – 01:55 Chucky 3 (RTL II)
Stupider Slasher, in dem Chucky mal wieder einen auf Freddy macht und seine Kills mit selten dämlichen Kommentare versieht. Verstaubtes Horrorkino, das man unbedingt als Kind sehen muss sonst bleibt jeder Effekt aus. Also alle unter 12 bitte einschalten, der Rest kann schlafen gehen oder sich besseren Beschäftigungen widmen...

Filmtagebuch: Neuer Deutscher Film (I)

2009-06-18T09:41:00.000-07:00

In der letzten Zeit habe ich mich etwas eingehender mit dem jüngeren deutschen Film auseinander gesetzt und kann mich den allgemeinen Hasstiraden nicht unbedingt anschließen. Hier nun meine ersten Kurz-Reviews zum deutschen Film, weitere folgen in Kürze:

Free Rainer – Dein Fernseher lügt (2007)
Ein einziges überproduziertes Hassobjekt von einem Film. Weingartners Machwerk nimmt sich dermaßen überheblich, das sich Arroganz des Regisseurs schon in den Anfangsminuten gänzlich entlarvt. Ebenso ungeschickt wie plump versucht sich der Film zunächst an satirischer Überzeichnung (Moritz Bleibtreus hirnverbrannt-trashige Autofahrt), fährt den Karren aber schon hier in den Dreck. Keine Pointe sitzt und die sensationslüsterne Optik des Trivialfernsehens zu kopieren erfüllt keinen tieferen Sinn. Nebenbei wird jede noch so sichere Pointe verfehlt und wenn man als Zuschauer schon ans Abschalten denkt, kommt es richtig dick. Der Hauptcharakter macht eine fixe Wendung zum idealistischen Revolutionär durch und von nun an legt das debile Drehbuch jede Aussage des Films direkt in den Mund des Hauptdarstellers. Der schleudert von nun an abgestandene, pseudo-linksintellektuelle Phrasen um sich und vollzieht mit einer Handvoll klischeehaft gezeichneten Hartz IV-Empfängern und zwei gleichgesinnten einen Wandel in Deutschland. Die Menschen werden zum Denken bewegt, sind doch gar nicht so blöd – und erleben eine Kulturrevolution. Ab jetzt gibt es dann absolut hochwertige TV-Unterhaltung – Beispiel gefällig? Ein Kandidat wirft einen Ball auf eine Leinwand und anschließend liest ein Prominenter aus einem zufällig ausgewählten Klassiker. Wer hier schon Kotzkrämpfe erleidet, der wappne sich für ein naives, utopisches Ende, das die eigenen „revolutionären“ Ideen (die nur ein abgeschmackter Aufguss der 68er-Gedanken sind) selbstherrlich feiert. Abgrundtief ekelhaftes Kino, für das Weingartner offensichtlich ein großes Budget anvertraut wurde – zu keinem Zeitpunkt lässt er wirkliche Ironie erkennen, Subtilität ist wohl ein Fremdwort für den jungen Regisseur, der auf der unerträglich hohlbirnigen Audiokommentar-Spur den Eindruck eines eitlen Pimpfes macht, der seine flache „Mediensatire“ tatsächlich für ein philosophisches Schwergewicht hält und uns wohl auch in Zukunft nicht in Ruhe lassen wird. Der Spagat zwischen greller Satire und betont ernst gemeinter Melodramatik gelingt im übrigen keineswegs, auch stilistisch stellt „Free Rainer“ also eine Katastrophe sondergleichen dar. Man beachte, wie geschickt der Film ein paar wenige unbekanntere (und wirklich schockierende) Fakten einstreut und damit wichtig und brisant erscheinen will – dabei zeugt dies höchstens von einer ordentlichen Recherche...(01/10)

Die Bluthochzeit (2005)
Basierend auf einem belgischen Comic, fehlt dem Film jeglicher Sinn für das Absurde, sodass die groteske Ausgangssituation sich schnell abnutzt und spannungslos vor sich hin dümpelt. Den Dialogen fehlt jeglicher Sinn für humoristisches Timing, die kruden Geschmacklosigkeiten fallen allesamt harmlos und wenig erheiternd aus, die Figuren bleiben uninteressant und werden kaum ausgestaltet. Look und Erzähltempo sind viel zu sehr in der Realität verankert um den wahnsinnigen Zügen dieser Geschichte gerecht zu werden, weshalb Handlungsverlauf vor Unglaubwürdigkeiten und Logik-Löchern nur so wimmelt. Selbst die Zugpferde Armin Rohde (den ich sehr schätze) und Uwe Ochsenknecht (der immerhin ein solider Darsteller ist) lassen keine Spielfreude erkennen, passen sich an den behäbigen Stil des Films an und schalten wohl auf Autopilot. Wie das Ganze am Ende ausgeht interessiert dann wohl nur noch die Wenigsten, vor allem, weil bis zum Schluss jede Figur schablonenhaft bleibt. Wer dann eigentlich gestorben ist (und auf diese letztliche Eskalation schielt schließlich der gesamte Film), ist am Ende herzlich egal. Als überzeichnetes Portrait familiären Verfalls lassen sich Ansätze ausmachen (die wohl der mir unbekannten Vorlage entstammen, nehme ich jetzt einfach mal so an), die aber genauso wenig vertieft werden wie die Story verdichtet. (02/10)

Kurz und Schmerzlos (1998)
Das Kino-Debüt von Fatih Akin profitiert von dessen scharfer Beobachtungsgabe, die den inszenatorischen Details spürbare Authentizität verleiht. Jenseits bekannter Immigranten-Klischees beschreibt der Film die Lebensumstände dreier Freunde unterschiedlicher Herkunft exakt und emotional nachvollziehbar. Zum Ende hin verliert sich die Realitätsnähe in einer überflüssigen dramatischen Zuspitzung, deren tragischer Ausgang nicht den gewünschten Effekt erzielt sondern dem Film im Gegenteil viel an Kraft raubt. Als Auftakt einer künstlerisch wie kommerziell erfolgreichen Karriere kann man „Kurz und schmerzlos“ rückblickend einen gewissen Stellenwert nicht absprechen. Es ist der Film eines jungen Regisseurs, dessen Ziele schon erkennbar sind, auch wenn sie scheinbar noch nicht klar vor Augen lagen. In den besten Szenen inszeniert Akin bereits mit souveräner Leichtigkeit, was vor allem im Zusammenspiel der drei Hauptakteure sichtbar wird. Weniger gelungen sind gewollt kultige Einspieler wie ein fader Monolog mit dem Thema „der Tag, an dem ich aufgehört habe zu kiffen“. Das Ensemble überzeugt durchweg mit einer Schwachstelle: Ralph Herforth weiß überhaupt nicht zu überzeugen, wirkt überfordert und unfreiwillig komisch.(05/10)

Nordwand (2008)
Mit dem Bergfilm beschwört der erfolgreiche Videoclip-Regisseur Philipp Stölzl ein urdeutsches Filmgenre herauf, das längst in den Untiefen der Filmgeschichte verschollen schien. Stölzl lässt es sich nicht nehmen, sich ästhetisch auf die vorbelasteten Vorbilder von Leni Riefenstahl (wie schon in seinem umstrittenen Rammstein-Video „Stripped“) und Luis Trenker zu stützen und bildgewaltig jene Themen anklingen zu lassen, die wie geschaffen waren für die Blut-und-Boden-Ideologie der Nazis und dementsprechend korrumpiert wurden: Opferbereitschaft, Kameradschaft, der Sieg der menschlichen Natur über ihre eigenen Grenzen. Bei allem Anachronismus vergisst Stölzl nicht, das Genre an sich zu reflektieren – dies geschieht elegant über eine Nebenhandlung, in der die journalistischen Bemühungen thematisiert werden, die beiden Gipfelstürmern zu arischen Heldenfiguren zu stilisieren. Diese klugen Beobachtungen werden leider etwas verwässert durch eine redundante Liebesgeschichte, die reichlich Pathetik in den ohnehin schon emotional aufgeladenen Stoff bringt. Nicht zuletzt durch die herausragende Kameraführung entstehen atemberaubende Bilder vor malerischer Kulisse – rein formell ist der Film ein Traum und wird auch den großen Vorbildern gerecht, braucht sich diesbezüglich ebenfalls nicht hinter einschlägigen Hollywood-Filmen verstecken. Eine Vertiefung der genre-dekonstruierenden Elemente findet leider nicht statt - dennoch ist „Nordwand“ ein packendes, kerniges und bildgewaltiges Filmerlebnis geworden, in dem das Scheitern von Beginn an fest steht und so in den Mittelpunkt rückt. Für den ultimativen Abgesang auf den Bergfilm reicht es zwar nicht, dennoch unterm Strich ein hervorragend inszeniertes und in den Hauptrollen sehr gut gespieltes Abenteuer mit tragischem Ausgang...(7,5/10)

Ghetto (2006)
Möchtegern-bildungsbürgerliche Geschichtsstunde, trocken wie ein altes Stück Zwieback. Völlig überforderte Darsteller latschen durch triste Originalkulissen und sollen dabei Geschichte lebendig werden lassen. Die statische und einfallslose Stilistik ermüdet schon nach kurzer Zeit und auch erzählerisch hat der Film rein gar nichts zu bieten. Was in der Vorlage auf der Bühne vielleicht noch funktionieren mag, verkommt hier zum eintönigen Gedenkfilm zur Erinnerung an das Schicksal der litauischen Juden. Das respektable Ansinnen, diesen weniger bekannten Teil der Geschichte ins Licht der Aufmerksamkeit zu rücken, reicht längst nicht aus um den Film zu tragen. In seiner bemühten, letztlich aber zu galtten Umsetzung, schwimmt der Film im Fahrwasser von Mainstream-Vergangenheitsbewältigung wie „Schindlers Liste“ und versagt als ernst zu nehmende Auseinandersetzung völlig. Spätestens wenn die Ereignisse am Ende ihren unvermeidlich tragischen Lauf nehmen, verliert der Film jede Substanz und verkommt zur kalten Farce...(03/10)

Mein Führer (2007)
Vieles an diesem stimmt, vieles allerdings nicht. Um es kurz zu machen: Dani Levy zieht sprichwörtlich den Schwanz ein und verschenkt sämtliche kontroverse Schärfe, die in der ursprünglich geplanten Fassung durchaus reichhaltig vorhanden war zugunsten einer eher harmlosen Komödie, die leider mit einer bitterlich misslungenen Sequenz endet. Vorher hat man es aber immer noch mit einem prächtig ausgestatteten und vorzüglich gespielten Film zu tun, mit Helge Schneider in seiner ersten echten Rolle. Alleine der Hautdarsteller ist es wert, sich „Mein Führer“ anzusehen, so wunderbar nuanciert und ambivalent zeichnet dieser den demoralisierten Diktator. Auch Ulrich Mühe zeigt eine brillante Leistung, da gibt es nichts. Insgesamt aber leider ein Film, dem all die verspielten Chancen zu Gesicht stehen, der aber auch den besten komischen Hitler seit Chaplin zu bieten hat. Sehens- und diskussionswert, was sicher nicht das schlechteste ist, was sich über einen Film sagen lässt...(06/10)

Wolke 9 (2008)
Das viel beachtete und im Feuilleton umjubelte Meisterstück von Andres Dresen hat für mich alle Erwartungen erfüllt. Dem Tabu-Thema „Sexualität“ im Alter begegnet er ohne Verkrampfungen oder Kino-typischen Eskapismus. In den drei Hauptrollen absolut uneitel und einfühlsam gespielt, kinematografisch extrem nüchtern und naturalistisch gefilmt. Das gilt sowohl für explizite Sex-Szenen als auch für intensive, authentisch geführte Dialogpassagen, die größtenteils improvisiert wurden. Ohne schmückendes Beiwerk wie Hintergrundmusik oder künstlich erhöhtes Tempo begleitet der Film seine Figuren bis in die intimsten Momente, was zugleich schonungslos und ergreifend ist. Stilsicher, unprätentiös und in all seiner bitteren Tragik schmerzlich lebensnah...(09/10)

Kirschblüten (2008)
Vielleicht der bisher beste Film von Doris Dörrie. Psychologisch sehr genau gezeichnete Figuren helfen über so manchen allzu bemühten Dialog hinweg. Ohne langweilig zu werden oder das schwermütige Thema sentimental zu verklären, gelingt Dörrie eine glaubwürdige Reflexion allgegenwärtiger Fragestellungen rund um Alter, Verlustkompensation und spirituellen Abschied. Obwohl die Sezierung familiärer Reibereien teilweise punktgenau ausfällt widmet sich der Film einfach zu lang diesen Teilaspekten, auf denen aber klar ersichtlich nicht der Schwerpunkt liegt. Erst die Verlagerung des Handlungsortes nach Japan fördert auch die metaphysischen Anliegen zu Tage, die dann leicht zu kurz kommen. Mit dem Ortswechsel lösen farbenfrohe Aufnahmen von lyrischer Schönheit die zuvor karg gehaltenen Kulissen ab, mit dem die jahrelang eingefahrene Tristesse der deutschen Heimat eingefangen wurde. Mit der übermäßig symbolischen Bildsprache meint es der Film manchmal zu gut, gehört aber dennoch zu den besten deutschen Filmen seines Jahrgangs...(07/10)

Kurzfilme:

Menschenkörper (2004)
Kafka ist unverfilmbar und daran scheitert auch „Menschenkörper“, eine modernisierte und freie Adaption der Kurzgeschichte „Ein Landarzt“. Zu sehr hangelt sich die bizarre Story an der Vorlage entlang und gelangt zu einem unbefriedigenden, aufgebläht-bedeutungsschwangerem Ende. Bemerkenswert ist aber die formale Professionalität – Ausleuchtung, Kameraführung, Schnitt und atmosphärische Entwicklung erreichen ein sehr hohes Niveau für eine Produktion dieser Größe...(04/10)

My Little Boy (2007)
Entstanden als Studentenfilm an der IFS in Köln, hat dieses trockene Schwulendrama nicht wirklich etwas zu erzählen. Wie auch in „Ghetto“ reicht es einfach nicht, ein relativ vernachlässigtes geschichtliches Kapitel aufzugreifen (hier die Verfolgung von Homosexuellen im Dritten Reich) um dem Zuschauer eine nahe gehende Geschichte zu vermitteln. Solide gespielt, bleiben die beiden Hauptfiguren simple Schablonen, der emotionale Konflikt lässt kalt. Leidlich interessant ist die Gegenüberstellung leidenschaftlicher Selbstanerkennung und der daraus resultierende Flucht- und Freiheitsdrang im direkten Vergleich zum opportunistischen Rückzug in den Untergrund und damit die alltägliche öffentliche Selbstverleugnung. Unterm Strich für einen frühen Gehversuch akzeptabel aber ohne jede Relevanz...(2,5/10)

Taboo I & II (Kirdy Stevens)

2009-06-15T16:15:00.000-07:00

Da ich mich schon lange keinem Pornofilm gewidmet habe hier nun ein kleines Double-Feature zu zwei besonders geschmackvollen Genre-Beiträgen. Vielleicht gibt es zu beiden Filmen (oder zumindest zum ersten) demnächst auch mal etwas ausführlicheres...

Taboo (1980) & Taboo II (1982)

Schon der Titel kündigt eine Kontroverse an, die der Film auch mühelos einzulösen versteht. Zwar gab es im amerikanischen Pornofilm schon haufenweise nachgestellten Inzest zu sehen, doch stets in einem rüden Kontext. So war es vor „Taboo“ meist ein Vergewaltigungs-Szenario, Redneck-Sujet oder ein Sicko-Schockmittel – Regisseur Kirdy Stevens geht aber wesentlich weiter und inszeniert den (natürlich auch hier nur vorgegebenen) Inzest als sinnlichen und lustvollen Akt mit beiderseitigem Einverständnis. Bis sich Mutter und Sohn am Ende aber der Lust hingeben und aufhören, ihre Gefühle zu bekämpfen, lässt sich der Film viel Zeit um erotische Spannung zwischen den beiden Hauptfiguren aufzubauen und so gerät der eigentliche Tabubruch umso glaubwürdiger. Gerade weil sich beide Parteien über die Unmoral bewusst sind, mit sich hadern und auch gesellschaftliche Restriktionen fürchten, wirkt dieser sleazige Klassiker wesentlich stärker und nachhaltiger als ein beliebiger Inzest-Schinken, mit dem einfach ganz lapidar jeder mit jedem schläft. Kirdy Stevens glückt in „Taboo“ der am meisten ökonomische Tabubruch der Pornogeschichte – zwei eigentlich gewöhnliche Hetero-Szenen erhitzen die Gemüter, projizieren einen absurden ödipalen Wunschtraum auf die Leinwand und lösten einen handfesten Skandal aus. Übrigens bleibt es in diesem ersten Teil einer schier endlosen Reihe (von denen die ersten vier Fortsetzungen und Teil 7 noch von Kirdy Stevens stammen) der Sex zwischen Mike Ranger und Kay Parker der einzige „Inzest“ - nachdem der Film bis dahin Geduld beweist, folgt das zweite inzestuöse Schäferstündchen nur kurz nach dem ersten und macht dramaturgisch nur wenig Sinn.

Wer den letzten Satz belächeln mag weil es sich um einen Pornofilm handelt, sollte berücksichtigen, das man es hier durchaus mit Spielfilmqualität zu tun hat. Wer ein Herz für Exploitation und Bahnhofskino-Filme hat, der sollte sich diesen schmutzigen kleinen Kultfilm keinesfalls entgehen lassen. Drehbuchautorin Helene Terrie (welche die „Taboo“-Reihe noch bis zum sechsten Teil begleiten sollte und auch anderweitig mit Regisseur Stevens zusammenarbeitete) gelang ein stringentes Skript mit überschaubarer Personen- und Schauplatz-Anzahl und konzentriert sich sichtbar auf eine glaubwürdige (oder zumindest vorstellbare) Psychologisierung der Figuren. Sowohl Mutter als auch Sohn werden sinnvoll in ihr privates Leben eingebettet, ohne den Fokus ausschließlich auf korpulierende Körper zu setzen. Kurzweilig und straff erzählt, lässt der Film sein Thema lange in der Luft schweben – bezeichnend, das die Inzest-Sequenzen äußerst warm ausgeleuchtet sind und einen sehr soften, fast romantischen Charakter besitzen.

„Taboo" profitiert natürlich ungemein von der starken Hauptdarstellerin Kay Parker, die nicht nur aufgrund ihrer üppigen Erscheinung eine Idealbesetzung ist. Ihr reifer Charme und der liebevoll-zärtliche Umgang mit ihrem Filmsohn verleiht ihr eine perverse mütterliche Erscheinung, was von der berüchtigt-großen Oberweite des Genre-Stars noch unterstrichen wird. So geriet ihr Part in „Taboo“ zur Rolle des Lebens für Kay Parker, die sogar ihre Autobiografie nach ihrem bekanntesten Film benannte. Parker war für ihr bemerkenswertes schauspielerisches Talent bekannt und damit in der Pornobranche neben Marilyn Chambers ein Unikum. Unter dem bewusst ernst gehaltenen Grundton des Films scheint aber deutlich erkennbar eine schelmische Ironie heraus, die subtil daran erinnert, das man das Ganze bloß nicht zu ernst nehmen sollte...

Nachdem der erste Teil einen ausgewachsenen Skandal in den Vereinigten Staaten auslöste (der erst übertroffen wurde durch die Enthüllung von Traci Lords' Minderjährigkeit) und für mehrere Jahre im Gespräch war, musste ein Nachfolger her. Zwei Jahre hat es gedauert bis Stevens und Terrie ihren großen Erfolg fortsetzten, doch der zweite Teil hatte nur noch wenig mit dem Original gemein. Schon in der Eingangssequenz wird klar, das eine völlig andere Herangehensweise präsentiert wird als im fast schon seriösen Vorgänger, der fast ausschließlich „normale“ Hardcore-Szenen beinhaltete und viel Zeit für Dialoge und Erzählung einer Geschichte übrig hatte...

„Taboo II“ ist im Prinzip eine anarchische Parodie, nimmt das Thema keinesfalls ernst sondern zieht unbeirrt wie augenzwinkernd eine völlig abstruse Personenkonstellation auf, um alle erdenklichen inzestuösen Kombinationen zu bieten. Hier treiben es Bruder und Schwester, Vater und Tochter, Mutter und Sohn – alles lose verbunden zum Vorgänger, denn es spielt sich in einem Nachbarort ab. Das Gerücht um den Tabubruch zwischen Mutter und Sohn erreicht eine Familie, die plötzlich ganz ungeahnte Vorlieben entwickelt. Was sich dämlich und uninspiriert anhören mag, wird von Kirdy Stevens gekonnt aufbereitet, heiter und jederzeit schwer unterhaltsam. Hatte der ersten Teil einen neuen Trend losgetreten, so lotet dieser zweite Teil eben diese neuen Möglichkeiten aus und wendet das obligatorische Überbietungs-Konzept an. Im Gegensatz zum Original geht es hier fast nur um interfamiliären Sex, der nun völlig auf einen glaubwürdigen Unterbau verzichtet. Zwar weist auch „Taboo II“ noch echte Spielfilmhandlung mit überlegter Dramaturgie-Führung auf, funktioniert aber eben als Komödie und Gegenentwurf zum Vorgänger. Besonders deutlich äußert sich dieser signifikante Stimmungswechsel in der Dialogführung, die hier eindeutig komödiantischer Natur ist und ihr Trash-Potential kalkuliert ausspielt ohne an dreckigem Charme zu verlieren.

Beide Filme glänzen auch durch tollen Musikeinsatz und verfügen jeweils über einen originellen Titelsong. Extrem hoher Kultfaktor und vier von fünf Schwänzen nach oben...

(Review ist auch erschienen bei Pornoklassiker.de)

TV Tipps 15.06.-19.06.09

2009-06-14T08:32:00.000-07:00

Da meine Internet-Verbindung wieder stabil zu sein scheint verspreche ich jetzt mal ganz vollmundig (und trotz privater wie finanzieller Probleme) eine Auferstehung dieses Blogs und damit mindestens ein Posting pro Woche. Angefangen mit den TV-Tipps, die eigentlich auch mal von Lance Hardwood kommen sollten aber der hat ja als Vertretung jämmerlich versagt. Außerdem bietet 3Sat nun eine kleine Reihe mit Filmen meines Lieblingsregisseurs Woody Allen, was ja ein kleiner Grund zum Feiern ist...

Montag, 15.06.

20:15 – 22:15 Cop Land (Kabel Eins)

Finsteres Cop-Drama mit dickem Stallone und auch sonst tollen Darstellern. Rambo himself liefert eine seiner besseren 90er-Vorstellungen ab, während die fatalistische Storyentwicklung etwas zu sehr auf Eskalation abzielt und einen reißerischen Beigeschmack bekommt, der den dramatischen Ansprüchen von Regisseur Mangold nicht förderlich ist...

00:00 – 01:55 Lili Marleen (HR)

Leiser noch nicht gesehen, bestimmt aber einer der interessanten Fassbinder-Filme – und im Anschluss gibt’s noch DIE EHE DER MARIA BRAUN...

Dienstag, 16.06.

20:15 – 21:50 Im Bann des Jade Skorpions (3Sat)

Woody Nr.1 – Kenntnisreiche und hervorragend gespielte Hommage an den Film Noir, getragen von einem gediegenen Jazz-Soundtrack und feinsinnigem Humor. Ganz im Stil klassischer Screball-Comedys glänzt der Film durch scharfzüngige Dialoggefechte, flotte Erzählweise und intelligent gestreute Filmzitate...

23:00 – 00:45 Anything Else (3Sat)

Woody Nr.2 – Jason Biggs ist toll in der Hauptrolle, ebenso überzeugend der restliche Cast. Obwohl gewohnt tiefsinnige Einsichten (hier vor allem über die philosophische Funktion von Witzen) gewährt werden und auch ANYTHING ELSE ein sehr persönlicher Film ist, so macht die wenig clevere Handlung doch einen weniger inspirierten Eindruck. Allen entwickelt in seiner Komödie kein Tempo und ergeht sich zu oft in redundanten, wenn auch wie immer brillant geschriebenen Dialogen.

Mittwoch, 17.06

20:15 – 21:50 Sechs Tage, Sieben Nächte (ZDF)

Schwungvolle Screwball-Komödie alter Schule mit einem herrlich raubeinigen Harrison Ford und wunderschönen Drehorten. Ein angenehm luftiger Sommerfilm, der vor allem eins bietet: Gute Unterhaltung...

22:25 – 23:45 Schatten und Nebel (3Sat)

Woody Nr. 3 – Einer der wenigen reinen Studio-Filme von Woody Allen, der erfolgreich der Ästhetik des deutschen Expressionismus huldigt und eine kafkaeske Geschichte atmosphärisch und pointenreich entwickelt. Bis in die kleinste Nebenrolle grandios besetzt...

23:00 – 00:25 RoboCop (SWR)

Wegweisender Sci-Fi-Action-Meilenstein. Kompromisslos brutal, zeichnet Verhoeven ein zutiefst pessimistisches Zukunftsbild, das viel Raum lässt für zynische Medienkritik. Einer aus den Fugen geratenen Gesellschaft begegnet das Drehbuch nicht mit stumpfer Gegengewalt-Rechtfertigung...

Donnerstag, 18.06.

22:25 – 23:40 Zelig (3Sat)

Woody Nr. 4 - herausfordender, sperriger und in seiner gedanklichen Komplexität sehr anspruchsvoller Film, indem sich Allen als inszenatorisches Genie zeigt und unterschiedlichste Techniken in einer durchdachten Montage zu einem wahren Mosaik zusammenführt. Ein ganz großer Film, viel zu unbekannt und oftmals übergangen, auch von Seiten der seriösen Kritik.

Freitag, 19.06.

20:15 – 22:40 Das fünfte Element (Pro 7)

Knallbunte Zukunftsvision von Luc Besson, die leider sichtbar überambitioniert geraten ist und an allen Ecken und Enden aus dem Ruder läuft. Trotz reizvoller Dekors und erfrischend humorvollem Unterton scheitert der Film vor allem aufgrund der unzumutbaren Milla Jovovich. Die hat dann ja dem „Johanna“-Film von Besson endgültig das Genick gebrochen mit ihrem Anti-Schauspiel...

20:15 – 22:20 Wallace und Gromit: Der große Alles-Käse-Abend (S-RTL)

Alle vier Kurzfilme um die englischen Kultfiguren aus Knete. Immer wieder schön, auch wenn AUF LEBEN UND BROT nicht mehr den originären Charme der Vorgänger aufweist. Trotz allem ist auch der jüngste Streich sehenswert und bietet erstmals ein amouröses Abenteuer für den schweigsamen Hund Gromit...

22:25 – 00:10 Hannah und ihre Schwestern (3Sat)

Woody Nr. 5 (was für ne geile Woche)- Bemerkenswert dicht gestrickter Ensemblefilm. Zu Herzen gehend, wunderbar komisch und völlig unter Wert verkauft. Ein kleines Meisterwerk...

02:10 – 04:30 U-Turn (RTL II)

Oliver Stone mal ganz ohne Politik, Zeigefinger und Pathos, dafür wie gewohnt visuell verspielt. Mir gefällt diese dreckige, anti-moralische Pulp-Story sehr gut, auch wenn der Film natürlich nicht viel zu erzählen hat und weniger von seiner abgründigen Geschichte als von seinen skurrilen Figuren profitiert...

04:30 – 06:25 Block Party (RTL II)

Zur besten Sendezeit gibt es die TV-Premiere zum brillanten Konzertfilm von Michel Gondry. Obwohl es um eine gigantische Party von David Chappelle dreht, hält sich dieser enorm zurück und nutzt den Film keineswegs zur Selbstdarstellung. Die Musikeinlagen, darunter der erste gemeinsame Auftritt der Fugees seit vielen Jahren, gehen unter die Haut und sind auf intime Weise eingefangen.

Top 5: Die begehrenswertesten Frauen aus Film und TV

2009-05-18T07:07:00.001-07:00

Statt neuen Texten kann ich hier leider nur Listen und Kurzfilme präsentieren. Meine PC-Probleme sind noch nicht behoben. Glaubt mir, es kotzt mich wesentlich mehr an als euch. Anyway, hier nun meine Top 5 der aktuell begehrenswertesten Frauen der Film- und Fernsehwelt.

1. Julie Delpy
Weil die hinreißende Französin es mir schon in ihren ersten bekannten Rollen angetan (HOMO FABER, KILLING ZOE etc) hat. Ihre typisch französische Weiblichkeit hat etwas zartes, unberührbares und schon fast zerbrechliches, Intelligenz und Kreativität stehen ihr ins porzellanartige Antlitz geschrieben. Trotzdem bleibt sie stets eine selbstbestimmte Frau, die so gar keinen Schutz nötig zu haben scheint. Meine klare Nummer 1...

2. Scarlett Johansson
wegen ihrer üppigen Körperlichkeit, die beste Erinnerungen an Marilyn Monroe und andere klassische Hollywood-Diven weckt...

3. Cobie Smulders
weil das HOW I MET YOUR MOTHER-Sahneschnittchen unwahrscheinlich sympathisch und sexy ist. Ihr kerniger Akzent trägt viel zu ihrer Ausstrahlung bei, die im besten Sinne als sophisticated bezeichnet werden darf...

4. Lucy Liu
weil sie (ähnlich wie Michelle Pfeiffer)mit jedem Jahr schöner, weiblicher und sinnlicher zu werden scheint und alle begehrenswerten Eigenschaften einer Frau abzudecken scheint. Egal, ob man sich eine Domina, ein Zuckerstück oder eine Business-Frau wünscht - Lucy Liu ist in jeder Rolle vorstellbar...

5. Rosario Dawson
wegen ihrer bodenständigen Natürlichkeit und ihrem ganz bescheidenen Umgang mit ihren körperlichen Reizen. Larry Clark hat eben ein verdammt gutes Auge...

Animierte Kurzfilme: Fifty Percent Grey (2001)

2009-05-18T06:46:00.000-07:00

10/10

Meine Lieblingswestern: Top 20

2009-04-27T08:01:00.000-07:00

01. Abgerechnet wird zum Schluss (Sam Peckinpah)

02. Der Mann der Liberty Valance erschoss (John Ford)

03. Erbarmungslos (Clint Eastwood)

04. Töte, Django (Giulio Questi)

05. Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford (Andrew Dominik)

06. Vier Fäuste für ein Halleluja (Enzo Barboni)

07. Dead Man (Jim Jarmusch)

08. Johnny Guitar (Nicholas Ray)

09. Der schwarze Falke (John Ford)

10. Der mit dem Wolf tanzt (Kevin Costner)

11. Zwei glorreiche Halunken (Sergio Leone)

12. Little Big Man (Arthur Penn)

13. Django (Sergio Corbucci)

14. Heaven's Gate (Michael Cimino)

15. Pat Garret jagt Billy The Kid (Sam Peckinpah)

16. The Shootist (Don Siegel)

17. Brokeback Mountain (Ang Lee)

18. Duell am Missouri (Arthur Penn)

19. Ein Fremder ohne Namen (Clint Eastwood)

20. The Wild Bunch (Sam Peckinpah)

TV-Tipps 25.04. -01.05.09

2009-04-25T10:45:00.000-07:00

SAMSTAG, 25.04.

20:15 – 22:15 Wild Wild West
Eigentlich ist Barry Sonnenfeld ein fähiger Mann, hier verliert er den Plot völlig außer Augen und zelebriert ein penetrantes postmodernes Spektakel, das für subtilen Witz keinen Platz lässt...(03/10)

00:00 – 01:30 Kung Pow – Enter the Fist (RTL II)
Späte TV-Premiere zu ungünstiger Sendezeit. Extrem abhängig vom Nervenkostüm des Zuschauers denn so überdreht und schrill kam in den letzten Jahren kaum eine andere Genre-Parodie daher. Im Gegensatz zu „Scary Movie“ und allem was dazu gehört, lässt sich Steve Oedekerk hier richtig was einfallen und brennt ein Feuerwerk ausgeflippter Einfälle ab, bis zum bersten voll gestopft mit liebevollen Referenzen aber auch mit ganz viel Holzhammer-Humor, den man vertragen muss. Dennoch eine bemerkenswert brachiale Verbeugung vor dem Asia-Trash der 70er...(07/10)

SONNTAG, 26.04

20:15 – 22:25 Get Rich or die Tryin' (Pro7)
Vielleicht das größte filmische Verbrechen der letzten 10 Jahre. Nach dem schon beschissenen „8 Mile“ nun die verlogene und höchst bedenkliche „Geschichte“ von 50 Cent, der hier im Prinzip nur deutlich macht, was er für ein harter Typ ist. Ein reines Marketing-Produkt in bescheuerter Ästhetik. Verachtenswerter Müll – von Lance Hardwood übrigens mit 8 Punkten geadelt...(01/10)

20:15 – 22:50 Der Duft der Frauen (Arte)
Nicht so gut wie das Original. Trotzdem nett... (07/10)

MONTAG, 27.04.

20:15 – 22:00 American Werewolf in Paris (Das Vierte)
Überflüssiger Nachfolger, ohne den Ideenreichtum und die akzentuierte Regie eines John Landis. Spult müde Genreklischees ab, bleibt aber durch ironische Spitzen (denen natürlich die Feinsinnigkeit des Originals völlig abgeht) halbwegs unterhaltsam und spaßig...(ca.03/10)

20:15 – 22:25 Driven (Kabel Eins)
Abgeschmacktes, stinklangweiliges Vehikel für Stallone, routiniert umgesetzt von Renny Harlin – diverse bekannte Deutsche sind in Nebenrollen und Cameos zu sehen...(ca.02/10)

21:00 – 22:50 Vier Freunde (Arte)
Kenne ich noch nicht, hört sich aber gut an und stammt immerhin von der viel zu oft unterschätzten Regie-Größe Arthur Penn, dessen Filme eigentlich immer einen Blick wert sind...

22:45 – 23:55 Mit stählerner Faust (Kabel Eins)
Trashiger van-Damme-Klopper, der immerhin stellenweise Geschmack in Kulissenwahl und düsterer Ausleuchtung beweist und sich nebenbei allemal wegsnacken lässt...(3,5/10)

23:45 – 00:55 Panzerkreuzer Potemkin (Arte)
DER Lehrfilm für Cineasten, Filmstudenten, Filmwissenschaftler oder Kritiker. Eisensteins Montage ist ganz groß, der Film auch heute noch ein Hochgenuss...(geht wohl nur 10/10)

01:05 – 02:40 Immer Ärger mit Harry (ARD)
Hitchcock beweist ein minutiöses humoristisches Timing, dessen überlegene Feinfühligkeit wie aus einem Guss wirkt. Dramaturgisch geschlossen, unaufgeregt erzählt und mit erlesenen Darstellern besetzt...

DIENSTAG, 28.04

20:15 – 22:00 Senseless (Kabel Eins)
Größtenteils pubertäre Späße, teilweise auf ordinärem Niveau, vorgetragen als substanzlose Klamotte, die sich ganz auf den grimassierenden Slapstick von Hauptdarsteller Marlon Wayans beschränkt. Fähige Nebendarsteller wie David Spade und Matthew Lillard werden verschenkt...(ca.02/10)

20:15 – 22:10 Gnadenlos schön (Tele 5)
Unterm Strich misslungene, dennoch sehenswerte Satire rund um amerikanischen Schönheitswahn. Überzeugendes Ensemble, das leider in der ungeordneten Charakterfülle nicht die eigenen Möglichkeiten erreicht...(05/10)

23:05 – 00:40 Im Juli (RBB)
Schwächster Film von Fatih Akin, auch wenn ich noch nicht alle gesehen habe. Furchtbar vorhersehbare Love-Story ohne echte Wirkung, da helfen auch die natürlich agierenden Schauspieler herzlich wenig... (4,5/10)

00:35 – 02:25 Hollow Man (ZDF)
Unterschätzter Film von Paul Verhoeven, neben „Showgirls“ aber sicher dessen schwächste Regiearbeit. Die oberflächlich abgehandelten Subtexte lassen schon darauf schließen, das Verhoeven hier die Zügel aus der Hand genommen wurden. Im effekthascherischen Showdown geht dann jede Tiefenwirkung, wie auch jede grimmige Bösartigkeit, gnadenlos über Bord...(5,5/10)

MITTWOCH, 29.04.

20:15 – 22:30 American Beauty (Kabel Eins)
Fabelhafter Kevin Spacey, fabelhaftes Drehbuch von Alan Ball und fabelhafte Regieführung von Sam Mendes. Lustvoll seziert der Film den amerikanischen Mittelklasse-Traum von Suburbia, das gelobte Land gesicherter Existenzen. Und Chris Cooper wird zu oft vergessen in den diversen (berechtigten) Lobeshymnen... (09/10)

22:30 – 00:40 Die üblichen Verdächtigen (Kabel Eins)
Das geschliffene Drehbuch konzentriert erfolgreich auf ein abgründiges Verwirrspiel, das zum Schluss fulminant aufgelöst wird und angesichts der bestechenden Darsteller zu höchstklassiger Unterhaltung aufsteigt. Formal nahezu perfekt, fehlte mir irgendwie immer das Herz, auf mich wirkt der Film einen Hauch zu unterkühlt...(08/10)

DONNERSTAG, 30.04.

20:15 – 22:25 Schwer verliebt (Vox)
Ja, ich stehe dazu: Ich bin ein großer Farrelly-Fan und halte die beiden Brüder für die wohl besten komödiantischen Regisseure/Autoren, die das Genre zu bieten hat. Leider handelt es sich bei „Schwer verliebt“ um ihren wohl schwächsten Film, der sich gegen Ende betont politisch korrekt gibt und jede subversive Note verliert. Bis dahin gibt es zwar Farrelly-typische Entgleisungen und eine Menge gelungener Scherze, allerdings fehlen die feinen Zwischentöne. Außerdem entlarvt die verstockte Moral den Film als zahnlos – Jack Black hält sich hier aber noch im Zaum...(04/10)

21:00 – 22:30 Winterreise (Arte)
Einst in einer Aachener Sneak Preview gesehen. Eindringlich gespieltes Selbstfindungsdrama vor ungewöhnlicher, exzellent gefilmter Kulisse und intensiven emotionalen Höhepunkten...(ca.7/10)

22:25 – 00:30 Spurlos (Vox)
George Sluizer kastriert seinen phänomenalen Thriller für Hollywood, schleift jede abgründige Ecke ab zugunsten einer Starbesetzung. Für sich gesehen immer noch ziemlich effektvoll und spannend inszeniert, bei Kenntnis des Originals aber nicht nur verzichtbar sondern auch ziemlich ärgerlich...(03/10)

22:25 – 23:45 Paranoid Park (3Sat)
Was Larry Clark mit „Kids“ gelang ist bis heute unerreicht und beispiellos geblieben – van Sant kommt nicht an seinen Protagonisten heran, erzeugt trotz vorgeblicher Authentizität keinerlei intime Momente und zerfällt in uninteressante Versatzstücke. Viel mehr eine (gescheiterte?) Versuchsanordnung als ein echter Film...(ca.04/10)

22:45 – 00:25 Firewall – Ein todsicheres Programm (ARD)
Routine-Ding mit Harrison Ford. Nicht gesehen aber bestimmt mies.

01:50 – 04:15 Todesmelodie (ARD)
Der pulverdampfende Abgesang auf den Spät-Western, mit sicherer Hand von Maestro Leone in Szene gesetzt. Überragende Bildkompositionen, stimmungsvoller Score von Morricone und in den Hauptrollen brillante Darsteller – da lässt sich über die wenig stringente Geschichte hinweg sehen. Muss aber nochmal geschaut werden, eindeutiges Urteil derzeit nicht möglich... ;)

FREITAG, 01.05

07:00 – 09:05 – Weiße Jungs bringen's nicht (Vox)
Hervorragende Melange aus Sportfilm, Freundschaftsdrama und urbaner Komödie. Authentisch gespielt, in den Basketball-Szenen rasant gefilmt und geschnitten, darüber hinaus ehrlich in der Charakterzeichnung. Im Gegensatz zum Gros ähnlich gelagerter Komödien nimmt der Film seine Figuren ernst, ohne leichtfertig Sympathien zu verschenken und die behandelten Problematiken zu verklären...(08/10)

11:35 – 13:30 Aus dem Dschungel in den Dschungel (Pro7)
Ätzendes Remake zur tollen französischen Komödie „Little Indian“. Esprit, Spritzigkeit und Unverschämtheit des beseelten Originals gehen verloren, Tim Allen nervt mehr denn je...(01/10)

22:15 – 00:15 Deep Blue Sea (Pro7)
Lachhafter, lärmender Action-Schrott – schwache Effektarbeit, peinlich auf cool getrimmte Darsteller und voll von lahmen Gags...(03/10)

22:30 – 01:30 Eyes Wide Shut (RTL II)
Akribisch durchkomponiertes letztes Meisterstück von Stanley Kubrick. Ein gedankenreicher, elegant gefilmter Bilderrausch von betörender Wirkung, angefüllt mit psychosexuellen Bedeutungsebenen. Kidman und Cruise leisten ganze Arbeit...(09/10)

00:05 – 01:30 Mafia! (ZDF)
Schrecklich banale Genreparodie, die zwar einen gewissen filmgeschichtlichen Kenntnisreichtum zeigt, aber in jeder Beziehung hinter ihren Möglichkeiten zurück bleibt. Ungewohnt nerviger Film von Jim Abrahams, dessen beste Tage ja scheinbar lange vorbei sind... (2,5/10)

00:55 – 02:25 Quiet Earth (Arte)
Stimmungsvolles Endzeit-Drama von Geoff Murphy, aus der lang vergangenen Zeit, als dieser noch gute Filme drehte. Klare Empfehlung... (mindestens 7,5/10)

Filmtagebuch München (31.03.-17.04.09)

2009-04-22T09:04:00.000-07:00

Hier mein persönlicher Rückblick auf die Zeit, die ich in München verbracht habe, zumindest was Filme betrifft. 11 Kinobesuche habe ich geschafft, durch die vielen Kurzfilme komme ich damit auf knapp 40 Filme, ein paar im Fernsehen mit gerechnet. 4 mal habe ich die Reihe „Japanische Animationsfilme“ besucht, die sich mit den Wurzeln des Genres auseinander setzt und ein äußerst seltenes Programm zu bieten hatte. 2 Besuche gingen in die Retrospektive zu Apichatpong Weerasethakul, deren Ergebnisse mich wohl als Kunstbanausen entlarven werden. „Monsters vs Aliens“ musste wegen der 3D-Technik sein, „Gran Torino“ und die beiden „Dirty Harry“-Filme wegen meiner immer stärker werdenden Neugier auf Clint Eastwood. Als Buttgereit-Fan habe ich mich natürlich auch gefreut über die Gelegenheit, seinen „Captain Berlin versus Hitler“ schon sehen zu dürfen und 5 Filme im Fernsehen sind es dann auch noch geworden...

FILME IM TV:

Monsterland (7,5/10)
Erhellende Dokumentation von Jörg Buttgereit, die ihrem komplexen Thema allerdings nicht gerecht werden kann. Doch auch wenn viele der angerissenen Denkanstöße zu kurz kommen, taucht der Film doch mit sichtbarer Freude in seinen Gegenstand ein und fördert mehr zu Tage als übliche, ähnlich gelagerte Produktionen. Buttgereit beschränkt sich nicht auf Monsterdarstellungen in westlichen Produktionen und ihre vornehmlich psychologischen Funktionsweisen sondern nutzt die Gelegenheit um ein Thema einzubinden, das ihm selbst bekanntlich sehr am Herzen liegt: Den japanischen Monsterfilm und seine kulturelle Bedeutung – diese persönliche Note verleiht „Monsterland“ echten Charakter und hebt ihn trotz einiger Oberflächlichkeiten, die gerne hätten ausgebaut werden können, weit von der Masse ab. Ein für Einsteiger ebenso wie für gestandene Horror- bzw. Monsterfans geeigneter Streifzug, welcher durchaus einen etwas anderen Blick auf vermeintlich tot diskutierte Figuren wirft...

The Commitments (8,5/10)
Alan Parker entwirft eine vielschichtige und genau recherchierte Milieustudie, die ihr Setting authentisch abbildet und keinen Platz hat für kitschige Übertreibungen. Statt eine konventionelle Rise-and-Fall-Geschichte anhand altbekannter Schlüsselstationen zu erzählen bemüht sich der Film um die realistische Schilderung des schwierigen Beginns einer musikalischen Karriere. Das ungeschönte Stadtbild Dublins, die energiegeladenen Musikeinlagen und die unverbrauchten Darsteller tragen zum Gelingen dieses außergewöhnlichen Musikfilms bei, der seine Figuren weder heroisiert noch verteufelt und als wirkliche Charaktere mit Ecken und Kanten begreift. So verwundert es kaum, wenn Parker seine Geschichte unglamourös zu Ende gehen lässt, ohne einen Aufstieg zu Ruhm und Reichtum zu benötigen. Die straffe Inszenierung, welche trotzdem Platz lässt für eine melancholische Note, verpackt das Ganze in einen höchst unterhaltsamen, zu Herzen gehenden Film, der bis zum Ende seinen Sinn für Humor nicht vergisst und darüber hinaus keine redundante Liebesgeschichte erzählt, auch wenn die Personenkonstellation diese geradezu anbieten würde. So kann die Machart des Films verstanden werden als Entsprechung der vorgetragenen Musik: ebenso rau, ungeschliffen und aus dem Bauch heraus wie die Commitments im Film klingen, funktioniert auch ihre (fiktive) Geschichte...

Voll auf die Nüsse (4,5/10)
Dank des begnadeten Ben Stiller funktioniert diese grelle, laute Komödie über weite Strecken ganz gut, auch wenn sie sich immer wieder in peinlichen Zoten verrennt und auf pure Oberflächenunterhaltung aus ist. Dabei verschenkt der Film leider unzählige Möglichkeiten, die sich in diversen gelungenen Ansätzen zeigen: Sei es der spöttische Blick auf moderne Fitness-Studios und die Geschäftspolitik großer Ketten oder die in ihrer Herangehensweise originelle Verballhornung typischer Sportfilme amerikanischer Prägung. Letztlich zerfällt „Voll auf die Nüsse“ aber in ziellos umher geschleuderte Pointen, die insgesamt zu uneinheitlich ausfallen und auch qualitativ weit auseinander driften. Da ist von intelligent-hintergründig über moderat und bieder bis hin zu Intelligenz beleidigenden Blindgängern einfach alles dabei, was die Gesamtwertung deutlich runter zieht. Kurzweilig und manchmal gar schreiend komisch ist der Film also allemal, auch wenn er sein Potential nicht ausschöpft und nur dröge Figuren für seine Schauspieler bereit hält. Einzige Ausnahme bildet hier Stiller, der mit sichtlichem Spaß bei der Sache ist...

Ein Hauch von Nerz (6,5/10)
Schwungvolle Screwball-Komödie mit hinreißenden Darstellern und einem verschmitzten Drehbuch, das viel Platz lässt für Frivolitäten und hintergründige Geschlechterwitze. Doris Day und Cary Grant harmonieren sichtbar miteinander, bringen den nötigen Esprit in das Geschehen. Trotz einiger scharfzüngiger Dialogzeilen und doppelbödiger Witzeleien verläuft die Handlung sehr geradlinig, vorhersehbar und damit einfach zu glatt. Das ändert aber nichts an der schönen Unterhaltung, die diese mondän inszenierte Liebesgeschichte bereiten kann.

She's The One(7,5/10)
Die Regiearbeiten von Edward Burns gehören schon lange zu meinen Lieblingen, da es sich stets um erfrischend ehrliche, direkte und unkomplizierte Independentfilme handelt, die nicht selten an Woody Allen erinnern aber einen ganz eigenen Weg finden. „She's The One“ funktioniert als Quasi-Remake des extrem ökonomischen Debütfilms „Kleine Sünden unter Brüdern“ und erzählt damit eine sehr ähnliche Geschichte mit vereinfachter Figurenkonstellation und einigen bekannten Gesichtern. Anders als man vielleicht vermuten mag bedeutet diese Mainstream-Version aber keine Weichspülung des Originals, das leichtfüßig und beschwingt weiter gedacht wird. Auch wenn die Dialoglastigkeit und die eher schwammige Dramaturgie abschreckend wirken können, so findet dennoch eine glaubwürdige Entwicklung statt – auch wenn am Ende ein wenig zu dick aufgetragen wird. Ansonsten verläuft die Story in verhaltenem Tempo und richtet sich ganz nach den Gefühlen der Figuren, die durchaus ambivalent gezeichnet sind, auch wenn die Sympathien klar verteilt sind. Unterm Strich eine empfehlenswerte, luftig-lockere Beziehungskomödie, die (ungeachtet ihrer positiven Einstellung zum Leben) keine falschen Versprechungen macht und in ihrer liebenswerten Bescheidenheit ganz einfach gute Laune macht...

SONDERVORSTELLUNG IM MÜNCHENER WERKSTATTKINO:

Captain Berlin versus Hitler (2009) (07/10)
Buttgereit pur! Der ehemalige Underground-Regisseur mit Kultstatus kehrt zu seinen Wurzeln zurück und reanimiert Captain Berlin, eine Kunstfigur, die Buttgereit für einen frühen Super-8-Film erschaffen und auch eine Hauptrolle in einem seiner viel später entstandenen Hörspiele widmete. Hier wird Captain Berlin zum Gegenspieler Hitlers, dessen Hirn von einer durchgeknallten Nazi-Doktorin ins Leben zurück geholt wurde. Reichlich skurriler Stoff, den Buttgereit auf die Theater-Bühnen los lassen durfte, von Thilo Goosejohan geistreich montiert und rasant geschnitten. Mit sparsam eingesetzten Spezialeffekten, mit denen das Bildmaterial überarbeitet wurde sowie Gimmicks wie Sprechblasen, in denen der gesprochene Dialog erscheint, unterstreichen den filmischen Charakter – hier handelt es sich keineswegs um lieblos abgefilmtes Theater. Das versierte Spiel zwischen Kamera und Schnitt lässt beinahe vergessen, das es sich nicht um einen „richtigen“ Film handelt. Außerdem platziert Goosejohan geschickt Ausschnitte aus frühen Super-8-Filmen von Buttgereit, die innerhalb des Gesamtbildes eine völlig neue Funktion erfüllen und damit wunderbar als Selbstzitat funktionieren. Darüber hinaus ist die charmante Mischung aus Groschenheft-Krimi, politischer Groteske und Naziploitation, mit einem ganz tollen Ilsa-Verschnitt in der Hauptrolle...

REGULÄR LAUFENDE KINOFILME bzw. AUFFÜHRUNGEN IM FILMMUSEUM:

Monsters vs. Aliens (2009) 5,5/10
Der neue Animationsfilm aus dem Hause DreamWorks hätte endlich mal wieder eine runde Sache werden können: schließlich sind die besten Filme, „Antz“ und „Shrek“, schon eine ganze Weile her. Vieles sorgt hier für Stimmung: Da wäre zunächst einmal wie wunderbar eingesetzte 3D-Technik (alleine die Weltraum-Sequenzen sind eine Augenweide), die hier als Gimmick besondere Daseinsberechtigung hat, steht der Film doch in der Tradition des Genrefilms der 50er-Jahre, in denen erstmals ein großes Kinopublikum mit 3D-Effekten gelockt wurde. Auch die zahlreichen intelligenten Referenzen machen Freude, sind sie doch längst nicht so aufgesetzt wie gewohnt von DreamWorks von zitieren aus heute eher unbekannten B-Filmen. Ob „Angriff der 20-Meter-Frau“, Der originale „Blob“, „Die Fliege“ mit Vincent Price oder der „Schrecken vom Amazonas“ von Jack Arnold – pointiert und mit deutlicher Liebe zum parodierten Gegenstand bedient der Film ebenso alteingesessene Filmfans wie auch die Kinder, die an gelungener Situationskomik ihren Spaß haben können. Der Feinschliff fehlt aber wie üblich in der Figurenzeichnung, die vor allem sehr lieblos eine Hauptfigur präsentiert, die mal eben genau so aussieht wie eine Mischung des kleinen Mädchens aus „Bolt“ und Kim Possible. Natürlich stehlen die betont skurrilen Nebencharaktere ihr sämtliche Schau. Außerdem ist das löchrige Drehbuch nur wenig originell und im Showdown gar uninteressant. Nebenbei entwirft der Film ein positives Bild vom Militär, das in seiner reaktionären Einfachheit und loyaler Pflichterfüllung der Politik deutlich vorgezogen wird. So ist der Präsident nichts weiter als ein schusseliger Trottel, während der konservative General immer voll zu seinem Wort steht und am Ende den Tag rettet...

Gran Torino (2008) (9,5/10)
Der würdige Abtritt einer Ikone. Offensichtlich und doch subtil setzt Eastwood einen Schlusspunkt, in dem er all seine Figuren, die er in einer langen und erfolgreichen Karriere dargestellt hat, in einer bündelt und einen markanten Kommentar zum eigenen Gesamtwerk hinterlässt. Dabei entschuldigt sich der Filmemacher für nichts und versetzt gerade jenen Zuschauern und Kritikern einen Stich, die sich gerne zu einer faschistoiden Leseart seiner Filme und Charaktere hinreißen lassen und damit nur einen Teilgedanken wahrnehmen. „Gran Torino“ ist auch ein im höchsten Maße moralischer Film, im positiven Sinne des Wortes und gibt gleichzeitig einen Scheiß auf politische Korrektheit. Mit leiser Wehmut und doch stolz geschwellter Brust beendet Eastwood seine Karriere als Schauspieler und hätte sich dafür keinen eindrucksvolleren und kraftstrotzenderen Film wünschen können. Ein Meisterwerk und ein verdammt witziger Film dazu, so einfach und gleichzeitig so unwahrscheinlich komplex, reich an Gedanken und doch reduziert. Wunderbar...

The Enforcer (1976) (4,5/10)
Schlechtester Vertreter der Reihe um Dirty Harry, der im Gegensatz zur ersten Fortsetzung keine neuen Akzente zu setzen weiß und daher unangenehm in Routine erstarrt. Als Genrefilm durchaus brauchbar und auch mit einem fiebrig-guten Score von Jerry Fielding versehen, krankt der dritte Teil an den wenig charismatischen Nebenfiguren und der unattraktiv umgesetzten Action. So fehlt einer überlangen Verfolgungsjagd zu Fuß einfach jegliches Timing, Szenen wie diese bremsen das Tempo des fahrig inszenierten Films mehrfach aus. Clint Eastwood ist zwar cool wie immer und sorgt für ironische Zwischentöne, kann aber dem müden Handlungsverlauf nicht viel entgegen setzen...

Sudden Impact (1983) (07/10)
Nach dem schwachen direkten Vorgänger stellt diese reißerische Selbstjustiz-Geschichte eine klare Steigerung dar. Obwohl das eigentliche Thema nur wenig differenziert abgehandelt wird und wieder reichlich Stoff für eine faschistische Interpretation der Hauptfigur zulässt, ist der Film dem dritten Teil vor allem formal überlegen. Mit mehr Betonung auf Action und Bewegung erhält er als Copfilm eine wesentlich unterhaltendere Komponente und fügt neben einem sympathischen Partner (der bis zu seinem Tod natürlich nur Stichwortgeber bleibt) einen weiblichen Gegenentwurf zum dreckigen Harry hinzu. Auch wenn der Film eher die niederen Instinkte bedient: Die furiose Inszenierung und die starke Sondra Locke lasse über ideologische Fragwürdigkeiten hinweg sehen und klären den Blick auf einen knallharten Genrefilm, der es nie vergisst, eine gewisse Ironie durchscheinen zu lassen...

APICHATPONG WEERASETHAKUL (Retrospektive im Münchener Filmmuseum)

The Adventure of Iron Pussy (2003) 06/10
Herrlich schräge und überdrehte Agenten-Parodie, inszeniert als schrilles, thailändisches Camp-Musical. Voll von forcierten Fehlern, unbekümmertem Slapstick einfachster Machart und krude gezeichneten, überkandidelten Figuren. Nach einem amüsanten Beginn flacht das Konzept aber bald ab und weiß gegen Ende keine Akzente mehr zu setzen. Doch auch wenn dem Film vor Schluss die Puste ausgeht, so gefällt doch die minimalistische Ausführung, die Ideenreichtum und sicheren Umgang mit der Materie beweist. Die grellen Szenenbilder sind allerdings wenig abwechslungsreich, sodass sich die betont anachronistische Optik schnell abnutzt und unter der vergnüglichen Oberfläche nicht mehr viel offenbart als gepflegte Langeweile. Das alles natürlich unter der Berücksichtigung, das ich mit den mannigfaltigen Zitaten nichts anfangen, sie nicht einmal in großer Häufigkeit entdecken konnte. Aber wer kennt sich schon mit thailändischen Musicals, Soaps und frühen Actionfilmen aus?

Mysterious Object at Noon (2000)
Ich oute mich jetzt mal als totaler Kunstbanause: Der scheinbar in der gesamten Welt als Erneuerer des Kinos gefeierte Apichatpong Weerasethakul konnte mich mit diesem Film nicht erreichen. Wohl auch nicht die anderen Kinozuschauer, die nach der Vorstellung fast fluchtartig das Kino verließen und sich die Kommentare des Filmemachers gar nicht erst anhören wollte. Zwar gefällt die wahrhaft zeitlose, altmodische Optik, die eine Atmosphäre zwischen Fiktion und Dokumentation kreiert und teilweise sehr schöne, grobkörnige schwarz-weiß-Bilder hervor bringt – inhaltlich war mir das alles zu sehr Avantgarde. Wir lauschen einer diffusen Geschichte, die von unterschiedlichsten Personen weiter erzählt wird und so immer wieder neue individuelle Prägungen bekommt. Eine konventionelle Entwicklung findet nicht statt, lediglich eine gediegene Sammlung von Fragmenten, ausschließlich verbal weiter getragen. Vielleicht war die kulturelle Barriere zu groß für mich, doch dieser sich konsequent jeder Aktion verweigernde Film hat in erster Linie ein Gefühl erzeugt: Gewaltige Langeweile...

Thirdworld (1997)
In gewisser Weise eine frühere Version von „Mysterious Object at Noon“, die teilweise aus dem gleichen Material schöpfen und auch eine ähnliche Stimmung verbreiten. Mit präzisem Look für das Belanglose skizziert der Film ein einfaches Dorf und seine Einwohner, verweigert sich aber ebenso wie sein großer Bruder jedem eindeutigem Zugang. Zäher Stoff, der aber immerhin einen authentischen Blick auf ein dem Regisseur scheinbar gut vertrautes Milieu wirft...

Like The Relentless Fury of the Pounding Waves (1995)
Es ist wohl bezeichnend, das mir der trashige „The Adventure of Iron Pussy“ am besten Gefallen hat, in dem Teil der Retrospektive, die ich mir anschauen konnte. Die Filme, die den Ruf des Regisseurs begründet haben, konnte ich mir leider nicht ansehen, ein umfassenderes Bild werde ich mir bei Gelegenheit sicher machen. Vorliegender Kurzfilm kommt aber auch über einen reizvollen Ansatz kaum heraus und zeigt den hohen Stellenwert einer trivialen Radio-Unterhaltungsshow, die in Thailand scheinbar ein echter Straßenfeger ist. Mit sensationalistischer Erzählstimme werden Groschenheft-Geschichten vorgetragen, die für viele Menschen die Flucht aus einem tristen Alltag ermöglichen. So zeigt der Film verschiedene Personen, die allesamt an den Lippen der Show hängen und deren Leben in diesem kurzen Zeitraum wie erstarrt erscheint. Ein durchaus interessantes Frühwerk, für das die erklärende Einleitung allerdings auch bitter nötig war...

Mobile Men (2008)
Dreiminütiger Beitrag zum Kompilationsfilm „Stories of Human Rights“, der ein paar junge thailändische Männer auf der Ladefläche eines Pick-Ups zeigt. Die schreien rum, erfreuen sich ihres Lebens, zeigen ihre Tattoos (mit denen die Mädchen beeindruckt werden) und im Hintergrund zieht die Landschaft vorüber, die von üppiger Vegetation bestimmt wird. Ganz bestimmt auch ein visionäres Kunstwerk, das sich mir aber nicht im geringsten erschlossen hat...

Teem, Nov 21 (2007) 01/10
Weerasethakul filmt knapp 25 Minuten (gefühlte 10 Stunden) seinen Lebensgefährten beim schlafen. Ach nein, manchmal stößt er ihn leicht an, sodass der Schlafende mal kurz seine Augen öffnet. Bestimmt ganz tolle, grenzüberschreitende Kunst aber dafür bin ich dann doch zu sehr Banause. Mit knapp 30 anderen Erwachsendem einem schlafenden Typen zuschauen war schon ermüdend genug aber als dann im direkten Anschluss die Fortsetzung gezeigt wurde (ja genau, das gleiche Szenario am nächsten Tag!!) habe ich den Saal verlassen um mir eine Zigarette zu gönnen. So ein Unfug mag ja als experimentelle Kunst gelten und ganz doll viele Subtexte enthalten, die ich wahrscheinlich nicht verstehe aber hat Andy Warhol das nicht schon vor Jahrzehnten gemacht??

The Anthem (2006)
Als Auftragsarbeit für den König entstanden, läuft dieser handlungsfreie Kurzfilm scheinbar vor jeder Kinovorstellung in Thailand. Mit dynamischer Kamera gefilmt, sieht das Ganze zwar ziemlich gut aus, stellt aber im Endeffekt nur ein kurzes Gespräch zwischen drei Frauen dar, abgelöst von einem interessant abgefilmten Badminton-Training – ein Spiel, das sich in Thailand bekanntlich großer Beliebtheit erfreut. Am Ende drängt sich mir aber nur die Frage auf: Warum das Ganze? Dann doch lieber ein paar unterhaltsame Trailer...

Vampire (2008)
Wie die meisten anderen Filme der Retrospektive findet auch hier keine Handlung statt, die Bilder dieses von Luis Vitton mitproduzierten Films sind ebenfalls digital aufgenommen. In bizarrer Weise setzt sich der dokumentarisch aussehende Kurzfilm mit dem thailändischen Volksglauben an monströse Wesen auseinander, der in einer sehr naiven Form bis heute existiert, vornehmlich natürlich unter der ländlichen Bevölkerung. Die interessante Ausgangssituation wird aber eigentlich nur dafür missbraucht, halbnackte Männer mit Kamera und Taschenlampe durch den nächtlichen Dschungel zu schicken, beschmiert mit ein wenig Tierblut. Um das Ende zu spoilern: Sie werden nicht gefressen... ;)

JAPANISCHE ANIMATIONSFILME

Sparen mit Tasuke Shiobara (1925, 10 min)
Verstaubtes Relikt aus der Urzeit japanischer Animationsgeschichte. Wie so viele andere ist auch dieser kurze Lehrfilm nicht in seiner Originalversion erhalten geblieben. Der eigentliche Stummfilm lag nur nachvertont vor, praktischerweise im japanischen Original ohne deutsche oder englische Untertitel. Kein weiterer Kommentar zu diesem ohnehin vergessenswerten Filmchen...

An Expression (Ein Ausdruck) (1935, 3 min)
Rhythmus (1935, 2 min)
Propagate (Fortpflanzung) (1935, 4 min)
Rhythmische Dreiecke, Kämpfende Karten (1932, 4 min)
Faszinierende Fingerübungen des Experimentalfilmers Shigeji Ogino, der ohne eine professionelle Ausbildung hunderte von Schmalfilme herstellte und schon früh auch in Europa Achtungserfolge erzielen konnte. Ogino ist damit einer der Pioniere des japanischen Animationsfilms, dessen Werke meist eine Auslostung filmästhetischer Möglichkeiten darstellen. Die vier hier erwähnten Kurzfilme sind – jeder für sich – ein Spiel mit menschlicher Wahrnehmung von Bildabfolgen, die hier durch reine Bewegung ausgelöst wird. Die Bilder beziehen sich allein auf sich selbst und funktionieren durch Verscheibung von Formen und Strukturen, sowie durch effektvolle Schnittfolgen. Nur „Propagate“ beginnt mit einer fadenscheinigen Einführung, die an einen Lehrfilm zum Thema pflanzlicher Fortpflanzung erinnert. Schon nach wenigen Bildern wirft der Film seinen Deckmantel aber ab und entpuppt sich ebenfalls als rein formales Experiment, bestechend in seiner simplen Ausführung, bleibt aber dennoch hinter den beiden anderen Filmen zurück. „Rhythmische Dreiecke, Kämpfende Karten“ ist geteilt in zwei Abschnitte, deren Inhalt im Titel wieder gegeben wird, macht aber durch diesen herben Einschnitt in der Mitte der Laufzeit einen weniger einheitlichen und suggestiven Eindruck wie „Rhythmus“ und „An Expression“, die als Höhepunkte gewertet werden können.

Detektiv Felix in Schwierigkeiten (1932, 10 min)
Als einer Frau die Schuhe gestohlen werden wendet sich diese an den Katzendetektiv Felix, der auf den ersten Blick sieht, das es sich um das Werk eines Hundes handeln muss. Die gewiefte Katze macht sich auf den Weg um den Fall aufzuklären und begegnet dabei allerlei wunderlichen Gestalten... In Anlehnung an Felix The Cat entstand diese Detektivgeschichte, die in ihrer surrealen Ausgestaltung und wenig komischen Inszenierung allerdings sehr weit entfernt ist vom originalen Felix. Dieser tritt hier inoffiziell auf, als Blech-Spielzeug in einer fantasievoll dekorierten Umgebung, in der Puppen- und Zeichentrick eine interessante Symbiose eingehen. Ogino garniert auch „Detektiv Felix“ mit einigen netten optischen Highlights, die eigentliche Geschichte wird aber tempoarm erzählt und sehr schlicht zu Ende gebracht, ganz so, als hätte sich Ogino auch hier nur für das Formale interessiert und dem narrativen Aspekt keinerlei Bedeutung geschenkt...

Ein Tag in Hundert Jahren (1933, 11 min)
Der Filmemacher Shigeji Ogino findet sich in einer futuristischen Welt wieder - exakt hundert Jahre nach seinem eigenen Tod. Sein Geist wurde mittels moderner Technik zurück ins Leben gerufen und nun erscheint ihm sein Leben als Rückschau: 1932 war er ein begeisterter Regisseur, zehn Jahre später starb er im Weltkrieg... Shigeji Ogino inszeniert eine existenzphilosohische Parabel und setzt sich selbst in den Mittelpunkt einer dysutopischen, kafkasesken Rückschau auf die nächsten Hundert Jahre. Leider vefolgt der Film seine Fragestellungen nicht intensiv genug und bricht sehr abrupt ab, ohne die interessante Geschichte zu verdichten. Sie dient eher als Aufhänger für eine visuell ansprechend gestaltete Achterbahnfahrt durch einen Albtraum. In seiner nüchternen Machart erinnert er ebenfalls an Kafka, der mit ähnlich gelassener Stimme vergleichbar absurde Situationen kommentiert...

Perot der Schornsteinfeger (1930, 23 min)
Ganz Tom-Tam-Land ist aufgeregt über die Rückkehr des Prinzen in die Hauptstadt Tick-Tack. Auch der fleißige Schornsteinfeger Perot darf sich frei nehmen um die Parade zu Ehren des Prinzen anzusehen. Der von Zügen begeisterte Perot kann sich aber nicht zurückhalten und besteigt den privaten Zug des Prinzen, der ihm durch ein Missgeschick außer Kontrolle gerät und an einem Felsen zerschellt. Für dieses Vergehen verhängt der Premierminister die Todesstrafe über Perot, der als letzten Wunsch einen Blick vom Schornstein über die weite Landschaft wählt. Dort sieht er feindliche Truppen heran nahen und Hals über Kopf steckt das Tom-Tam-Land mitten in einem erbitterten Krieg. Perot, dessen Bestrafung zur Nebensache geworden ist, beteiligt sich eifrig an den erbitterten Kämpfen, doch der Feind ist in der Überzahl. Neue Soldaten müssen her - da erinnert sich Perot an ein Zauberei, das er von einer Taube erhalten hat, die er vor einem gefräßigen größeren Vogel gerettet hat. Das Zauberei entfesselt eine gigantische Armee und das Blatt wendet sich... Atmosphärisch dichter, teilweise sogar poesivoller Silhouettenfilm, der im Scherenschnitt-Verfahren hergestellt ist und eine eigentümliche Stimmung kreiert. Die tragische Antikriegs-Parabel wird durchbrochen von einigen komischen Einlagen, die aus der Unbeholfenheit einiger Bewegungsabläufe entstehen und nicht immer freiwillig erscheinen. Größtenteils anmutig erzählt, mit ebenso skurrilen wie märchenhaften Momenten versehen und in seinem Humanismus durchaus aufrichtig, lässt sich „Perot“ als absoluter Geheimtipp werten.

Drei kleine Bären (1931, 12 min)
Simpel gestrickter und eintöniger Kurzfilm, der ganz ohne Worte und ohne einen Ton Musik auskommt. Die steifen und langsamen Animationen gehen Hand in Hand mit dem verhaltenen Erzähltempo, wobei die pädagogisch sehr einfache Moral hier im Vordergrund steht, auf seine Eltern zu hören. Selbst der Filmhistoriker Akira Tochigi, der die Einführung leitete und anschließend Fragen beantwortete, wusste mit dem Film nicht wirklich etwas anzufangen. Nur aus historischer Sicht noch leidlich interessant als einer der ersten Filme der Japanischen Liga für proletarisches Kino...

Nippon Banzai (Japaner, kämpft!) (1943, 11 min)
Überaus brutaler Propagandafilm, in dem auf versierte Weise Zeichentrick- und Realfilmaufnahmen miteinander verquickt werden. Da werden Frauen und Kinder zu Boden getreten, Soldaten mit dem Bajonett getötet und die beständig bedrohliche Geräuschkulisse ist geprägt vom Lärm des Krieges. In seiner aggressiven Ausprägung rassistischer Klischees vom bestialischen Feind und der grafischen Gewalttätigkeit keineswegs kindgerecht, für einen künstlerischen Ausdruck ist dabei selbstverständlich kein Platz mehr.

Spionageabwehr (1941, 10 min)
Propagandistische Fabel, inszeniert als Warnung vor Verrätern in den eigenen Reihen und feindliche Spione, die ihre Augen und Ohren bekanntlich überall dabei haben. Funktioniert der fantasiereichere Anfang noch als muntere Allegorie (wenn auch äußerst platt vorgetragen), so mündet die Handlung schon nach der Hälfte in eine simple Verfolgungsjagd, deren absurder Verlauf sich deutlich an amerikanischen Vorbildern orientiert, hinter denen aber weit zurück bleibt. Nur selten schafft es der Film, die Möglichkeiten des Zeichentricks für jene Unmöglichkeiten zu nutzen, die man schon aus den frühen Cartoons mit Betty Boop oder auch Micky Maus kennt...

Luftschutz (1942, 10 min)
Ähnlich gestrickt wie „Spionageabwehr“, ist auch dieser Cartoon eine wenig differenzierte, patriotische Pro-Kriegs-Fabel, die es mit munterem Slapstick versteht, auch jüngere Zuschauer zu begeistern. Darüber hinaus kann die Geschichte keine Originalität bieten und ist auch in der drögen Figurenzeichnung meilenweit von den angestrebten Vorbildern entfernt.

Die Verbreitung von Krankheiten (1926, 14 min)
Eintöniger Erziehungsfilm, der vor liederlicher Lebensführung warnt und die Wichtigkeit sorgfältiger Hygiene thematisiert. Unfreiwillig komisch sind nicht nur die staksigen Animationen, auch die personifizierten Bakterien und die einfallslos gestalteten Hintergründe sorgen für den ein oder anderen Schmunzler in einer ansonsten biederen Umsetzung. Immerhin können vereinzelte visuelle Ideen überzeugen, wie die Darstellung des Dialogs in diese Stummfilm: Eine Sprechblase wandert vom Mund des Senders zum Ohr des Empfängers und durchqueren dabei auch die Zimmer einer exemplarischen Wohnung...

Kirschblüten (1946, 8 min)
Im Verzicht auf eine narrative Ebene und in der vollen Konzentration auf die Visualisierung klassischer Musik steht „Kirschblüten“ in der Tradition von „Fantasia“. Hier tänzeln Schmetterlinge durch eine surreal anmutende Traumwelt und werden zum Ausdruck für Maria von Webers „Aufforderung zum Tanz“. Bemerkenswert vor allem in der Eleganz der flüssigen Bewegungsabläufe...

Geschichte vom Muku-Baum (1947, 20 min)
Träumerischer Zeichentrickfilm, dessen zarte Bilder eine romantische Atmosphäre beschwören und den Inhalt eher in den Hintergrund treten lassen. Mit viel Liebe zum Detail ist hier ein außergewöhnlicher aber schwer zu fassender Film entstanden, der eine Wiederentdeckung durchaus lohnt...

Verbrechensvorbeugung (1948, 8 min)
Lehrfilm aus dem Nachkriegs-Japan, der anhand einfach gestrickter Beispiele das Vorgehen der Polizei in Japan rechtfertigt und zugleich Auszubildende anzuwerben versucht. Ohne auf die sozialen Missstände einzugehen pocht der Film extrem oberflächlich auf patriotischen Zusammenhalt. In den sparsam animierten Bildern spiegelt sich eine tiefe Verzweiflung und die kollektive Hoffnung auf eine Wiederherstellung von Ordnung und Normalität...

Ein magischer Federhalter (1946, 11 min)
Wesentlich hochwertiger und weniger plakativ als der oben genannte Auftragsfilm kommt dieser ebenfalls in der schwierigen Nachkriegszeit entstandene Kurzfilm. Durch den magischen Federhalter kann sich ein verwaistes Kind zunächst prachtvolles Essen herbei zaubern und macht sich anschließend an den Wiederaufbau der Ruinen, aus denen die Stadt nur mehr besteht. Direkte Berührungspunkte gibt es nicht zum Zweiten Weltkrieg, jede direkte Nennung von Orten, Feinden oder genauen Geschehnissen bleibt aus. Das sich alles am Ende als Traum heraus stellt ist zwar dramaturgisch die einfachste und wohl auch schlechteste Lösung, kann in diesem Rahmen aber nicht den grundsätzlich positiven Gesamteindruck zerstören. Vielmehr bleibt eine gewisse Traurigkeit, die sich über die kindliche Utopie legt, auch beim Zuschauer zurück, dem ein Happy End vergönnt bleibt.

Prinzessin Bagdad (1948, 48 min)
Unkonzentriert erzähltes und in der Handlungsentwicklung schematisch-vorhersehbares Werk an der Schwelle zwischen Kurz- und Langfilm. Trotz enormer Defizite, sowohl ästhetischer wie auch inhaltlicher Art, überzeugt der mitunter schelmische Humor und die unbeschwerte Adaption des arabischen Märchens, dessen Inhalt natürlich stark verzerrt wird. In seiner restaurierten und rekonstruierten Version sicherlich eine seltene Entdeckung, insgesamt aber nicht mehr als eine Fußnote in der Entwicklung des Genres. Zudem fehlt dem unentschlossenen der entscheidende Rhythmus – zu schleppend entwickelt sich das Geschehen für einen temporeichen Cartoon, für einen abendfüllenden Kinofilm fehlt es an Substanz und erzählerischer Dichte...

Geschichte eines sorglosen Stationsvorstehers (1948, 13 min)
Wenig beeindruckender Lehrfilm, der eigentlich nur eine Botschaft hat: Mach deine Arbeit richtig und sei glücklich dabei. Die Nachlässigkeit des Stationsvorstehers führt nach vielen redundanten Füllszenen schließlich zum Unglück und zwei Züge kollidieren in einem Tunnel. Schlimme Sache, der Film hat mir nichts gegeben – einige nette Gags waren aber schon dabei...

Torachan und seine Braut (1948, 15 min)
Interessant in seiner Betrachtung von traditionellen Wertvorstellungen und modernen Ideen funktioniert die als Fabel erzählte Geschichte als Komödie über Generationskonflikte. Nebenher zeigt er ein ganzes Land im Umbruch, traut sich aber nicht, eine eindeutige Stellung zu beziehen.

Gullivers gute Taten (1950, 9 min)
In deutlicher Anlehnung an „Gulliver's Travels“ aus den Fleischer-Studios zeigt auch dieser Kurzfilm eine gänzlich entpolitisierte, kindgerecht vereinfachte Version einer der vier Reisen des satirischen Romanklassikers von Jonathan Swift. Wenig individuell gezeichnet und in der Figurenanimation noch lange nicht auf amerikanischem Niveau, kündigt der Kurzfilm doch eine neue Ära im japanischen Animationsfilm an. Bis der jahrzehntelange Rückstand aufgeholt war, sollten zwar noch einige Jahre vergehen – dennoch zeigt sich hier eine Hinwendung zur professionellen Herstellung kindgerechter Animationsfilme. Neben den unnötigen Modernisierungen trübt aber der fehlende Sinn für Humor und Musikalität das Vergnügen, das wohl wirklich nur für die kleinsten erdacht wurde. Unter dieser vermeintlich unbeschwerten Oberfläche dient der Film aber auch als Erinnerung an die rechtzeitige Zahlung der Steuern als wichtiger Auftrag für den Einzelnen. Daraus resultiert eine sichtbare Abstufung des Individuums zugunsten des Allgemeinwohls...

Urashima Taro (1952, 2 min)
Anders als „Gullivers gute Taten“ handelt es sich hier um eine originäre japanische Geschichte, die tief in eine Unterwasserwelt führt und dort eine vergessene Stadt, bewohnt von friedlichen Drachen erzählt. Sehr abgehakt und wenig ausführlich erzählt, ist der Film leider zu kurz um die fantasievolle Idee auszuschöpfen, bietet aber eine ganz eigene lyrische Note, die sich nicht an amerikanische Vorbilder anbiedert. Stilistisch orientiert sich „Urashima Taro“ zwar noch stark am naturalistischen Stil der Disney-Filme, macht sich dabei aber erstaunlich gut und gehört mit Sicherheit zu den formal besten Filmen der Retrospektive. Hier wäre aber auch mehr drin gewesen...

Animierte Kurzfilme: 9 (2005)

2009-04-12T06:31:00.000-07:00

Am 09.09.09 (perfektes Datum) kommt der Langfilm zu Shane Ackers Machwerk in die Kinos. Hier könnt ihr euch schonmal den Kurzfilm ansehen.

Animierte Kurzfilme: Technological Threat (1988)

2009-04-03T05:35:00.000-07:00

Bis zum 17. April bin ich ohne Internet-Anschluss in München, daher wird es bis dahin keine Texte, auch keine Kurzkommentare, geben. Daher wieder mal ein toller animierter Kurzfilm - TECHNOLOGICAL THREAT (ging bei der Oscar-Verleihung leer aus zugunsten des wesentlich schwächeren Pixar-Films TIN TOY) wandelt auf den Spuren von Tex Avery und verbindet dessen anarchischen Stil mit beißender Gesellschaftskritik.
Viel Spaß und nach Möglichkeit bitte auf ofdb bewerten, damit dieser Perle ein wenig Aufmerksamkeit zukommt. ;)

The Lobo Paramilitary Christmas Special (2002)

2009-03-30T16:25:00.000-07:00

Was ist der verfräggteste Comic auf amerikanischem Boden? Natürlich Lobo, der Präsi. Viele halten so einen brutalen und wahnsinnigen Lesestoff ja für unverfilmbar. Scott Leberecht hat sie mit diesem Kurzfilm eines Besseren belehrt. Der vierzehn minütige Spass ist nach der Lobo-Kurzgeschichte „Paramilitärische Weihnachten“ gedreht. Die Story ist genau so simpel wie verrückt: Lobo, der interstellare Kopfgeldjäger wird vom Osterhasen angeheuert, um den Weihnachtsmann umzubringen, da die Weihnachtsfeiertage bei den Menschen beliebter sind als die Ostertage.

Erst einmal ein paar Worte zum Hauptcharakter: Lobo wurde im Jahre 1983 von Roger Slifer und Keith Griffen als Gegner der Omega Men (einem Superheldenteam aus dem Hause DC) erschaffen. Seine Präsenz beschränkte sich allerdings nur auf 7 von 38 Ausgaben (in #03 war der erste und in # 37 der letzte Auftritt). Mit dem Ende der Serie wurde auch der Charakter Lobo auf Eis gelegt, bis er schließlich in den neunziger Jahren generalüberholt wieder “zurückkehrte“. Zuerst beschränkte man sich auf einige Gastauftritte, gefolgt von mehreren Kurzgeschichten (unter anderem auch das „Paramilitary Christmas Special“ und „Lobocop“, eine Adaption von „Robocop“) und schließlich gelangte er zu seiner eigenen Serie, die immerhin 64 Ausgaben erreichte. Der Lobo-charakter der Neunziger sollte eigentlich das genaue Gegenteil der ganzen “sauberen“ Superhelden sein, die zu jener Zeit den Comicmarkt absolut beherrschten, vor allem sollte er aber eine Parodie auf Wolverine sein, einen der Anti-Helden des rivalisierenden Comicverlages Marvel. Sein übertrieben muskulöses Aussehen verdankt Lobo der Tatsache, dass die „Erdenhelden“ in Comics immer zu überzogen muskulös gezeichnet wurden. Seine Klamotten (Der „Bite Me Fanboy“ Spruch auf Lobos Rücken ist schon Kult) sind eine Hommage an den Stil der Hells Angels. Aber nun zurück zu den Comics: Die Comics zeichnen sich immer durch übertriebene Gewaltdarstellungen und zum Teil eigens kreierte Schimpfworte aus. Die Schimpfworte wie zum Beispiel der Ausdruck „FRÄGG“ wurde verwendet, um keine Fluchzeichen wie man sie aus anderen Comics kennt zu verwenden, man wollte aber gleichzeitig einen derberen Humor anschlagen und auch gleichzeitig der Zensur entgehen. Die verschiedenen Darstellungen von Gewalt ist natürlich der Hauptaspekt der Comics. Denn da Lobo unsterblich ist (er ist ein Wesen von solcher Bosheit, dass weder Gott noch der Teufel ihn um sich haben wollen) ist der Ausgang von Kämpfen, in die Lobo regelmäßig verstrickt wird, von vornherein schon mal klar. Zudem werden die Comics auch von einer Anti-Moral getragen, so ließt Lobo beispielsweise in einer Geschichte ein Buch(!) mit dem glorreichen Titel „Kurze und treffliche Geschichten über den Tod“.

So, kommen wir nun zum Film selber…

Der Lobo-Kurzfilm „Paramilitary Christmas Special“ wurde von Scott Leberecht 2002 im Rahmen des „Directors’ Studies Program“ des AFI (American Film Institute) realisiert. Scott Leberecht hat bis auf das „Paramilitary Christmas Special“ nur noch zwei weitere Filme gedreht, zum einen den Science Fiction Film „Natural Selection“ aus dem Jahr 2003 und zum anderen komödiantischen Kurzfilm „Underdog“ aus dem selben Jahr, der in der Ringerszene amerikanischer Highschools spielt. Mit diesen beiden Filmen hat er auch vier Preise auf diversen Film Festivals eingeheimst. Vor seinem Regiedebüt hat er aber schon an den visuell Effekts von Filmen wie zum Beispiel „Eraser“; „Spawn“ und „Sleepy Hollow“ mitgearbeitet.

Lobo himself wird verkörpert von Andrew Bryniarski, der zum Zeitpunkt des Drehs schon einige Rollen auf dem Buckel hatte. Man kennt ihn aus Filmen wie „Hudson Hawk“; „Higher Learning – Die Rebellen“; „Scooby Doo“ oder „Street Fighter“, wo er die Rolle des Zangief mimt. Nicht zu vergessen wären da auch noch seine Auftritte als Leatherface in „Machael Bays Texas Chainsaw Massacre“ und „Texas Chainsaw Massacre: The Beginning“.Der ohnehin schon muskelbepackte Körper von Andrew Bryniarski wurde durch Schmink- und Kostümeffekte gewollt etwas übertrieben dargestellt, da Lobo ja eine Persiflage an die “übermenschlich muskulösen Helden“ sein soll. Tom Gibis verkörpert den Osterhasen, seinen Gegenspieler/Auftraggeber. Tom Gibis leiht seine Stimme übrigens an Shikamaru Nara, einem der vielen Nebencharakter aus der „Naruto“ Anime Serie.

Der Lobofilm hat im entdefekt nur 2400 US Dollar gekostet, was man ihm aber keinesfalls ansieht. Eine kurze Zwischensequenz, in der man Santa Claus’ Werkstat am Nordpol sieht, ist in Zeichentrick dargestellt. Ansonsten ist dies ein realer Spass, der jeden Fan garantiert vom Hocker reißt (besonders wenn man nochmals das Budget anspricht). Der Film ist im nachhinein nicht so blutig geworden, wie es die Comics immer vorgemacht haben, aber die 14 bestehenden Minuten geizen nicht mit allerlei Skurrilitäten. So kommt Lobo Anfangs in die Bar und pöbelt auf seinem Weg zum Tresen schon jeden an, der ihm im Weg steht. Oder er „zermatscht“ ein kleines, niedliches, weißes Kaninchen, während er sich mit dem Osterhasen unterhält. Zudem ist der Film auch vollgestopft mit der in den Comics abgehandelten Antimoral. So werden weder der Osterhase, noch der Weihnachtsmann als gute und nette Typen dargestellt, sondern eher als profitgierige und sadistische Schweine. Lobo ist der einzige Charakter, der dem Zuschauer direkt sympathisch ist. Achtung! Spoiler-Warnung! So bringt er am Ende des Films sowohl den Weihnachtsmann, als auch den Osterhasen um, begleitet von der Feststellung, dass Lobo die Feiertage sowieso schon immer gehasst hat.

Erwähnenswert wäre da noch, dass Robert Moss, einer der Security-Elfen (die Lobo auch schnell über den Jordan schickt), in der deutschen Filmperle „Otto – Der Außerfriesische“ einen sehr kurzen Auftritt hatte.

Fazit: Für Fans auf jeden Fall ein absolutes Muss. Für alle anderen ein netter viertelstündiger Zeitvertreib. Und für 2400 Dollar ist der Film wirklich gelungen. Insgesamt 8 Punkte! Merkt man eigentlich, dass mir das Comic als Kind sehr gefallen hat?

Und hier ist der Film für alle, die ihn noch nicht gesehen haben...

Animierte Kurzfilme: Oktapodi (2007)

2009-03-29T11:40:00.000-07:00

Kurzkommentar wieder im Post weiter unten...

Animierte Kurzfilme: The Fly (1980)

2009-03-28T10:05:00.000-07:00

Sehenswerter Kurzfilm aus Ungarn, Kurzkommentar im unteren Post. Außerdem erster Vertreter einer neuen Blog-Kategorie. Viel Spaß!

Filmtagebuch: Animations-Kurzfilme

2009-03-27T20:39:00.000-07:00

Special Delivery (Kanada, 1978) Oscar-prämiert
Schwer makaberer Humor, präsentiert von einem sarkastischen, trockenen Voice Over. Fintenreich entwickelt sich der skurrile Plot völlig gegen den Strich gebürstet und vermag es, selbst abgebrühten Zuschauern einige erstaunliche Wendungen und Ideen aufzutischen. Dabei ist die Selbstverständlichkeit, mit der der Film seinen abgründigen Humor funktionieren lässt, ebenso unbequem wie erheiternd. Bis zum Schluss bleibt der 7-minütige Film unberechenbar, die betont einfachen, sparsam animierten und kindlich-harmonischen Zeichnungen kontrastieren den tiefschwarzen Inhalt sehr effektvoll...(8,5/10)

Every Child (Kanada/Frankreich, 1979) Oscar-prämiert
Sowohl technisch als auch erzählerisch sehr einfach gestrickt, humoristisch eher zahnlos und in seiner Verbindung zwischen Real- und Zeichentrickfilm recht dröger Kurzfilm, der aber über eine elegante atmosphärische Gestaltung Pluspunkte sammeln kann und letztlich auch seine zuckersüße Stimmung transportieren kann. Aufgrund der holprigen Machart und der wenig einprägsamen, trivialen Geschichte unterm Strich aber nur Durchschnitt...(05/10)

The Fly (Ungarn, 1980) Oscar-prämiert
Exakt durchkomponiertes, perfekt animiertes kleines Meisterwerk aus Ungarn. Sogar zu einer Hommage bei den Simpsons hat es dieser atmosphärisch einzigartige, beklemmende und verstörende 3-minütige Kurzfilm gebracht. Die gesamte Zeit folgt die Kamera der subjektiven Sicht einer Fliege, die neugierig umher fliegt und die es in ein Haus verschlägt, wo sie schließlich ihren gewaltsamen Tod findet. Die stark verfremdete „Fliegensicht“ auf die vertrauten Dinge zieht augenblicklich in ihren Bann und wird von der summenden Soundkulisse entsprechend verfeinert. Suggestiv, vieldeutig und nach einmaliger Sichtung garantiert auf ewig ins Hirn gebrannt... (09/10)

Tango (Polen, 1981) Oscar-prämiert
Intensive filmische Collage aus über die Funktionalität animierter Bilder wie über die Isolation des (postmodernen) Menschen. Überlegt konstruiert der Film eine schon bald hypnotisch anmutende Bildfolge, in deren Verlauf sich weder Kameraeinstellung noch musikalische Untermalung oder die Kulisse ändert. In faszinierender Gleichmäßigkeit füllt sich der Raum bis hin zur totalen Unübersichtlichkeit – ein Ereignis läuft neben dem anderen her, ohne das eine gegenseitige Wirkung sichtbar wird. Fraglos ein tiefsinniges gedankliches Konstrukt, das im strengen visuellen Konzept eine gewisse Ordnung findet und trotz aller Komplexität somit begreifbar wird...(8,5/10)

The Great Cognito (USA, 1982) Oscar-nominiert
Lauter, mit großer Kreativität und enormem Aufwand produzierter Kurzfilm, der sich durch einen burlesken Ton auszeichnet mit grandiosem Voice Acting glänzt. Neben dem witzigen aber überreizendem Wortschwall verlangt die kompliziert eingesetzte Claymation-Technik große Aufmerksamkeit um entsprechend gewürdigt zu werden. Trotz der formal exzellenten Machart kommt der anti-narrative Film anstrengend und leicht überladen daher, gefällt aber zumindest oberflächlich...(6,5/10)

Sundae in New York (USA, 1983) Oscar-prämiert
Charmantes Mini-Musical, das im Claymation-Look dem Zauber des alten Hollywood nachweint, dies aber mit gediegenem Witz und einer liebevollen Verbeugung vor dem Big Apple. Dennoch einer der schwächeren hier besprochenen Animationskurzfilme, wenn auch sehr gestenreich und überhaupt etwas over-the-top inszeniert...(5,5/10)

Charade (Kanada, 1984) Oscar-prämiert
Vor absurdem Witz sprühender Cartoon um Method Acting, ignorante Jury-Mitglieder und fragwürdige Casting-Entscheidungen – eigentlich auch über die ganze Absurdität der Filmbranche an sich. Durch verspielten visuellen Ideenreichtum bekommt der Kurzfilm den gewissen cartoonesken Touch, der dem Gros vergleichbarer Produktionen fehlt. In seiner spöttischen Unbekümmertheit ein sympathischer und außerordentlich witziger Film...(7,5/10)

Anna & Bella (Niederlande, 1984) Oscar-prämiert
Sentimental aber nie verklärend, sehr süß ohne Zahnschmerzen zu verursachen, ergreifend animiert doch niemals billig verkitscht. Die einfalls- und detailreich bebilderten gemeinsamen Erinnerungen zweier inzwischen greiser Schwestern sind zwar anrührend erzählt und profitieren von einem ganz eigenen, verschrobenem Charme – THE BIG SNIT ist aber der bessere Film und hat vielleicht wegen seiner gewagten Thematik gegen diesen doch sehr harmlosen, schrullig-schönen Film den Kürzeren gezogen...(07/10)

Een Griekse Tragedie (Belgien, 1985) Oscar-prämiert
Einziger enttäuschender Kurzfilm der Kompilation THE WORLDS GREATEST ANIMATION, der zwar in schöne handgefertigte Zeichnungen gekleidet ist, im Gegensatz zu den anderen Vertretern der Zusammenstellung aber so gar nichts zu vermitteln weiss. Die heitere Grundstimmung nutzt sich genau wie der immer wieder variierte Gag schnell ab und hinterlässt nicht viel beim Zuschauer. Leider sehr nichtssagend, vielleicht ist aber auch einfach der Funke nicht über gesprungen. Selbst der sehr simple LUXO Jr. hat mir da besser gefallen aber Pixar hat ja genug Oscars nachgeholt...(04/10)

The Big Snit (Kanada, 1985) Oscar-nominiert
Noch vor dem legendären Zeichentrick-Downer WENN DER WIND WEHT thematisiert Regisseur Richard Condie hier die Angst vor einem nuklearen Holocaust. Ungemein clever inszeniert er einen überhöhten, hysterischen privaten Streit vor dem Hintergrund der Eskalation des Kalten Krieges. Was als hintersinnige Karikatur auf die Kalter-Krieg-Paranoia beginnt, kulminiert schließlich in einem existentialistisch angehauchtem Traumbild, das in seiner Aufrichtigkeit wahrhaft zu erschüttern weiß, ohne jemals aufdringlich den Zeigefinger zu schwingen. Gerade der ruppige und bewusst irritierende Stilbruch zeichnet diesen zutiefst humanistischen und ehrlichen Film aus, der noch lange nach dem Abspann nachwirkt...(7,5/10)

Crac (Kanada, 1987) Oscar-prämiert
Komplexes, folkloristisches filmisches Gedicht aus sinnlichen, sehr weichen Zeichnungen. Versehen mit einer wunderbar melancholischen Schlusspointe und einer formell sehr ausgereiften Filmsprache. Wunderschönes Kleinod, unterlegt mit feinfühliger Musik und getragen von einer beachtlichen gedanklichen Tiefe... (08/10)

Your Face (USA, 1987) Oscar-nominiert
Ein kleines Meisterwerk von Groening-Vorbild Bill Plympton, in dem er seinen Hang zum Surrealismus voll ausspielt. Ein Gesicht vor leerem Hintergrund, das ein bizarres Lied vorträgt, reicht Plympton als Spielwiese für exorbitanten mimischen Anarchismus. In ständig fortlaufender Bewegung verändern sich die Gesichtszüge auf unbeschreibliche Weise. Ein in seiner kunstvoll arrangierten Flüssigkeit bemerkenswerter Kurzfilm, dessen visueller Einfallsreichtum immer wieder zu verblüffen vermag...(09/10)

Technological Threat (USA, 1988) Oscar-nominiert
Sowohl in der Figurenzeichnung als auch in der Hochgeschwindigkeitsinszenierung eine Hommage an die Animationslegende Tex Avery, auf dessen scharfkantigen Stil auch die Hintergründe und Bewegungsabläufe bewusst hinweisen. Sowohl als Erinnerung an die klassischen Werte des Cartoons, deren viele Gesichter niemals ausgeschöpft sein werden, als auch als eigenständige, gesellschaftskritische Satire äußerst gelungen. Der anarchische Slapstick trifft in den besten Szenen genau in die gleiche Kerbe wie die ätzend-süffisant vorgetragene Kritik an der zunehmenden Wegrationalisierung des Menschen, leider gegen Ende ein wenig ausgefranst und zu wenig auf den Punkt gebracht...(07/10)

The Cat Came Back (Kanada, 1988) Oscar-nominiert
In der Tradition klassischer Chase-Cartoons gestalteter Kurzfilm, der nicht viel um politische Korrektheit und sauberen Witz gibt, stattdessen einen beschwingte Musikalität an den Tag legt. Viel mehr wird die aberwitzige Gewalttätigkeit des Genres heraus beschworen und in betont grobschlächtigen Zeichnungen zelebriert. Auf den Punkt gebrachte Figurenanimation und eine sich geschickt steigernde Gagfolge verdichten sich zu einem bösen Spaß für Erwachsene. Zudem ist der titelgebende Song, der sich als Leitmotiv durch den ganzen Film zieht, gefällig komponiert, eingängig und als akustische Klammer virtuos eingesetzt...(7,5/10)

Tin Toy (USA, 1989) Oscar-prämiert
Der erste Oscar für Pixar und zwar völlig unverdient – sowohl THE CAT CAME BACK als auch TECHNOLOGICAL THREAT sind sowohl handwerklich als auch inhaltlich TIN TOY weit überlegen. Schon die grässliche Darstellung des menschlichen Babys macht den Film hässlich, katastrophal gealtert ist er dazu und die Bewegungen sind noch zu steif um wirklich zu überzeugen. Trotz all seiner Fehler kann TIN TOY mit einigen netten Ideen und einer tieferen Bedeutungsebene hinsichtlich der destruktiven Beziehung des Kindes zu seinem Spielzeug, wobei letzteres als Protagonist auftritt. Viele Aspekte nehmen jene Ideen vorweg, die in TOY STORY schließlich künstlerisch adäquat umgesetzt wurden...(5,5/10)

Balance (Deutschland, 1989) Oscar-prämiert
Herausforderndes, kafkaeskes Stück filmischer Existenzphilosophie und als Beitrag zur bildenden Kunst ebenso wertvoll wie als unterhaltender Kurzfilm. Die etwas steifen Bewegungsabläufe und die damit etwas ungelenke und leblose Visualität sind unbedeutende, verschwindend geringe Kritikpunkte angesichts der hier dargebotenen universell gültigen Parabel den menschlichen Hang zu Materialismus, Egozentrik und die Sackgasse, in der die menschliche Natur das Individuum führen kann. In erbarmungslos gleichmäßiger Ruhe entwickelt sich ein Miniatur-Drama, das die reizvolle Grundidee konsequent auszuspielen vermag, ohne dabei intellektuell überladen zu wirken. Schon die Gleichgültigkeit, in der die Figuren mimisch verharren und ihre zögerlichen, unbestimmten Handlungen erzeugen eine nur schwer verdauliche atmosphärische Dichte. Zudem bietet der Film mannigfaltige Bedeutungsebenen und kann sowohl soziologisch als auch politisch interpretiert werden. Verdienter Oscar...(8,5/10)

Creature Comforts (Großbritannien, 1989) Oscar-prämiert
Der famose Einstieg für Nick Park in eine Traumkarriere und der erste von bisher vier Oscars. Ähnlich wie seine Kultfiguren Wallace und Gromit very british und im gleichen Verfahren entwickelt. Die Stop-Motion-Technik macht hier bereits einen sehr ausgereiften und versierten Eindruck, stimmige Bewegungen und exakte mimische Gestaltung erwecken die Knetfiguren überzeugend zum Leben. Der trockene Humor resultiert aus der Ernsthaftigkeit, in der die Tiere Englands ihre jeweiligen Lebensumstände kritisch kommentieren. Ohne eine eigentliche Geschichte zu erzählen, behält der Film konsequent seinen Stil bei und ist durchgehend als Mockumentary in Szene gesetzt. Sehr amüsant aber auch nachdenklich und von einer gewissen Traurigkeit bestimmt, kann Parks Erstling (der mehr als zehn Jahre später einen Ableger in Form einer TV-Serie nach sich zog) heute noch überzeugen, auch wenn die intelligente Grundidee noch mehr hergegeben hätte...(07/10)

The Chubbchubbs! (USA, 2002) Oscar-prämiert
Der Film unterwandert das allgemein gepflegte Niedlichkeitsprinzip a la Disney, Pixar, DreamWorks und Co. Sehr geschickt, indem er sich der gleichen knuddeligen Ästhetik bedient, diese aber in einem unerwarteten Schlussgag ironisch aufbricht. Außerdem wird dem Zuschauer eine clevere Verbeugung vor dem originalen WAR OF THE WORLDS geboten, das wesentlich subtiler als gewohnt in die Handlung eingebettet wird, ohne aufdringlich heraus gestellt zu werden. Im übrigen bietet dieser erste Animationsfilm von Sony Pictures Imageworks eindrucksvolle Animationen auf hohem Niveau, durchgängig am Computer erstellt. Viel mehr als ein netter Gag ist der Film dann aber doch nicht...(07/10)

The Danish Poet (Norwegen/Kanada, 2006) Oscar-prämiert
In warmen Farben gehaltener, leise und geduldig erzählter Film, der eine traurig-romantische Stimmung kreiert, dem metaphysischen Aspekt der symbolträchtigen Story allerdings ein wenig zu viel Aufmerksamkeit widmet und daher ein auch religiös-verbrämt gelesen werden kann. Dennoch erstaunlich, wie der Film das Grafische hervor hebt und seine zweidimensionalen Bilder sehr streng stilisiert. Die großartige Liv Ullmann spricht einen sehr ausdrucksstarken und sensiblen Kommentar und übernimmt auch die wenigen gesprochenen Sätze aller Figuren. Was zunächst befremdlich wirken mag entwickelt seinen ganz eigenen, einnehmenden Charme und trägt maßgeblich zum Gelingen des Films bei, der mit seinen kindlichen, einfachen Animationen sowohl Sony als auch Disney und Pixar ausstechen konnte...(07/10)

Oktapodi (Frankreich, 2007) Oscar-nominiert
Nicht viel mehr als eine stilistische, verspielte Fingerübung – schon die Nominierung dieses französischen Filmchens scheint etwas überzogen, angesichts der mangelnden inhaltlichen Tiefe. Zwar können die (durchweg computergenerierten) Bilder überzeugen und durchaus neben der übergroßen Konkurrenz bestehen, die scharfen Pointen eines Pixar-Kurzfilms (in deren Tradition OKTAPODI eindeutig steht) bleiben aber weitestgehend aus. Die unkonzentrierte Dramaturgie findet keinen runden Abschluss, sodass selbst die tollen Farben und gelungenen Minenspiele der Figuren (in den etwas mehr als zwei Minuten wird auf Dialog verzichtet) nicht über den fehlenden Feinschliff hinweg täuschen können. Für die Academy ein überraschend oberflächlicher Beitrag, dessen gelungene Tricktechnik dennoch eine ansehnliche Visitenkarte für die Macher darstellt...(5,5/10)

TV-Tipps für Samstag von Lance

2009-03-27T11:44:00.000-07:00

12:35 Teen Wolf (RTL II)
Der Schüler Scott (Michael J. Fox) wird von einem Werwolf gebissen und verwandelt sich nun auch in einen. Komischerweise ist er aber von nun an der Star im Basketballteam seiner High-School. Und mit den Mädels klappt es plötzlich auch. Netter Horrorklamauk aus den 80ern.

13:05 Der Volltreffer (Tele 5)
"Harry und Sally"-Schöpfer Rob Reiner erzählt hier eine romantisch-witzige Geschichte über zwei Studenten (Daphne Zuniga und John Cusack) die nur auf Umwegen zueinander finden. Für alle, die gerade eine Beziehung hinter sich haben ist der Film nix. Für den Rest der Welt aber schon eine Empfehlung wert.

15:50 Der Gangsterschreck (Das Vierte)
Nostalgische Komödie um einen Juwelenraub mit anschließender Verwechslungsgeschichte. Netter alter Spaß mit Jerry Lewis und Dean Martin.

20:15 Tiger & Dragon (Pro 7)
Da ist ja schon wieder ein Ang Lee in den TV-Tipps!?! Diesmal mit seinem äusserst ruhigen Film über wahres Heldentum, Intrigen, Liebe und ein gestohlenes Schwert. Ässerst Elegant sind die , bis ins kleinste Detail durchchoreographierten, Martial-Arts Szenen anzusehen.

20:15 Mein Partner mit der kalten Schnauze (RTL II)
Dooley ist Ermittler beim Rauschgiftdezernat und arbeitet am liebsten allein. Nachdem er ein weiteres Mal Mist gebaut hat, wird ihm der Schäferhund Jerry-Lee zur Seite gestellt. Den beiden gefällt die Partnerarbeit zuerst gar nicht, doch mit der Zeit freunden sich die beiden an und arbeiten sogar effektiv. So effektiv sogar, dass sie zusammen einen ganzen Drogenschieberring auffliegen lassen können. Amüsanter Familienfilm mit James Belushi und einem aüsserst schauspielbegabten Schäferhund.

20:15 Flucht ins 23. Jahrhundert ( Tele 5)
Logan (Michael York) ist ein "Sandmannn" in einer unterirdischen Zukunfststadt. Sandmänner jagen "Läufer". Läufer flüchten vor der "Erneuerung", die sie an ihrem 30sten Geburtstag erwartet. Als Logan hinter die Wahrheit dieses Zykluses kommt, wird er selbst zum Läufer und wendet sich gegen das Regime. Sozialkritische Dystopie mit Oscar-gekrönten Effekten.

20:15 Comedian Harmonists (Das Vierte)
Sie hatten ihre erfolgreiche Zeit von 1927 bis 1934: Die Vokalistentruppe "Comedian Harmonists". Ganz nette deutsche Musikbiographie mit Ulrich Noethen, Heino Ferch und Ben Becker. Nicht nur empfehlenswert, wenn man persönliche Geschichten im historischen Kontext mag.

22:10 Coma (ARD)
Ins künstliche Koma versetzte Patienten einer Klinik dienen der Organmafia als lebende "Lager" ihrer Ware. Boss des Rings scheint der Klinikchef selbst zu sein. Zwei Ärzte, u. A. Michael Douglas, stellen Nachforschungen an. Der Roman von Robin Cook wurde von seinem Kollegen Michael Crichton verfilmt. Sehr Spannend.

22:20 Tremors (RTL II)
Im Wüstennest Perfection treiben riesengroße, fleischfressende Würmer ihr Unwesen. Fred Ward, Kevin Bacon und Michael Gross versuchen sie mit aller Waffengewalt auszumerzen. Grandiose Hommage an alte B-Movie Trashfilme, die sogar mit drei Fortsetzungen gekrönt war. Von den Raketenwürmern kann man halt einfach nicht genug bekommen.

23:00 Die Stunde der Komödianten (MDR)
Im Haiti der 60er Jahre droht ein Bürgerkrieg auszubrechen. Dem Hotelier Richard Burton ist das egal, denn er hat eine Affäre mit der Frau (Elizabeth Hurley) des Botschafters (Peter Ustinov). Als die Lage zu eskalieren droht, ist ein großes Reinemachen angesagt. Spannender Politthriller vor ungewohnter Kulisse nach einer Story von Graham Greene.

23:35 Switchback (ZDF)
Ziemlich packendes Katz-und-Maus Spiel mit Dennis Quaid, Danny Glover und Jared Leto. Inszeniert wurde der Reisser von "Stirb Langsam"-Autor Jeb Stuart. Ein raffinierter, kurzweiliger Thriller, der bis jetzt noch stark unterschätzt wird.

0:00 Schrei in der Stille (WDR)
Wir schreiben die 50er Jahre. Der Junge Cameron verfällt seiner Nachbarin, was seinen kleinen Bruder Seth ziemlich entsetzt. Denn für Seth ist die gemeinsame Nachbarin ein Vampir. Ein atmosphärisch-surrealer Thriller mit dem neuen Gesicht der Cronenbergfilme: Viggo Mortensen.

0:20 Warlock - Satans Sohn (Kabel 1)
Der erste Auftritt von Julian Sands als Zauberer Warlock! Dieser soll im Mittelalter hingerichtet werden, kann aber mit det Hilfe von Satan selbst ins Jahr 1989 fliehen. Die durch den Zauberer gealterte Kassandra versucht ihn aufzuhalten und dadurch ihre Jugend wiederzuerlangen. Sehr sehr amüsante und vor allem charmante Trash-Perle

01:30 Der Bulle von Paris (ZDF)
Ein knallharter Kommissar (Gérard Depardieu) lässt einen Drogenhändlerring auffliegen und verliebt sich in die Freundin eines seiner Opfer (Sophie Marceau). Die Fernsehzeitung meines vertrauens schreibt:"Ein unkonventioneller Noir-Krimi mit Tiefgang. Seinerzeit zu unrecht gefloppt."

TV-Tipps 09.02. - 27.03.09

2009-03-21T10:08:00.000-07:00

Samstag, 21.03.09

20:15 - The Time Machine (RTL II)

Bieder Neuverfilmung eines visionären, stilprägenden Romans. Die 50er-Verfilmung bleibt unerreicht, sowohl schauspielerisch als auch inszenatorisch ein gesichtsloser, wenig reizvoller Film, der gepflegte Langeweile verbreitet und sein gesellschaftskritisches Potential außer Acht lässt... (ca.3,5/10)

20:15 - Dick & Jane (Sat.1)

Konventionelle und harmlose Komödie - anschaubar, ohne aber echte Akzente setzen zu können. Bleibt kaum in Erinnerung... (4,5/10)

22:00 - The Ring (Pro 7)

Überflüssiges US-Remake, das alle Klischees bestätigt - Amis schauen nur ausländische Filme, wenn man sie exakt nachfilmt. Jede Neuerung gegenüber dem Original erweist sich als überflüssig und unmotiviert, auch wenn Verbinski einen visuell ausgeprägten Stil besitzt und Naomi Watts mitspielt... (02/10)

Sonntag, 22.03.09

13:40 - Der Bär (WDR)

Malerischer Tierfilm von Jean-Jaques Annaud, der einmal mehr atemberaubende Landschaftsaufnahmen mit leisem Erzählton zu verbinden versteht. Bewegend, unvergesslich... (09/10)

18:15 - Zwei wie Pech und Schwefel (Kabel Eins)

Eindeutig nicht der beste Film mit Spencer und Hill, doch mein persönlicher Liebling, was sich wohl ausschließlich nostalgisch begründen lässt. Der ultimative Klamauk-Prügelfilm, sympathischer gehts nicht... (07/10)

20:15 - Fluch der Karibik (Pro 7)

Der Film zur Themenpark-Attraktion, flach wie ein Brett und viel zu sehr in seine bombastischen Bilder verliebt. Typisches Bruckheimer-Kino, das von Gore Verbinski und Johnny Depp einen minimal individuellen Touch erhält. Wer hier von Johnny Depp beeindruck ist und von großer Schauspielerei redet, hat noch viel, sehr viel nachzuholen... (4,5/10)

20:15 - Dieter-Der Film (RTL)

Satrische Nachzeichnung der Ausnahmekarriere des Dieter Bohlen. Schön animiert und typisch deutsch, sympathisisert der Film viel zu sehr mit seiner Hauptfigur... (04/10)

23:10 - Irgendwann in Mexiko (Pro 7)

Gnadenlos aus dem Ruder gelaufener Abschluss der Mexiko-Trilogie von Robert Rodriguez, der hier ein unwahrscheinliches Star-Aufgebot verschwendet und sich erzählerisch wie nie zuvor verheddert. Misslungen, da hilft auch keine noch so krude Gewalteskalation... (03/10)

00:10 - Shocker (Tele 5)

Horror von Altmeister Wes Craven, der gar nicht so dumm ist, wie es zunächst den Anschein macht. Unausgegorener kreativer Rückschritt, der aber schon interessant, unterhaltsam und mit sardonischem Humor versehen ist... (4,5/10)

01:10 - Fellinis Il Bidone (MDR)

Fazit meiner ofdb-Kritik, die zweifellos unwürdig für eine solch überwältigende Tragödie ist: Auch „Il Bidone“ ist ein frühes Meisterwerk Fellinis, vereint die heitere Leichtigkeit seiner Inszenierung mit einer zutiefst moralischen, ernsten Lebensbetrachtung, welche auf hervorragende Weise eingefangen wurde. Mit bitterer Ironie serviert uns der Film ein konsequentes Finale, welches mit der Wucht einer griechischen Tragödie auf den Zuschauer einstürzt und diesen zutiefst erschüttert zurücklässt. Unbdingt ansehen und/oder aufnehmen!! (09/10)

Dienstag, 24.03.09

20:15 - Outland (Tele 5)

Ist schon sehr lange her, mir aber als hochatmosphärisch und dezent gesellschaftskritisch in Erinnerung. Connery gefällt mir hier ziemlich gut, Peter Hyams inszeniert mit routinierter Hand. Muss aber nochmal geschaut werden...(ca.07/10)

23:25 - Die Faust im Nacken (BR)

Meisterwerk. (09/10)

03:30 - Dreist und Gottesfürchtig (RTL II)

Sicherlich nichts besonderes aber ein Film von und mit Marty Feldman und schon daher erwähnenswert, wird auch nicht alle Tage gesendet. Insgesamt ein wenig zu brav und etwas chaotisch inszeniert, lebt der Film von einigen sehr gelungenen Einzelsequenzen, die sich leider nicht in ein stimmiges Gesamtbild fügen wollen. (05/10)

Mittwoch, 25.03.09

20:15 - Gangs of New York (Kabel Eins)

Scorseses History of Violence mag überfrachtet und unausgewogen sein. Dennoch ein überwältigender Bilderrausch in der Tradition des alten Hollywood, der mit einem sagenhaften Ensemble gesegnet ist. Als historische Studie eventuell unzureichend, als ausladendes Ausstattungs-Epos allerdings eindrucksvoll.

20:15 - Im Auftrag des Drachen (Das Vierte)

Eastwood inszeniert vor allem die Schauwerte sehr gut, erzählt aber eine eher spannungslose und banale Geschichte. Technisch aber herausragend... (4,5/10)

22:25 - Wer mit dem Teufel reitet (3Sat)

Ungewöhnlicher Western von Ang Lee (ja, das ist der, der die Cowboys später schwul gemacht hat ;), sehr sorgfältig inszeniert und eindrucksvoll bebildert. Mit dem Widerstandkampf gegen die Yankees betrachtet der Film einen eher vernachlässigten Aspekt amerikanischer Geschichte. Dabei nimmt er die Perspektive seiner Protagonisten ernst, ohne verklärendes Heldentum anzubieten. Kraftvoll, aber auch zäh - ein Film, auf den man sich einlassen muss, um seine Qualitäten erkennen zu können... (7,5/10)

Donnerstag, 26.03.09

20:15 - Metro (Sat.1)

Immerhin mit Michael Rapaport besetztes Vehikel für Hauptdarsteller Eddie Murphy, in dem er einen halbherzigen Imagewechsel vollzieht. Ein klein wenig ernster und doch nur ein weiterer Aufguss des Beverly Hills Cop - nur für beinharte Anhänger der Quasselstrippe aber garniert mit einigen sehr guten Stunts... (04/10)

20:15 - Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen (Vox)

Die Erschütterung, welche durch die erste Sichtung ausgelöst wurde, hält bei mir bis heute an. Eine groteske Gurke, kaum mit Worten beschreibbar: ob als Vergewaltigung der kontroversen, intelligenten Vorlage, als selten langweiliger Blockbuster mit mangelhafter Effektarbeit oder als letzter Film des oft überschätzten Sean Connery - in jeder Hinsicht unfassbar... (01/10)

22:15 - Cliffhanger (Vox)

Kann man sich zwar nicht im TV ansehen, ist aber immer noch einer der besten Actionfilme überhaupt. Ein denkwürdiger Stallone, der von starken Nebendarstellern hervorragend unterstützt wird, atemberaubende Außenaufnahmen und packende Spannungsdramaturgie. Immer wieder gut... (08/10)

03:00 - Ich glaub' ich steh' im Wald (RTL II)

Gefühlsechtes Jugendporträt, das sich nicht um eine stringente Erzählung bemüht sondern viel eher versucht, die Sorgen und Nöte seiner Figuren nachzuvollziehen, ohne aber die Highschool zu romantisieren. Tolle Darsteller und lebensnahe Dialoge veredeln den Film, der aber wie die meisten Werke von John Hughes bereits von einer hauchdünnen Staubschicht überzogen ist... (7,5/10)

Freitag, 27.03.09

20:15 - Voll verheiratet (RTL II)

Grauenhaft spießige und schlecht gespielte Romanze mit eindeutigem Blick auf ein naives Teenie-Zielpublikum, das die klebrige Romanze tatsächlich für glaubhaft erachtet. Geht überhaupt nicht, da hilft auch die süße Brittany Murphy herzlich wenig, die in solchen Filmen als Hauptdarstellerin nichts zu suchen hat... (02/10)

20:15 - Dragonheart (Vox)

Nette Effekte und charmante Darsteller garantieren harmlose Unterhaltung, die wahrscheinlich keinem ans Bein pisst. Trotz guter Ausstattung bleibt aber nicht viel zurück, außer vielleicht Connery in einer seiner besten Rollen... (05/10)